EL CINETRÁFICO

Los costos

La industria fílmica mundial debe ser un sector organizado, profesional y experto. Genera tecnología de punta, entretiene, enseña, permite soñar, añorar y debe elevar un tanto los niveles del intelecto poblacional.

En dicha industria cinematográfica hay enormes capitales involucrados en producción, distribución y ofertas derivadas. Su producción ha reducido costos con base en tecnología digital, cámaras poderosas de bajo costo, alta definición, software de edición, ingeniería de sonido fácil.

A ello se agrega una reducción de costos en publicidad, con base en portales web con links, accesos a fotografías, artículos de interés, farándula, promoción de DVDs. Sumado ello, a la gratuidad que aporta la academia. Sus festivales, sus nominaciones fáciles, sus publicitados premios, sus alfombras rojas, promocionan las películas sin que los productores tengan que aumentar los presupuestos estimados.

Los grandes estudios construidos para el efecto han sido reemplazados por laboratorios digitales, un paquete de computadores de alta potencia, software sofisticado, fondos azules y actores hablando frente a ellos, con su propia imaginación, para luego agregar efectos especiales.

La competencia desleal

En este reciente universo fílmico surgen los oportunistas. Egresados, con o sin talento, de las nuevas facultades de “garaje” que en todo país se encuentran, desempleados de la industria seria, manipuladores de las reglas del mercado, explotadores del amplio mundo de salas de teatro y de sus distribuidores sorprendidos por la falta de asistencia del público.

Aparecen las “pirámides” fílmicas. Aporta tu la dirección, aporta producción, aportemos un poco dinero, contemos con tu reconocido nombre y recojamos frutos sin esfuerzo alguno. Todos participan, todos ganan, el público desprevenido pierde.

Pululan las nominaciones engañosas. Para una película común se mezclan ingredientes políticos altisonantes, se busca apoyo en algún libro medianamente escrito, se produce en un país con bajos costos y se promueve su nominación. La sola mención de este “reconocimiento” en un poster, jala al público, el cual desperdicia su tiempo. Se generan abstrusos debates intelectuales y se estafa al asistente a los teatros.

Los carteles del cinetráfico

Al igual que en las actividades ilícitas, surgen pequeños carteles, con una ruta, o capos temporales, con un gran “envío”. Surge un director “genio”, joven, desconocido, un pequeño apoyo financiero, un grupo de amigos dispuestos a divertirse jugando al gran cine, un lobbying para llegar a alguno o varios festivales. Todos dispuestos a hace recorrido internacional apoyados en un financiamiento externo, que proviene de las invitaciones festivaleras, y otro financiamiento interno, que proviene del paseo por la taquilla local de cada país y del escamoteo de unos dólares en el interminable recorrer con un producto mediocre bajo el brazo. A medida que se va haciendo camino resulta más sencillo adentrarse al siguiente festival o al siguiente mercado incauto.

Primera entrega: algunos ejemplos

Título: SÓLO PARA PAREJAS

Kristin Davis (Sex and the city), Vince Vaughn (Viviendo con mi ex –Jennifer Aniston-) Jason Bateman (Los secretos del poder), Jon Favreau (en la vida real director de cine, sinvergüenza, y actor), Ken Jeong (asiático poco conocido), John Michael Higgins ( La fea verdad), Jean Reno (Código da Vinci, Los ríos púrpuras), Carlos Ponce (transformado en acuerpado galán de segunda, ya con 24 películas medicocres), Kristen Bell (Gossip girl y Heroes, en TV), Malin Akerman (The watchman, 27 dresess).

Se reúnen unas caras conocidas, aportan sus dineros (producción y otras tareas son de la familia Vaughn, exesposo de Jennifer Aniston). Se programan un real “paseo” en grupo, lo filman con la experticia de unos subcontratados y le “meten la mano al bolsillo” a quien desea pasar una tarde plácida de domingo.

Título: EL LIBRO DE ELI

Denzel Washington (dos oscares, American Gangster, Día de entrenamiento …), Gary Oldman (Harry Potter, Batman, El Quinto elemento, Drácula, Asesino perfecto), Mila Kunis (Baywatch, en TV), Jennifer Beals (Flashdance; Law and Order, L world –TV-), Malcolm MacDovell (La naranja mecánica, Calígula, 135 películas más ¡!!)

La misma fórmula anterior. No hay respaldo de la industria seria y competitiva. Son un grupo de intencionados en desempleo. Se agrega fotografía oscura para ocultar todos los defectos visuales, se utilizan chatarras, locales de reciclaje, sitios despoblados. Se combina con invencible “héroe”, se adoba con expertos actores de renombre. Ellos ganan, el público pierde.

Título: PARANORMAL ACTIVITY

“Una de las más miedosas películas jamás vistas”, “…de todos los tiempos”, “genuinamente horripilante”. Se llegó a publicar en posters de teatros que Steven Spielberg la había calificado como “inteligente”.

Toda una mentira publicitaria. Un grupúsculo de personas adquiere dos cámaras, una de mano y otra al hombro. Se alquila un apartamento, se filma durante dos semanas a dos histriónicos personajes, se edita mediocremente. Se publicita engañosamente y se juega con el público. Ni los niños, ni los adolescentes, se atemorizan. Ríen, esperan al final y se dejan asustar por una sorpresa desprevenida en la última escena absurda en la que botan contra el lente un fardo que simula un cuerpo y la protagonista mira a la cámara con los ojos ensombrecidos de maquillaje oscuro.

Corolario:

Es realmente difícil para el común de quienes asisten al cine hacer distinciones de calidad. Mucho menos, anticipar sus criterios sin haber probado el producto que le ofrecen. La responsabilidad es de los distribuidores que adquiriendo cintas (discos, actualmente) baratas, obtienen mejores márgenes con la escasa asistencia. Es de acotar que siempre se han visto malas películas, cuya valoración dependía mucho más de gustos, niveles de cultura o desconocimiento de la estética y el lenguaje audiovisual.

Lo de ahora es competencia desleal en la cadena productiva del arte fílmico. Es un comercio de películas cada vez más mediocres en el nuevo fenómeno del cinetráfico.

Sorbos para una sola pastilla

Descaro de Superintendencia

¿Que Saludcoop restituirá $627 mil millones y desmontará las operaciones de préstamos, donaciones e inversiones realizados con recursos provenientes de las contribuciones parafiscales? Y en 8 meses, a razón de US$2 millones por día laboral.

Repitamos: ¡! $2.000.000 de dólares por día !!! es una sanción sensacionalista que no se alcanzará a cumplir, nunca, simplemente.

Descaro de MInisterio

¿Una EPS con más de seis millones de usuarios adquiriendo activos e infraestructura en operaciones diferentes a su razón social desde hace seis años ante la displicencia de la Superintendencia Nacional de Salud?
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¿Qué las normas reglamentarias pueden resarcir los errores de los decretos 131 y demás como reforma a la salud?

¿Qué un Presidente y un Ministro aseguren que se puede reglamentar en contra de un decreto ya firmado?

Qué descaro ante el país ¡! Es un error que no cometen ni los estudiantes de primer año de derecho ¡!.

Descaro de Presidente

¿Que un Presidente desafíe “para que se enfrente como varón” a otro presidente de un país vecino? (así sea Chávez) ¡! Qué falta de estatura de estadista ¡!

Descaro de gobierno

El relativo éxito de una sola política, como la de Seguridad Democrática, y los sensacionalistas y muy desordenados Consejos Comunitarios, lo único visible de un tal Estado Comunitario, no justifican que una personalidad, así sea atrayente y eficiente, cimente el populismo en pleno siglo XXI, llenando de promesas vanas a un país y que se base “descaradamente” en la injusta ignorancia y pobreza de la mayor parte de los ciudadanos.

EL VENGADOR

Se enfrentan Jamie Foxx (Oscar por “Ray”, The Kindom, The soloist…) y Gerard Butler (The phantom of the Opera, 300, Tomb raider…). F. Gary Gray (The italian job, Be cool), dirige al más tradicional estilo del Hollywood actual lleno de figuras carismáticas, sonidos estridentes, apoyos electrónicos, medium shots, travellings aéreos de persecución, colores simbólicos en tono azul oscuro y montaje expresivo. Para ello se requiere el guión a cuatro manos y la combinación de maquinaria tipo Saw (la saga de Jigsaw) hasta secuencias de submisterios tipo Se7en (escrito así).

“Law abiding citizen”, su título original, hace referencia al ciudadano respetuoso de la ley que representa Butler quien, impulsado a la venganza por la muerte de su esposa e hija, arremete contra el sistema judicial intentando probar que siguiendo sus normas y procedimientos no se hace justicia real (el lema de “justice at any cost”).

Desde la cárcel, por haber matado al principal asesino de su familia, comienza una delirante serie psicopática de muerte a remoto, diseño de tecnología planeada para burlar la ley, argumentos que enredan a los jueces y misterios que justifican explosiones, atentados y cerco generalizado a toda una ciudad. El fiscal, Foxx, animado por su ranking en casos ganados, pasó por alto y negoció algo que le costaría mucho trabajo una década después.

Esta trama lleva mucho público a la taquilla, a pesar que cuesta reconocer que toda esta inteligencia de la industria cinematográfica de punta decline siempre en productos dirigidos a esos dos tercios que representa el segmento adolescente del mercado mundial que busca dos horas de esparcimiento basadas solo en “letal weapons and serial crimes”.

LA CINTA BLANCA

Es una película de Michel Haneke, que ha ganado el Globo de Oro a mejor película en habla no inglesa, Palma de Oro a mejor película en Festival de Cannes, tres Premios del Cine Europeo y San Sebastián. Se encuentra como candidata al Oscar, también a mejor película en habla no inglesa.

El director, austriaco, tiene a su haber filmes reconocidos, como la historia de dos jóvenes sociópatas en Funny Games (versiones alemana en 2000 e inglesa en 2008) y La Pianista (profesora de música, histérica, enamorada de joven alumno, represión sexual resuelta en tragedia), entre una media docena de sus filmes.

En “la cinta blanca”, sus tonos grises, negros y blancos ambientan el año de 1913 dentro de una pequeña comunidad protestante alemana, donde sus principales personajes, el Barón, el Pastor protestante, la esposa del Pastor, el profesor del colegio, la baronesa, el administrador, el médico, la comadrona, los granjeros, los niños y niñas, Eva y el profesor en casa, dejan entrever comportamientos individuales, normas familiares, desgracias concatenadas y aparentemente desconectadas entre sí, que desean representar el microcosmos pre-nazi.

Este cuadro autocrítico daría indicios de la génesis de conductas nacionales que llevarían a una hipótesis sociológica y explicatoria de la entrada a la primera guerra mundial en 1914. E, incluso, de la sociopatía nacionalista llevada a las alturas del Estado totalitario del tercer Reich a partir de 1933.

Al observar los efectos que en esa pequeña villa tienen la prevalencia de principios morales ultraconservadores, derivados del puritanismo protestante, llevados a autoritarismo intrafamiliar, sumisión entre clases sociales y entre padres e hijos, en forma de agresiones cuyos autores quedarán anónimos, se tejerá una historia de la represión y la venganza humanas. Un cable tendido para zancadillear el caballo del médico, niños salvajemente golpeados en aparente venganza, niño con retardo torturado, incendio de un granero, daño de un cultivo completo, hacen surgir los miedos que nadie explica.

El maestro del pueblo, cuya voz en “off” describe en feedback los sucesos, va descubriendo comportamientos extraños en sus alumnos. La educación en la reverencia y la obediencia ciega, el sometimiento a castigo físico y humillación pública por leves faltas, son visibles a la comunidad. La falta del más leve gesto de ternura, el rechazo asqueado al sexo marital, los abusos del médico a su hija, los castigos oscuros de rechazo a la masturbación adolescente, solo son conocidos por sus protagonistas.

Sin temor a cometer un indeseado anticipo, será tácita la culpabilidad de los niños del pueblo agrupados por la hija del Pastor, en la tijera clavada al pajarillo consentido de su padre, la premonición sobre la tortura del pequeño subnormal, la “violentación” por envidia a la flauta artesanal bien hecha, que van dando trazos a la posible confabulación infantil como rechazo al mundo adulto y en augurio de la reproducción de conductas violentas, autoritarias y segregacionistas que caracterizarán su generación. Ello dentro de un reiterado ciclo social de “pedagogía negra”, aquel concepto que la alemana Katharina Rutschky introdujo hace ya tres décadas para señalar comportamientos que se transmiten de generación en generación mediando, castigos, maltratos y abusos en pro de la disciplina de toda índole. Síndrome que ha llevado a explicar muchas de las sociopatías de siempre.

La Cinta Blanca, alude a aquella que se obligaba a portar a un niño como señalamiento de estar en pecado y desobediencia, que era llevada hasta que su progenitor consideraba ya contritas ”sus culpas”. Como un señalamiento políticamente correcto al oprobio histórico que fue el nazismo, bien pudiera llegar a obtener el favoritismo mayoritario de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas, pero no quizá el de la taquilla.

CORALINE

Henry Selick, de 58 años, con 5 largometrajes y 4 cortos, dirige y escribe el guión sobre la base de la novela de Neil Gaiman.

El libro cuenta con Premio Hugo a la Mejor Novela Corta, Premio Nebula a la Mejor Novela Corta y el Bram Stoker a la Mejor Obra para Jóvenes Lectores (todo ello en el 2003). Su estructura literaria recuerda a Alicia en el país de las maravillas con gato y todo.

Coraline Jones, “exploradora de 12 años”, junto a sus padres se mudan a una nueva casa “el palacio rosa”, en cuyos alrededores hay excéntricos vecinos (el señor Bobinsky, las señoritas Spink y Forcible y Wybie). Además un gato callejero negro y feo que pertenece a Wyborn (homofonía de “porquenace”), un chico extraño en bicicleta. Todo comienza al descubrir una puerta pequeña en la sala de la casa, ratones, pasadizos, un mundo paralelo, todo gracias a una muñeca de tela hecha a réplica suya con botones por ojos y con la tarea de espiarla en este mundo. Sus habitantes son más divertidos, son una réplica de los ya conocidos incluyendo a sus padres y en vez de ojos tienen botones, también.

Ese mundo falso es inventado por una bruja (con un símil de araña, todo es hilos y todo lo cose) que adopta la forma de su madre para conseguir que se quede con ella. Hay, al atravesar un espejo tres fantasmas que la bruja atrapó y para liberar esas almas, Coraline debe encontrar los ojos verdaderos de dichos niños, que también tienen botones. Al volver a casa sus padres han desaparecido, secuestrados por la bruja, y debe volver al otro mundo a jugar un "juego de encontrar cosas" con la bruja para derrotarla, volver todo a la normalidad y esconder la llave, para que no regrese la "otra madre".

Los mundos de Coraline o Coraline y la puerta secreta, es película 3D, que gusta a chicos y chicas, por su línea de dibujo y su historieta. Protagonizada en voces por Dakota Fanning (16 años y 30 películas en 10 años), esa niña precoz excelente actriz que ha acompañado a Robert de Niro, Tom Cruise, Charlize Theron, Denzel Washington y otros muchos. Recientemente apareció crecidita e irreconocible como vampira en Luna Nueva.

La voz de su madre es Teri Hatcher (la Susan de Desperate Houswives en TV; y chica Bond en Tomorrov never dies).

Con importantes similitudes al tratamiento gótico característico en un director como Tim Burton (Beetlejuice, El cadáver de la novia), Coraline compite por el Oscar de este año a mejor película de animación con “The secret of kells”, “Fantastic Mr. Fox”, “The princess and the frog” y “Up”. Se puede tener el derecho a pensar que esta última, la historia del viejito viudo que viaja sus últimos días en su casa y elevado por un enorme manojo de globos, sea la que gane.

A SERIUOS MAN

El título hace alusión al calificativo acerca de una persona respetable, con reconocidos valores morales, en el “argot” judío. La dirección, producción y guión simultáneos es de los muy reconocidos hermanos Ethan y Joel Coen, de ascendencia judía. Con “Fargo” obtuvieron Oscar por el guión, en “No country for old man” ganaron consecutivos oscares a dirección, producción y guión, “Burn after Reading” fue reconocida por el gusto del público y su sorprendente elenco. “El quinteto de la muerte (The Ladykillers) pasó inadvertida con Tom Hanks.

Compite para mejor película y mejor guión en los Oscares de este año. Quizá solo ameritaría fijarse en su buena escenografía y ambientación de los años sesentas (St. Louis Park, Minnesota).

Larry Gopnik, un profesor de matemáticas, judío vive una lucha espiritual y existencial. Integran el argumento su separación de Judith, que le ha sido infiel con su colega Sy Ableman; la convivencia con su Arthur, su enfermo y algo idiota hermano; su hijo Danny, que fuma marihuana y vive en adolescencia plena; su hija Sarah, que insiste en la idea de tener una cirugía de nariz; una vecina libertina que llama su atención y el soborno de un alumno asiático que pierde su materia.

El contexto impregnado de conceptos religiosos y morales de la etnia judía, muestra un leve humor negro con comportamientos sociales un tanto pusilánimes, un poco cercanos al ridículo, tácitamente burlones con las jerarquías y los ritos religiosos semitas y cuestiona la propia experiencia juvenil de los Coen.

“Un hombre serio” resultará aspirando marihuana, falseando notas de un alumno, asediando a una vecina descocada, sometiéndose al egótico juego de selección interna de profesores, aceptando superfluas alegrías sociales de una vida rutinaria e insulsa, revelando en clase a toda voz lo inútil de sus formulaciones matemáticas, cuestionándose por las preguntas seudofilosóficas y simplistas de sus rabinos, aceptando el soborno en dinero de un alumno, todo ello sin que sea notado en sociedad.

Quizá el mérito de “A serious man” radique en que llegue al flemático e influyente sector judío del jurado Oscar. También en ese intento de los Coen de sonreírse al recordar la mediocridad de clase alrededor de su propia religión. Nada más. Entró a concursar gracias a los anteriores méritos de los Coen y no será un éxito en los teatros.

UN PROPHÈTE

La dirección

Con la dirección de Jacques Audiard (58 años, 5 películas), guión compartido con Thomas Bidegain y Nicolas Peufaillit, fotografía de Stéphane Fontaine, con quien repite, y música del muy conocido mundialmente Alexandre Desplat (The Queen, Syriana, Casanova, Birth, The Curious Case of Benjamin Button, New Moon (Saga), la próxima “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte” Parte 1, y 64 películas más), “Un prophète” de dos horas y media de duración, acaba de ganar el Gran Premio en Cannes 2009.

Con su ópera prima “Mira cómo engordan” se llevó el premio César a la mejor película y el Premio Georges Sadoul-de 1994, con “De latir mi corazón se ha parado” obtuvo premios César y Bafta en el, 2005. Se conoce también por “Lee mis labios” (Vincent Cassel) y “Un héroe muy discreto” su segunda de 1996.

La temática

Por atreverse a irrespetar a un policía Malik El Djebena (Tahar Rahim) de 19 años cumple seis de condena sin sabe leer ni escribir. Presionado por el cabecilla de la banda dominante de racistas corsos, comete un asesinato del cual su víctima le acompañará luego en las solitarias noches convirtiéndose en consejero. El protagonista magrebí hace malabares para cumplir con las expectativas de los corsos, aprovecha sus salidas por buen comportamiento como sicario contra la mafia italiana, pero utiliza parte de su tiempo para entrar al comercio de hachis, apoyando a los musulmanes también en prisión. Se fortalece como su líder acabando con el poder de sus antiguos protectores.

Malik, aprende a leer y escribir francés y entiende italiano, por lo cual escucha, imperceptiblemente para los demás, todas las estrategias de los bandos. Su más cercano amigo árabe morirá de cáncer testicular y finalmente, ha de proteger a la esposa e hija de éste. Quien ingresó desvalido y débil, ignorante y con un billete escondido en la suela de su zapato roto, saldrá a pie, pero seguido de una comitiva de modernas camionetas que dan significado al poder del “profeta” musulmán.

La película compite con la peruana “La teta asustada”, la alemana “La cinta blanca”, la argentina “El secreto de tus ojos” y la israelí “Ajami”, por ser escogida como la mejor película extranjera (o mejor película de habla no inglesa) en la premiación Oscar del presente año.

Una valoración

Ha sido catalogada como del género del crimen mafioso y se han permitido rememorar secuelas del “Padrino”, estando muy lejana a estos niveles de calidad. Sus méritos técnicos podrían estar en la ausencia de efectos sonoros sensacionalistas y en sus actuaciones naturalistas.

Por otra parte, quizá el guión mereciera un reconocimiento por su contenido actual, sobre un sistema carcelario que más que rehabilitador, corrompe sin desprenderse de sus influyentes hilos de conexión con el exterior. Las problemáticas interraciales y de antagonismo religioso, de la inmigración legal e ilegal, del imperio del dinero y de las armas en una sociedad que es impotente e incapaz para generar promesas más concretas a una creciente población, están presentes en El Profeta, pero la película no lo revela al público.

Es un error, constantemente presente en los filmakers, que les sea tan difícil integrar la lectura contextualizante, dirigida al último de sus espectadores. El olvido de esta, que debería ser una regla para un cineísta inteligente, reduce sus mercados, minimiza las taquillas.

Quizá, para no pensar mal de los jurados, en los diferentes festivales y academias se nomine y premie productos con esta marcada debilidad. De forma que al reducir la lectura experta a un cenáculo de sabios, se desprecia siempre al público y se orienta cada filme a un “selecto” grupo de semiólogos, a un prepotente conglomerado de academicistas que habrá de denigrar, criticar de manera negativa y desfogar saberes en contra de un filme, sin dar importancia a quien paga un boleto y disfruta, o no, en una sala de cine. Es el signo del fracaso en directores que olvidan “completar” obra y en jurados que premian productos sin valor alguno, amparados en razones “politícamente correctas”, pero que no se ven en la pantalla.

Zona de miedo (The hurt locker)

Ha sido titulada de varias formas: En tierra hostil; La emboscada, pero su título hace referencia a la cajita mágica, de la que salta un payaso, que ya no lo será cuando crezca el hijo del sargento William James (Jeremy Renner, actor de comerciales, poco conocido). Será la “caja que hiere”.
Dirige Kathryn Bigelow (59 años, y 8 películas de la cual es muy recordada “Punto de quiebra” con Keanu Reeves y Patrick Swayze, hace ya dos décadas). En el elenco acompañan tres nombres destacados, Guy Pearce (Memento, Conde de Montecristo), Ralph Fiennes (El jardinero fiel, El dragón rojo) y David Morse (La roca, La milla verde -Milagros inesperados-), pero sólo lo hacen para apoyo del poster de publicidad con actuaciones de menos de tres minutos.

Valores técnicos

Los méritos de este filme radican en su objetividad temática y técnica. Surge de un escrito periodístico de Mark Boal, con base en trabajo de campo siguiendo a la unidad Bravo en sus acciones, particularmente de un Equipo de Desactivación de Explosivos EOD (Explosive Ordinance Disposal) del ejército de Estados Unidos en la guerra de Iraq y filmada en frontera con Jordania.
Multiplicidad de cámaras S16mm rodean a protagonistas, con movimientos al hombro, diferentes enfoques, diferentes estilos de edición. Este tipo de acción en que se da al espectador una sensación de inmersión total no es tan nueva. La Caída del halcón negro de Ridley Scott, ya nos la había enseñado y es un poco común dentro del mundo videoclip.

Valores políticos y cifras

¿Cuál es el valor político de esta producción y la causa de sus nominaciones? Concursa para ocho oscares, entre otros premios de la industria y con atraso comercial de un año, pues fue producida en 2007, lanzada en 2008, nominada en 2009 y premiada en 2010. Su directora, exesposa del reconocido James Cameron, con quien compite. Su temática actual orientada a mostrar lo que CNN no puede (como reza su publicidad).
Se sabe de guerra de posiciones, de guerra tecnológica, de guerra de guerrillas, rurales y urbanas según el tipo de conflicto, de guerra de bombas, en este caso (se han lanzado desde su comienzo cerca de 1.000.000 de toneladas de bombas). La forma más expedita con la que insurgentes iraquíes han podido responder al más equipado ejército del mundo ha sido, igualmente, la colocación de carrobombas, cadáveresbomba, niños y hombres bomba.

Para quienes gustan y creen en las cifras de buenas fuentes

Hasta febrero 12 de 2010 las bajas militares ha sido de 4689 soldados de Estados Unidos (4376), Gran Bretaña (179) y otros (139 de España, Italia, Australia, etc.), fundamentalmente, en 2400 días de transcurrida la invasión a Irak. Sus heridos han sido 15.955. Se enumeran 53.470 insurgentes iraquíes muertos.

En total, la guerra ha provocado 82.190 muertos hasta 2007 y 4.560 en 2008. Pero, el total según fuentes del país ha sido de 1.500.000 muertos (Irak Body Count), 4.500.000 de desplazados (luego siguen las cifras de Colombia), entre 1.000.000 y 2.000.000 de viudas, 5.000.000 de huérfanos (Naciones Unidas), según la webislam.
Aún quedan 162.000 soldados americanos, 8.000 británicos y 13.000 de otras naciones en Iraq. Cada soldado iraquí cuesta US$343 mensuales y un soldado americano invasor US$4.161. US$35.819 millones es el coste de reconstrucción del país (Banco Mundial).
Para referencia: la Guerra del Golfo, 1991, costó US$88.000 millones; la Guerra de Corea US$456.000 millones; la Guerra de Vietnam US$518.000 millones (Centro de Evaluación Estratégica y Presupuestal, CSBA en inglés).
Hasta diciembre de 2009 el costo totalizado de Irak fue de US$546.000 millones desde el 20 de marzo de 2003 (aunque durante el 2002 ya se lanzaban 10 toneladas de bombas mensualmente). El costo calculado a 2017 sería de US$3.000.000 millones (Joseph E. Stiglitz, Nobel de Economía). Esto comparativamente significa que Irak cuesta a 2010 una cifra similar al “salvataje” de la actual crisis económica en Estados Unidos (la Unión Europea ha apoyado con otro tanto). Costaría en 2017, fecha pronosticada de terminación de la guerra, tres veces el costo de la crisis conjunta actual de Estados Unidos y la Unión Europea.

Corolario

La película es una propaganda de apoyo a la valentía, innegable, de soldados norteamericanos, pero una plena minimización del conflicto. Podría tener algún apoyo con premiaciones y mostrará un cierto balance de fuerzas republicanas y demócratas al interior de la Academia de Ciencias Cinematográficas.

Violines en el cielo

Premiada como la mejor película extranjera con el Oscar de 2008, este filme trae al recuerdo a maestros como Akira Kurosawa, en los sesentas a ochentas y a Takeshi Kitano, más contemporáneo. Yôjirô Takita dirige esta película cuyo titulo en japonés es Okuribito (Los que remiten, la gente que envía), en inglés la titulan Departures (Partidas). En español debió llamarse Violoncellos hacia el cielo, si se tratara de seguir la idea original.

Daigo Kobayashi es un chelista joven y, como el mismo confiesa, sin el nivel para ser enrolado en una orquesta mejor. Cuando queda sin su trabajo, luego de participar en una bella parte de la Sinfonía No. 9 de Beethoven (Oda a la alegría), se confunde al leer un aviso solicitando empleado para “partidas”, creyendo llegar a ser agente de turismo.

Su nueva ocupación será preparar los cadáveres para sus funerales, un rito conocido como “nokanshi”. Esta tarea que le despierta ascos, rechazo a las comidas, adentrando al espectador en ese mundo desconocido, que vive quien despide a sus familiares o amigos cuando sus cuerpos han sido ya arreglados por seres anónimos.
La conmovedora música del Wiegenlied de Brahms o del Ave María de Gounod o Bach, en versión para chelo, despierta sentimientos que el espectador no llegaría a sospechar que existen hasta que estas bellas imágenes le reconcilien con la vida, y la muerte.

Reconocer en la estética nipona, en sus rostros a veces alocados, sus sonrientes faces, sus movimientos saltarines, su tono vocal extraño a los oídos, de lógica lejanía al ojo y oído occidentales, unos hermosos valores expresivos que tocan las fibras más ocultas del corazón, despeja de los míticos temores hacia los cadáveres, de todos aquellos que se van, tantos como vienen, y de la tristeza que se troca en alegría.

El público sale alegre, sonriente y con la sensación de que una despedida no es tan dolorosa sino un rito más que nos acerca a los vivos de estos muertos tan queridos. ¡Que suaves movimientos para el manejo de los cuerpos inermes!, ¡qué bonitas despedidas familiares!, ¡qué risas frente al ataúd!. Sentimientos todos que se deben aprender, experimentar, para hacer tan agradables como lo deben ser los recuerdos de quienes hicieron compañía en la vida, los últimos momentos de paso de la vida a la insoslayable muerte. Pañuelos y sonrisas, ¿cómo no se había pensado antes tan bella reflexión?

Al límite

Edge of Darkness, título muy diferente a la promoción en castellano, es dirigida por Martin Campbell, un filmaker de acción. Actúa Mel Gibson, quien es identificado por su gusto por la sangre, según el público. Es uno de los mejores directores de cine contemporáneos, “El hombre sin rostro”, muestra un drama psicológico de un hombre desfigurado …; en “Braveheart”, torturado, y con varios premios internacionales; en “The passion of the Christ”, dramático calvario, sino el mejor filmado, se pone a la altura de la historia bíblica; en “Apocalypto”, explica de manera interesante las causas de la desaparición de la civilización Maya.
Como actor vende, pero no supera el promedio de calidad histriónica. Esta es una de las películas de la ya larga y característica producción norteamericana del “do it yourself, fight back, punish the wicked, protect your family”, de la autodefensa, del vengador con causa justa. El sistema no alcanza a detener el mal de todo género y se requiere que el ciudadano “aprenda” a eliminar el miedo.
La película combina asesinato de la hija de un policía, graduada del Instituto Tecnológico de Massachussets, con la producción privada de armas sofisticadas de marca anónima para el servicio de gobiernos extranjeros, un senador apoyado por corruptos, una docena de muertes, persecuciones y la venganza final. Podría haberse programado para una aburrida tarde de domingo. De toda manera, cada filme visto enriquece el criterio.

Nine

El público podría reclamar que algo la falta a este filme musical de Rob Marshall (de quien se pueden recordar Víctor/Victoria, Annie, Chicago, Memorias de una Geisha y. próximamente, la cuarta parte de la saga de Piratas del Caribe???).
Lo que pudo faltar es la contextualización del guión para las actuales generaciones, sabiendo que es la versión de “8 y medio”, considerada la mejor película del director italiano Federico Fellini (por ello el personaje central es Guido Contini). Fellini la denominó así puesto que luego de siete películas y un episodio de la reconocida “Bocaccio 70” (actuado por Sophia Loren), sería la película 8 ½ de su carrera. En este producto felliniano actuaron Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée y Sandra Milo, entre otras luminarias de los años sesentas, interpretando la historia del director de cine que se encuentra en crisis creativa y añora sus pasados éxitos, sus amores y su etapa infantil.

Por la época, 1965, los estudios de cine eran Hollywood (Estados Unidos), Pinewood (Londres), Almería (España), Babelsberg (Alemania), Churubuzco (México) y Cinecittá (Italia). En este último se desarrolla la historia en la cual Guido (Daniel Day-Lewis) ha prometido filmar “Italia” (la “Roma” de Fellini), dado que el mundo se ha enamorado de las motos Vespa, de las ruinas del Imperio en Roma, de los papparazzi, de los autos Alfa Romeo, de Marcello y de Anita Eckberg (la rubia sueca concursante de Miss Universo, contratada por Howard Hughes). Anita fue la musa inspiradora de Fellini y es la Claudia Jenssen (Nicole Kidman) de este filme, “el noveno”.

Por otra parte, también se adivinan y leen en el filme otros personajes de la filmografía de Fellinia: Sofía Loren que es representada por Penélope Cruz (el papel de Carla, por el cual fue nominada al Oscar) y Sofía Loren (la verdadera, con 76 años) hace el rol de la madre del director Contini. A Lilli, la diseñadora de vestuario (Judi Dench, la reconocida “M” de la saga 007); Luisa, esposa de Guido (Marion Cotillard, Oscar por su bella interpretación de Edith Piaff, hace la reconocida Giulietta Masina, esposa de Fellini y actriz de varias de sus obras); Stephanie, que recuerda a Claudia Cardinale (Kate Hudson, en “Almost Famous”) y Saraghina (Stacy Ferguson, o Fergie,antigua The Black Eyed Peas).

Son nueve, también, las pegajosas canciones que componen este musical, con líricas propias para cada uno de los personajes. Su fotografía es de claroscuros, orientados a un impresionismo de calles húmedas, callejones y monumentos bajo los reflectores. La Kidman recrea la escena icónica de la Eckberg en la Fontana di Trevi (Fuente de los deseos).

El “neorrealismo italiano“, del cual fue alumno destacado el maestro Federico Fellini, está presente en “Nueve” con las escenas en blanco y negro, insertas como recuerdos en los cuales pululan los niños y los curas, la infancia y el Vaticano, lugares comunes en la imagología italiana de todos los tiempos, como también en las escenas de Kate Hudson haciendo una remembranza de Claudia Cardinale (la otra musa felliniana).

La película es dedicada a Anthony Minghella (El paciente inglés, El talentoso Mr. Ripley, Cold Mountain), fallecido hace dos años. Daniel Day-Lewis, uno de los mejores actores contemporáneos, hace un italianísimo personaje en lenguaje inglés. ¿Penélope ha sido justamente nominada a premios por este papel? Sí, y supera con creces sus papeles con Almodóvar, pues cantar y bailar como lo hace es de divas.

The blind side (Un sueño posible)

El título de este filme hace referencia al “punto ciego” que se halla entre dos perspectivas y del cual se pierde visión, en este caso, por parte de un jugador de fútbol americano. Aunque posiblemente haga referencia a la parte desconocida del surgimiento de una estrella del deporte. La película ganó 6 nominaciones al Oscar 2009 a ser entregado en 2010: película, director, actriz principal y de reparto, montaje, guión adaptado. Se cumple la ley de Zam, pues su director John Lee Hancock escribe el buen guión, logrando llamar la atención general sobre el producto. Tiene cuatro películas como director y otras tantas como guionista, ninguna destacable en el mercado americano.

Sandra Bullock compite de manera difícil con Helen Mirren "The Last Station" (ya premiada por The Queen), Carey Mulligan "an Education", Gabourey Sidibe, una morenota en "Precious” y la siempre infaltable y bien recibida Meryl Streep, una vez más, por "Julie & Julia".

La Bullock es un caso especial. Tiene a su haber ya cuarenta películas. Por esta cinta ya ganó el Globo de oro y el premio de Mejor Protagónica por parte del Sindicato de Actores de la Pantalla, premio que ya ha ganado dos veces. La paradoja es que 647 periodistas decidirán si merece por otra parte, el premio Razzie a la peor actriz en el 2009, por otro filme.

Esta mujer ha ganado, además, cinco de siete nominaciones al People Choice Award, como actriz mujer y actriz de cine favorita, lo que significa que mantiene la preferencia y la recordación del público, con base en grandes hits de taquilla (recordamos Speed, The net, entre otras muchas). Su nombre lleva al público a los teatros, sin que su capacidad actoral haya sido indiscutiblemente reconocida.

Este drama está basado en una historia real recogida en el libro The blind side: evolution of a game, de Michael Lewis. Un jugador de fútbol americano, Michael Oher (Quinton Aaron), negro, pobre, con bajo coeficiente intelectual, se convierte en figura deportiva. Leigh Anne Touhy (Sandra Bullock), lo acoge en su hogar, le provee profesora particular, la Sra. Sue (protagonizada por la también nominada Kathy Bates).

Es posible que Sandra Bullock logre su ansiado Oscar. No obstante, se aparta poco de su ya clásico modo de actuar. Lo que impresiona de esta película no es su rol, sino el mensaje antirracista, en un contexto del siempre reiterado “american way of life”, lleno de valores de solidaridad y familiares, además de los chispazos conmovedores del guionista y que indiscutiblemente alcanza la final conquista del público. La Bullock es como la gaseosa refresco en la sala de cine, no es buena para la dieta pero condimenta bien el momento y confirma, una vez más, que puede hacer que una película de US$29 millones logre un 1.000% de ingresos en taquilla a solo dos meses de estrenada en el mercado norteamericano.

Fama (2009)

Hace tres décadas el director Sir Alan Parker presentó una película musical que identificaría una época y con la cual ganó Oscares a mejor canción y mejor música, Bafta a mejor sonido, Globo de oro a mejor canción y Grammy a mejor álbum. Irene Cara hizo fama con la canción del mismo nombre.
Parker marcó, además, la historia del cine con El Expreso de medianoche (guión de Oliver Stone), Pink Floyd The Wall (sobran los comentarios), Birdy (un joven Nicolas Cage), El corazón de ángel (nada menos que Robert de Niro y Mickey Rourke), Mississippi en llamas (Gene Hackman y William Dafoe), The Commitments, El balneario de Battle Creek (Anthony Hopkins, Bridget Fonda, Matthew Broderik y John Cusack), Evita, de Andrew Lloyd Webber (Madonna y Antonio Banderas) y Las cenizas de Angela (Emily Watson y Robert Carlile), entre otras menos notorias.
Esta referencia permite explicar un tanto la causa por la cual esta “Fama” de 2009, no pudo igualar su versión original. La dirige Kevin Tancharoen, coreógrafo de 23 años, inteligente director de videoclips. Su técnica de una sola cámara retrocede en el tiempo tecnológico para no aportar para mal ni para bien.
Sin embargo, Kevin solo logra unos últimos veinte minutos de escenas con belleza visual, impacientemente esperadas por el espectador atraído por el título del filme y el antecedente del cual es remake.
El resto del tiempo la película pudo haber sido orientada por un filmmaker de mayor destreza. Algunos diálogos e historias son dignos de aportar a los jóvenes espectadores ansiosos de observar una película con trasfondo hip-hop y a los viejos que conocieron la película original, una semblanza de los destinos que se cruzan en un bachillerato artístico de cuatro años (freshman, sophomore, junior y senior) en la Escuela Superior de Artes Escénicas de Nueva York.
De este high school no se graduarán algunos. Pasarán por las aulas quien deseaba ser bailarín y aconsejado por su maestra ha de aceptar un destino como buen profesor pues con sus calidades no “podrá vivir profesionalmente” en el escenario. La adolescente de color empujada por su padre para afinar cualidades en el piano y aprender recitales clásicos encontrará un sorprendente camino como cantante de rap. La muy joven actriz que pasará por la frustración de las falsas promesas de un conquistador estrella. El futuro director de cine engañado por un productor que se lleva el dinero prestado por su padre. La profesora que, de haber podido ser cantante en Broadway, se inclinó por la enseñanza.
Junto a frustraciones individuales y esfuerzos, se encuentran también quienes parecen tocados por manos divinas. El cantante que sin aparente esfuerzo pasa raudo por las clases con plena naturalidad de vocación y talento, o la bailarina que desde los cinco años ha llegado a niveles de calidad que la llevan a ser contratada por una de las más famosas compañías para una gira mundial.
Estas y otras historias de humana profundidad pasarían desapercibidas en su valor artístico por el novel director, para quien solo resultaron visibles las últimas escenas de baile y canto de los graduandos, demostrando por qué ha sido el responsable de rodajes de giras de Britney Spears y Jessica Simpson.

Una historia de Navidad

Catherine Deneuve con 67 años mantiene su bello rostro, sin trucos. Ha sido la novia de Francia, al punto de ser la Marianne con gorro frigio que representa a la república y sus valores de libertad, igualdad y fraternidad, de 1985 a 1989. Con Marcelo Mastroianni, el ícono de los galanes europeos de los años setentas) tuvo su segunda hija, Chiara. A ellas dos se les encuentra hoy en el filme que retrata una cita familiar para la celebración de las navidades.
Arnaud Desplechin, escribe su guión y dirige. Tiene en su haber ocho películas, en este caso con once buenos actores y dos niños, relata los odios e historias internas de una familia de dos padres con diferencia de edad, dos hermanos y una hermana, primo, yerno, nuera, novia, tres sobrinos, una vecina.
Para una sinopsis, Henri (Mathieu Amalric, conocido por La escafandra y la Mariposa) había sido concebido con la esperanza de salvar con un trasplante de médula ósea al hermano muerto a los seis años, pues no resultó compatible. Este hecho lo convierte en un paria e irresponsable, personalidad por la cual su hermana mayor Elizabeth, autora teatral, le rechaza de por vida. Su hermano menor Iván se ha casado con Silvia.
Paul, el hijo adolescente de Elizabeth, y Henri, hermano y tío, resultarán ser compatibles con Junon la abuela (Catherine Deneuve) ante la necesidad de combatir el cáncer que la amenaza de muerte, mediando un trasplante de médula ósea.
Iván se ha casado con Silvia y tiene dos hijos menores de diez años. Silvia fue motivo de amor de juventud para Henri, Iván y su primo Simón, un pintor.

Los regalos fueron:

Silvia se entrega por una noche a Simón, quien aún la quiere, aunque ella sigue amando a su esposo Iván y recuerde haber hecho el amor con Henri cuando se conocieron.
Elizabeth le devuelve a Henri su carta de explicación acerca de los motivos de su irreconciliable hermandad.
Henri insulta a madre y hermana, pelea con primo y cuñado, ironiza con sobrinos y, finalmente, dona médula para salvar a Junon.
Faunia, amante actual de Henri que pasaba para saludar se demora hasta la tarde de navidad compartiendo sus rencillas.
Claude, esposo de Elizabeth se da el gusto de puñetear a Henri
Simon cachetea a Henri.
Rosaimée, amiga de la madre de Abel, descubre a Silvia la forma en que hermanos y primo decidieron que fuera esposa de Iván.
Junon se salva para toda su familia, incluído el bueno de Abel su esposo.
Los demás recibieron presentes desconocidos.

Es un filme del 2008, hecho con lenguaje llano, de limpio color cinematográfico, cámara amiga que muestra una familia burguesa corriente de clase media en un país desarrollado, con intereses vocacionales en arte, literatura, teatro y cine. Música clásica para Abel, libros en todos los cuartos, películas clásicas (Bailando bajo la lluvia, Los diez Mandamientos…) que sustituyen la televisión convencional, cuadros en las paredes y en el taller de Simón, ocio de convivencia.

La dirección de actores y de cámaras resulta perfecta. Cine intimista y humano. Taquilla muy baja. Programación en pequeñas salas. La clasifican bajo el ignorante término de “cine arte”. Debería ser obvio que este retrato no refleja al colombiano medio y bajo, de allí su estratificación y su lectura. Pero es solo el producto lógico del estado egótico de una industria un tanto narcisista, del buen cine francés, nada más.

La teta asustada ¿?¿?¿?

La familia de Mario Vargas Llosa, Luis Llosa y Claudia Llosa, posa de directores de cine. Mario, el escritor, dirigió Pantaleón y las Visitadores con base en su propia novela hace 34 años. Luis, verdadero, pero regular director, tiene 8 películas en su haber (se recuerdan El Especialista de 1994; Anaconda, 1997; La fiesta del chivo, 2005 –su mejor filme, con base en el muy buen libro de su primo).
Claudia, sobrina de los anteriores, tiene un corto y dos largometrajes, Madeinusa de 2006 y La Teta Asustada de 2009. En esta última, dirige, produce y escribe el guión.

La película ha ganado en el Festival Internacional de Cine de Berlín, el Oso de oro y el Premio de la Crítica The International Federation of Film Critics, FIPRESCI.
También, obtuvo mejor película y actriz en el 24 Festival Internacional de Cine de Guadalajara; ganó en el Festival de cine de Bogotá y en el Festival de Cine de La Habana como mejor largomentraje. Acaba de ser nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera.

Fausta, es interpretada por Magaly Solier una cantante con un disco folclórico peruano publicado en el 2009. Su personaje cree sufrir una enfermedad llamada "la teta asustada", cuyo diagnóstico es miedo y sufrimiento transmitido por la leche materna de madres a hijos. El miedo en este caso se deriva de la violación por parte de terroristas a su madre. La época corresponde a la década de 1980, Fausta mantiene una papa en su vagina para evitar ser violada, su médico teme infecciones, y debe conseguir el dinero para enterrar a su madre.

Kimberly Theidon es la autora del libro base del guión "Entre prójimos: el conflicto armado interno y la política de la reconciliación en el Perú". Es investigadora de Harvard University en Perú, Ecuador y Colombia. Dirige Praxis: una institución por la justicia social.
Este libro, utilizado como material de estudio en universidades colombianas con estudios avanzados, narra antropológicamente la dura época de Sendero Luminoso en el Perú. Entre algunos de sus datos, la forma en que el grupo terrorista utilizó la estrategia de violación de las mujeres en la población civil como arma de guerra y de cómo éstas mismas dejaban morir a sus hijos posteriormente queriendo salvarlos de una vida de conflicto interno y acoso de los contendientes de ambos bandos.

Sin embargo, en el filme nada de esto aparece. Es una película que se soporta difícilmente. El mensaje de la académica Theidon es transpuesto de manera completamente deficiente por la directora Llosa, cuya película solo observa a la protagonista deambulando sin trasfondo visual en el conflicto terrorista, sin contextualizar al espectador y entregando una pobreza artística total a la taquilla.

No obstante, el respaldo académico del libro y el origen político de la película le han llevado a los premios mencionados. Uno de sus tres productores Antonio Chavarrias reconoce en entrevista a radio W FM, de manera objetiva y conforme, la nominación al Oscar como máximo logro posible y no agrega más.

Porque, hay que expresarlo, no puede añadir otros juicios, pues los premios hasta ahora obtenidos se deben a Sendero Luminoso, a Kimberly Theidon, al país de origen, al lobbying en la Academia de Artes y Ciencias, a la posición defensora de Derechos Humanos de un país demócrata, pero nunca a mérito alguno de la película, pues lo que el libro base aporta no se representó en forma alguna en la pantalla. El espectador se verá obligado a “completar” por fuera lo que dejó de ver en el cine.

Verónica decide morir

El filme atrae por ser basado en un libro de 1998 del escritor Paulo Coelho, ese bestsellerista de 100 millones de libros vendidos en 24 títulos traducidos a 69 idiomas (recordamos El Alquimista, -la mitad de sus ventas-, El Zahir, Guerrero de la luz… por ejemplo), obteniendo 28 premios en 14 países durante los últimos 15 años.
Este género literario tiene más adscritos que detractores, que no le faltan y le acusan de ser escritura simple, primaria, posiblemente de autoayuda. No se puede negar que acude a elementos que parecen novelísticos, lectura fácil que posa de espiritualismo, pero, en suma vende a costa del nivel cultural predominante.
Sarah Michelle Gellar (33 años y películas) protagoniza a Verónika, una slovena en Nueva York, con el atractivo de traer tras de sí sus personajes de Buffy la cazavampiros, Sé lo que hicieron el verano pasado, Scooby-Doo, y otros dirigidos al espectador adolescente.

Es actriz desde los siete años, aunque solo desde los doce apareciendo en los créditos y en este filme desarrolla un personaje de problemática adulta, acompañada de Jonathan Tucker (una catatónica cara que se ha visto en Masacre en Texas), David Thewlis (el Remus Lupin de la saga de Harry Potter), Melissa Leo (nada particular, vista en Righteous Kill, con De Niro y Pacino), Erika Christensen (la hija drogadicta en Traffic, que reitera la misma actuación drogada acá) y Florencia Lozano (de muchos episodios en TV). La dirección es de Emily Young (nada que verle con 4 películas.
Verónika, tiene un buen trabajo, pero lo odia, es bella, sin amor, sus padres le quieren, ella no sabe qué reclamarles, trabaja en moda y publicidad, pero le parecen alienantes. No teniendo una razón para vivir, autojustifica el suicidio,.
Falla en su intento y pasa a un Hospital psiquiátrico donde conoce que haberse creado un aneurisma le pronostica la muerte segura a mediano plazo. Sus compañeros Mari (gusta de la droga que le aplican), Zedka y Edward (supuesto esquizofrénico por haber conducido el automóvil en el que se mató su novia). Edward se convierte en la primera experiencia sexual del personaje central, sale de su mudez engañosa. Este hecho contribuye a que el experimento del director general, Dr. Igor, se lleve a cabo: los fármacos terapéuticos han eliminado el aneurisma, pero Verónika no lo sabrá y con ello ha de valorar cada día en adelante como el último de su vida.
Coelho (63 años) escribe con base en su experiencia adolescente de tres veces, utilizada como tendenciosa publicidad, en un hospital psiquiátrico.

Gabriel García Márquez y el Cine

Gabriel García Márquez, el nobel colombiano de 1982, es un autor atractivo para el cine. A continuación se enumeran las películas donde ha sido escritor (llevado al cine su libro), guionista o coguionista. Hay muchas de ellas que no han sido libros.
El listado final recuerda los LIBROS y se subrayan aquellos que han sido filmados.

GM y el cine (escritor, guionista, coguionista):

1. 1950 La langosta azul. conjuntamente con el pintor Enrique Grau, el escritor Álvaro Cepeda Samudio y el fotógrafo Nereo López.
2. 1964 El gallo de oro, de Roberto Gavaldón, Coescrita con Juan Rulfo y Carlos Fuentes.
3. 1966 Tiempo de morir, de Arturo Ripstein; versiones de Jorge Alí Triana y Rodrigo García.
4. 1965 En este pueblo no hay ladrones, de Alberto Isaac.
5. 1966 Juego peligroso (segmento "HO"), de Luis Alcoriza y Arturo Ripstein.
6. 1968 Patsy mi amor, de Manuel Michel.
7. 1974 Presagio, de Luis Alcoriza.
8. 1979 La viuda de Montiel, de Miguel Littín.
9. 1979 María de mi corazón, de Jaime Humberto Hermosillo.
10. 1979 El año de la peste, de Felipe Cazals, adaptación del libro de Daniel Defoe El diario de la peste.
11. 1983 Eréndira, de Ruy Guerra.
12. 1987 Crónica de una muerte anunciada, Francesco Rossi.
13. 1988: Un señor muy viejo con unas alas enormes, de Fernando Birri.
14. 1988 Milagro en Roma, de Lisandro Duque Naranjo.
15. 1988 Fábula de la bella palomera, de Ruy Guerra.
16. 1988 Cartas del parque, de Tomás Gutiérrez Alea.
17. 1991 María, de Jorge Isaacs, adaptada por GM junto con Lisandro Duque Naranjo y Manuel Arias.
18. 1996 Edipo Alcalde, adaptación de Edipo Rey de Sófocles por GM y Estela Malagón, dirigida por Jorge Alí Triana.
19. 1999 El coronel no tiene quien le escriba, Arturo Ripstein.
20. 2001 Los niños invisible,s dirigida por Lisandro Duque Naranjo, guión compartido con GM.
21. 2006 El amor en los tiempos del cólera, dirigida Mike Newell, guión del sudafricano Ronald Harwood.
22. 2006, Del amor y otros demonios, directora costarricense Hilda Hildalgo.
23. 2006-08, Memoria de mis putas tristes, director danés Henning Carlsen.
24. 2006, El otoño del patriarca, director bosnio Emir Kusturica.
25. 2008-09, Memorias de un secuestro, mexicano Pedro Pablo Ibarra

GM EN TV

La Hojarasca, 1955.
La mala hora, 1961.
El gallo de oro
Tiempo de morir
El verano de la señora Forbes (de Doce cuentos peregrinos, 1992).



OBRAS LITERARIAS (se subrayan las filmadas):

La Hojarasca, 1955.
El caníbal , 1955.
Un día después del sábado, 1955.
La mala hora, 1961.
El coronel no tiene quien le escriba, 1961.
Los funerales de Mamá Grande, 1962.
Rosas artificiales 1962.
Cien años de soledad, 1967.
Un señor muy viejo con unas alas enormes, 1968 (libro)
Relato de un náufrago, periódico 1955; libro 1970.
La increíble y triste historia de la cándida Eréndira yde su abuela desalmada, 1972.
Cuando era feliz e indocumentado, 1973.
Ojos de perro azul, (individual 1950) libro de cuentos 1973:

La tercera resignación
La otra costilla de la muerte
Eva está dentro de su gato
Amargura para tres sonámbulos
Diálogo del espejo
Ojos de perro azul
La mujer que llegaba a las seis
Nabo, el negro que hizo esperar a los ángeles
Alguien desordena estas rosas
La noche de los alcaravanes
Monólogo de Isabel viendo llover en Macondo

Chile, el golpe y los gringos, 1974.
El otoño del patriarca, 1975.
Todos los cuentos (1947-1972), 1976. (Milagro en Roma; María de mi corazón)
De viaje por los países socialistas, 1978.
Crónica de una muerte anunciada, 1981.
Textos costeños, 1981.
Viva Sandino, 1982.
El olor de la guayaba, 1982.
El secuestro, 1982.
El asalto: el operativo con el que el FSLN se lanzó al mundo, 1983.
Eréndira, 1983.
El amor en los tiempos del cólera, 1985.
La aventura de Miguel Littín clandestino en Chile, 1986.
El general en su laberinto, 1989.
Doce cuentos peregrinos, 1992:

Buen viaje Señor Presidente
La Santa
El avión de la Bella Durmiente
Me alquilo para soñar
Sólo vine a hablar por teléfono
Espantos de agosto
Maria dos Prazeres
Diecisiete ingleses envenenados
Tramontana
El verano feliz de la señora Forbes
La luz es como el agua
El rastro de tu sangre en la nieve

Diatriba de amor contra un hombre sentado, 1994.
Del amor y otros demonios, 1994.
Noticia de un secuestro, 1996.
Obra periodística 1: Textos costeños (1948-1952).
Obra periodística 2: Entre cachacos (1954-1955).
Obra periodística 3: De Europa y América (1955-1960).
Obra periodística 4: Por la libre (1974-1995).
Obra periodística 5: Notas de prensa (1980-1984).
Vivir para contarla, 2002.
Memoria de mis putas tristes, 2004.