domingo, 29 de enero de 2012

LA PIEL QUE HABITO (THE SKIN I LIVE IN)


Todo lo de Almodóvar debe verse, sin prejuicios. En este caso los pseudointelectos del análisis cinematográfico clasifican a “La piel que habito” dentro de una etapa “noir” de don Pedro, el director de “Todo sobre mi madre” y “Hable con ella”, filmes estos que corresponderían a su etapa “autobiográfica”. Pero, ¿Qué habría de particular ahora en la etapa negra de uno de los más populares directores españoles de la contemporaneidad?

El cine de Pedro Almodóvar es calificado de naturalista, surrealista y melodramático. Es decir, muestra la problemática social vigente, agrega visos irreales a su puesta en escena y es tragicómico. Su hermano Agustín y la empresa productora de ambos, “El deseo”, han puesto su impronta en la guionística mundial, elevando la identidad española posfranquista a un nivel universal y compitiendo en los ambientes de hollywoods, boliwoods y europeuds (UE), donde no han podido negar su acercamiento a las masas en taquilla.

Entonces, “La piel…” aparece como el vigesimoprimer filme del director de 63 años en su 34 años de cinegrafía y dentro de una etapa de cine negro que significaría Misterio, Miedo y Muerte Mezcladas de la Misma Manera. Lo cierto es que productos como “Matador”, “Mujeres…”, “.. mi Madre” o “La Mala..”, perteneciendo a diferentes momentos y etapas, 1985, 1988, 1999 y 2004, por ejemplo, han mantenido la continuidad del buen Almodóvar, permitiendo dudar de grandes diferencias o escalones de madurez en una obra que si cabe en el mote de “cine de autor”. Los intensos rojos y los brillantes amarillos de sus escenografías, las españolísimas actuaciones de gritería, las alocadas persecuciones de extraviados personajes, el persistente mundo homosexual, las desfachatadas mujeres, las sexifeas, los cuerpos descarados, los creativos e inocuos asesinatos, las melifluas escenas dramáticas ante las que nadie sabe si reir o llorar, son ya clásicas. Por otra parte, las simetrías de sus enfoques de cámara, la poca simpatía con los clarooscuros, la prevalencia de interiores, la minimalía de recursos, le han permitido reducir esfuerzos de producción y generar efectos de impacto a la fábrica de sueños de “El deseo”.

Pero, hay que referirse a las dos grandes características de “La piel que habito”. Una su argumento y otra la vuelta de Antonio Banderas. Del argumento cabe decir que Almodóvar, más exactamente su hermano Agustín, se han preocupado siempre por temas del “destape” español como la promiscuidad, los amantes y la infidelidad, el sexo rampante, la homosexualidad revelada, los trasfondos de droga, prostitución y delincuencia de bajos fondos, las psicologías aberradas, el erotismo de las clases bajas y medias, las añoranzas de los que se han ido, las venganzas. De la vuelta de Banderas, debe recordarse que en la década de los ochentas fue el chico Almodóvar de cinco de sus películas, para regresar dos décadas después con un problema de compaginación con el director de la que fue su primera película en 1982 (“Laberinto de pasiones”).

La parte argumental es ciencia ficción sobre el potencial injerto total de una piel sintética a un ser humano y sin rechazo fracasante, condimentada con la venganza del cirujano plástico (Banderas) hacia el violador de su hija. A partir de su secuestro comete lo que es un delito de transexualización quirúrgica sobre este, cambiando también su psiquis. El médico Robert Ledgard, le (o la) convierte en su amante reclusa, desencadenando una serie de situaciones que pueden dejar al descubierto su falta de ética profesional y los delitos cometidos, en medio de payasas escenas y misteriosos indicios tontos que llevan al espectador a descubrir el hilo de la historia. Lo peor es ver a un Banderas que ha pasado dos décadas en medio de productores de primera línea convertido en un buen títere de directores, pues ha sido simplemente un reiterativo actor sin histrionía interesante inmerso en proyectos de medio y alto presupuesto, ahora nuevamente orientado por un Almodóvar que lo dejó hacer confiado en su experiencia. Banderas ya no es el muchachito malagueño relativo actor natural, sino un avezado trabajador hollywoodense que intenta actuar por su cuenta sin aportar lo que el director pensó que podría.

Deprimente actuación de Antonio Banderas en medio de otras sobreactuaciones del elenco y de situaciones algo rebuscadas. Más que interesante, esta película solo llama la atención de los “almodovaristas” y los “banderistas”, para llevarlos a lo que debería ser reconocer, por lo menos, que la dupla Almodóvar-Banderas no funciona y va en detrimento del buen talento del primero y aún más del mecanicismo profesional del segundo. Debe decirse que las nominaciones de este filme se deben al historial de su director y al cartel de su actor, no a verdaderos méritos que habrán solo de "reconocerse" en los vernáculos Goya y jugando de local.

viernes, 27 de enero de 2012

HISTORIAS CRUZADAS (THE HELP)


Una de las películas destacadas de “Golden Globe” y “Oscar” de 2012, por las actuaciones de Viola Davies y Octavia Spencer (dos de las más talentosas negras del cine actual).

Sin embargo, “The help” es un filme más valioso por la didáctica acerca de las conductas sociales racistas en los años sesentas de las clases mediaaltas de Mississippi en los Estados Unidos. Se basa en el libro homónimo de Kathryn Stockett.

A pesar que la película puede ser considerada objetivamente basada en un buen libro escrito por su protagonista blanca (Emma Stone es la actriz), la Asociación de Historiadores de la Mujer Negra (ABWH), ha hecho una difundida denuncia crítica de la cual se traducen a continuación sus principales apartes:

“… esta declaración proporciona un contexto histórico al estar especialmente preocupados por las representaciones de la vida del negro y la falta de atención al acoso sexual y el activismo de los derechos civiles (en el libro y en la película).

Durante la década de 1960, hasta el 90 por ciento de las mujeres negras que trabajaban en el Sur lo hicieron como empleadas domésticas en casas de blancos. La representación de “La ayuda” de estas mujeres es una resurrección decepcionante de un estereotipo de las míticas mujeres negras que se vieron obligadas, ya sea por la esclavitud o la segregación, para servir a las familias blancas. (…) tergiversa el habla y cultura afroamericana, (pues) situada en el Sur, el acento regional es un exagerado acento de "negro dialecto”. No reconocemos a la comunidad negra que se describe en “La ayuda”, pues la mayoría de los personajes masculinos negro se representan como los borrachos, abusivos o ausentes. Tales imágenes distorsionadas son engañosas y no representan la realidad histórica de la masculinidad y la virilidad negras…
(…)
Por otra parte, los trabajadores afro-americanos domésticos fueron a menudo víctimas de acoso sexual, así como de abuso físico y verbal en los hogares de los empresarios blancos. Por ejemplo, una carta recientemente descubierta de la activista de Derechos Civiles, Rosa Parks, indica que, al igual que muchos trabajadores domésticos negros, vivió bajo la amenaza y, a veces la realidad de un asalto sexual (…) La película, por otro lado, hace que los temores de las mujeres negras y sus vulnerabilidades sean en momentos aliviadas bajo un tono cómico.
(…)
Retratar a los racistas más peligrosos del Mississippi de 1960 como un grupo de personas y mujeres atractivas y bien vestidas de la sociedad, sin tener en cuenta el reinado de terror perpetrado por el Ku Klux Klan y el Consejo de Ciudadanos Blancos, sin pasar a reconocer los límites oprobiosos de la injusticia racial, es llevar estos a simples actos individuales de maldad.
(…)
Respetamos las actuaciones estelares de las actrices afroamericanas en esta película. Al final, “La ayuda” no es una historia acerca de los millones de mujeres trabajadoras negras y dignas en casas de los blancos para mantener a sus familias y comunidades. Más bien, es la historia de la mayoría de edad de una protagonista blanca, que utiliza los mitos sobre la vida de las mujeres negras para dar sentido a su cuento. La Asociación de Historiadores de la Mujer Negra considera inaceptable, ya sea para este libro o una película, que esta franja de vida de las mujeres negras (no tenga) rigor histórico por el bien del “entretenimiento”. (Hasta aquí la traducción y resumen por este blog).

Los anteriores apartes intentan sintetizar el público reclamo que se ha hecho y que rodea a la interesante “The help”. Como se ha de notar, lo que la ABWH reclama es que el argumento no haya sido más completo y crítico de la realidad de estas “servidoras”, lo cual significa que se echa de menos un mayor número de filmes que revelen la verdadera conducta racista del trasfondo histórico que se trata. Lo que se dice en “The help” es cierto, pero muy superficialmente tratado si se le compara con los abusos sexuales, los asesinatos impunes y la prevalente maldad social de las clases medias y altas blancas de la época, lo cual queda quizá “oculto” a los ojos de las presentes generaciones si asumen “The help” cómo la muestra del violento “racismo” que no conocieron. Como tampoco es ni levemente comparable con lo que actualmente se conoce bajo este adjetivo.

En este sentido, a pesar del buen filme que es “The help”, la Association of Black Women Historians, ABWH, tiene la razón pues se estaría minimizando la realidad social negra vivida en esta violenta etapa histórica.

INMORTALES (IMMORTALS)


Un filme de productores sin los méritos de que alardean. Cambiar los “plateados” y el sepia de “300” por los “dorados” y la mayor brillantez de “Immortals”, sustituir el minimalismo realista con técnica “croma” y la pantalla azul en solo un amplio set de la primera por una grandilocuencia de escenarios “massive” generados en computador en la segunda, son trucos de producción que no bastan para que Tarsem Sinhg, un director indio, tome los recursos de estos productores e intente reproducir con éxito lo verdaderamente innovador de Zack Snyder en la primera.

“300” tiene un “storyboard” original bien trasladado a la pantalla. “Immortals” busca apoyarse en su impacto taquillero para engañar al público que no vió la primera, única condición que podría servir para aceptar lo que la segunda ofrece.

Es una lástima que la mítica de Teseo contra el Minotauro llegue tan mal tratada con el disfraz 3D, los efectos pictóricos renacentistas y la tonta imitación del claroscuro de Caravaggio, para vender boletas entre adolescentes confundidos por el slogan de los “productores de 300”.

Otro error es mezclar la participación del “bodrio” de Henry Cavill como Tesseo, con la participación de este en el próximo “Superman: man of Steel”, esta sí dirigida por Zack Snyder, a quien se le debe desear que le vaya bien a pesar del “paquetazo adonis” que en esencia ha sido dicho actor en 14 películas (remember Randy en “Whatever Works” de Woody Allen).

Hasta ahora el grupo de productores de “300” recogió a través del mundo unos US$450 millones. “Immortales va en US$250 millones, aproximadamente. Ambas con el mismo presupuesto (US$70 millones de 2006 y 2011), pero no con las mismas virtudes.

jueves, 19 de enero de 2012

NO "SOPA", NO "PIPA"


Este blog únicamente, por ejemplo, incluye comentarios de productos cinematográficos en cartelera colombiana.

La música, los libros y los videos, con obvia inclusión del producto cinematográfico, deben buscar alternativas diferentes de protección. Deben separar su defensa de la propiedad intelectual en el mundo virtual de la defensa de la propiedad intelectual de las empresas del sector real (farmacéuticas, científico-tecnológicas industrializables, por ejemplo).

Además, el veto a "sites and searchs", no es defensa de la propiedad intelectual sino obstáculo a la libre expresión. Es un facilismo obstruir el medio sin poder controlar el origen.

lunes, 16 de enero de 2012

GOLDEN GLOBE AWARDS 2012


La lógica ha vencido en los Golden Globe del 2012. George Clooney, quien por su éxito característico en Italia fue llamado por Ricky Gervais como “Georgio”, vivió una buena noche con los premios a la Mejor Película Dramática "The Descendants", a Mejor Actor en Película Dramática y su nominación como mejor director de “The Ides of March” (o “La marca del poder”).

Como Mejor Director, Martin Scorsese por "Hugo" y como Mejor Guión el de "Midnight in Paris" de Woody Allen, son obvios, y merecidos, por ser su especialidad. Woody es guionista antes que director o actor, lo cual ha marcado su historial en el cine.

Meryl Streep, Michelle Monahan, Octavia Spencer y Christopher Plummer no tenían competencia fuerte en sus premios como actuación principal y de reparto. El premio a película Extranjera obtenido por "A Separation" habría de permitir expresar a su director que Irán “es un país de paz”, frase que es de beneplácito en el mundo.

"The Adventures of Tintin" fue la segura ganadora pero no su hermana menor “The war Horse”, llevadas ambas por Spielberg. En Canción Original muy bien Madonna, Julie Frost y Jimmy Harry.

A pesar que la mayor parte de la TV gringa no se conoce en Colombia, aunque el cable permite conocer algunas de sus mejores muestras, se ha demostrado que es el beneficioso refugio de estrellas de la pantalla grande. Los ejemplos son muchos y no amerita rememorarlos, pues es sabido que el mercado de la buena TV interna en USA genera mejores réditos que una película promedio dando vueltas por el mundo. Los Globos del 2012 permitieron comprobarlo y recordar a algunas de las grandes del cine, como Claire Danes ("Homeland"), Laura Dern ("Enlightened"), Jessica Lange ("American Horror Story") o Kate Winslet ("Mildred Pierce") y al regular actor del cine de acción Idris Elba (“Luther”), premiados por sus trabajos de TV.

“The artist” fue premiada por mejor comedia o musical y su actor Jean Dujardin mejor actor en esta tipo de género cinematográfico, además de su banda sonora, parece paradógico por ser muda, de Ludovic Bource (llama la atención el pírrico presupuesto de US$12 millones para un producto de gran calidad). Músico, actor y director de este film han realizado también una versión actual (que ojalá llegue al país) del ciertamente olvidado competidor francés de los agentes secretos de la época que va de 1963 a 1970 en el cine. El agente OSS117 emulaba con James Bond, Mr. Solo o Flint y renacerá con varias personas del cast y el crew que participaron en “The artist”.

Nota: de las nominadas y algunas prmiadas, “La marca del poder”, “Criadas y señoras” (“The help”), “La boda de mi mejor amiga” (“Bridesmaids”), “El juego de la fortuna” (Moneyball”), “Beginners”, “Midnight in Paris” han sido vistas en Colombia y son películas imperdibles.

domingo, 15 de enero de 2012

CABALLO DE GUERRA (WAR HORSE)


Son muchas las coincidencias de producción de esta película con su contemporánea “Tin Tin”, en cartelera colombiana. Mejor, debería decirse qué más que coincidencias son “condiciones” de producción.

No es una coincidencia que se presenten los dos filmes simultáneamente en casi todos los países, pues los nombres de dirección (Steven Spielberg), producción (Spielberg y Kennedy), música (John Williams), cinematografía (Janusz Kamiński), edición (Michael Khan), estudio (Amblin Entertainment y Kennedy/Marshall), demuestran simplemente un plan industrial del mago Spielberg.

El exitoso industrial cinematográfico adquirió los derechos de “Tin Tin” en 1983, un año después de que Michael Morpurgo terminara de escribir “War Horse” para que, en el 2009, Kathleen Kennedy (Amblin, empresa que lleva su nombre por el título de un corto de Spielberg realizado en 1968 a sus 22 años) gustara de una versión teatral del libro y acordara con DreamWorks llevarla a la pantalla. Morpurgo tiene en su haber algo que quizá sea un récord con un promedio de poco más de tres (3) libros escritos por año, desde 1974, e innumerables de sus publicaciones traducidas a cerca de 25 idiomas.

“War Horse” desarrolla una historia meliflua sobre la Primera Guerra Mundial que no es lo mejor de Spielberg, cuya experiencia gira alrededor de filmes sobre la Segunda Guerra. Pero no es ello lo que explica el bajo tono de “War Horse”. Allí se ven los grandes cañones Berta transitando dificultosamente con apoyo en orugas inventadas para tal fin. Se reproduce una época en que el enfrentamiento cuerpo a cuerpo hacía parte aún de la batalla. Se apoya en un argumento sobre la caballería del ejército inglés, ya anacrónica frente a las ametralladoras manpuestas. Se usan cinco diferentes caballos para representar a Joey, hermosos, de alta alzada y a gusto de niños y adultos. Pero hay un tono Disney intrascendente en el tratamiento que explica por qué esa misma empresa es su distribuidora principal, a pesar que aún al público infantil no habrá de impresionar de manera suficiente.

Los primeros 110 minutos la película es una historia “farmer” sin mayores dinámicas. El segundo tiempo se adorna de la figura equina corriendo entre bandos opuestos y declinando en un trascendente momento de paz de una trinchera alemana y una inglesa, llenas de soldado jovenzuelos que simpatizan con el caballo herido. La película ha partido de una subasta en la cual el orgullo del padre de Albert compra por exorbitado precio el potro para tratar de humillar a su “landlord” al comenzar la guerra y termina con otra subasta al finalizar la guerra en la que un abuelo que ha perdido a su nieta desea adquirir a Joey por el altísimo precio que amerita el recuerdo de la niña que también amó al caballo. El film ha sido presentado a todo premio posible y ganado en AFI, Broadcasting y Satellite, con posibilidad de ganar en Golden Globe a mejor película y música (enero 15). Parece que irá a los Oscares. Pero de todo ello podría decirse que hay algo de sobrevaloración de lo que es solo un filme de buena factura y respaldos.

viernes, 13 de enero de 2012

LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO (THE ADVENTURES OF TIN TIN)


Hace 84 años, Palle Huld, un quinceañero pelirrojo, gana un sorteo efectuado por el periódico danés, el “Politiken”, para premiarlo con un viaje alrededor del mundo de 44 días y narrar luego sus aventuras en un libro a manera de homenaje al centenario del nacimiento de Julio Verne. El joven viajó en tren, barco, motocicleta y automóvil por diversos países como Estados Unidos, Japón, Alemania y Unión Soviética, para regresar finalmente a Copenhague. Palle Huld era reportero al igual que Tin Tin, pero actor de profesión. De su libro se inspiró el joven dibujante belga de 21 años Georges Prosper Remi, más conocido como Hergé (pronunciación de iniciales de apellido y nombre, RG), para crear un personaje de cómic que viviría sus aventuras en las páginas del suplemento “Le Petit Vingtiène” a partir del del 10 de enero de 1929. Previamente, Hergé había dibujado un personaje similar llamado Totor, siempre acompañado del perito Milou.

De Tin Tin hay 23 álbumes entre 1930 y 1976, a los cuales se añadiría un último solo boceteado en 1983 por muerte de su dibujante.

En 1983, el maestro Steven Spielberg adquiere los derechos de reproducción cinematográfica del personaje y programa una trilogía dirigida por el mismo (I), por Peter Jackson (II) y por un director aún por definir (III). La música incidental es del siempre nominado y ganador de Oscars (5), Globos (4), Baftas (7) y Grammies (20), John Williams. La actual película en cartelera se basa en “El secreto del unicornio” y parcialmente en “El cangrejo de las pinzas de oro”, “La estrella misteriosa” y “El tesoro del Rackham El Rojo” con un presupuesto de más de US$130 millones con producción de Spielberg-Jackson-Kennedy (esta última la poderosa dueña de Amblin) y duración de 1:45 horas. Ya se lanzó el videojuego de Ubisoft con el primer título.

El film se basa en tecnologías Weta Digital, 3D y Imax (Colombia ¿??) usando el “motion capture”, o “Mocap”, que utiliza la captación de movimientos reales de actores para conducir el dibujo animado (utilizada en “The Polar express” y “A christmas carol”). No se debe confundir con el Mocap “al lado”, como el que se usa para imitar los movimientos del actor tal como se realizó en la reciente “Real Steel” o “Gigantes de acero”. Esta tecnología es quizá el mayor avance cinematográfico de fusión de imágenes reales y virtuales, pero aún no controla el irreal movimiento en los ojos de los personajes. No obstante el dibujo animado imita a la perfección el estilo de “línea clara” que identificó a RG y que ha impresionado durante casi un siglo con sus perspectivas, movimientos insinuados, luces y contraluces e hiperrealismo de las máquinas e instrumentos dibujados.

Jamie Bell es Tin Tin (el recordado “Billy Elliott”); Andy Serkis (“El señor de los anillos”) es el capitán Haddock y es Sir Haddock; Daniel Craig (“007” actual) es Rackham y es Sackarine. Kim Stengel hace el aislado personaje femenino de Bianca Castafiore, cantante de ópera de Milán.

En la película hay un cameo (aunque dibujado, obviamente) de Hergé en el parque pintando y presentando a Tin Tin, con lo cual Spielberg reproduce la costumbre del autor de dibujarse a sí mismo, lo que hizo en unas 17 de sus aventuras. El ritmo de la película recuerda la audacia y entremezcla de situaciones de precedentes como “Indiana Jones”, con una edición perfecta (de Michael Kahn, editor de Spielberg por tres décadas) que contribuye a la aceptación de flashbacks y alucinaciones de los personajes sin desorientar al público infantil. Janusz Kamiński es el cinematografista, siempre de Spielberg. Todo ello se conjuga para un producto único, auténtico y que respeta los contenidos argumentales y visuales de Hergé sin pretensión alguna de sobreponer estilo, actualización o variaciones guionísticas.

Tin Tin seguirá cautivando las mentes infantiles inteligentes de hoy que acuden a las bibliotecas de sus colegios, la calidad es el mejor aliciente para la lectura y no los programas del MEN con bodrios seleccionados por seniles expertos, para gozar de sus excelentes dibujos y aventuras. Ahora la historieta rauda los mantendrá maravillados en la ágil trilogía del mago Spielberg.

martes, 3 de enero de 2012

LAS CARACTERÍSTICAS CENTRALES DE ALGUNAS DE LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2011

De las comentadas acá en el año 2011, en un orden simplemente alfabético y mediante una frase que pretende definir su mayor característica, se han escogido las siguientes películas como las mejores

127 HOURS (127 HORAS): banda sonora
AGORA: didáctica argumental
BRIGHT STAR: biografía
CAMINO: actuación infantil
CARANCHO : temática latinoamericana
CARLOS (EL CHACAL): objetividad histórica
DE DIOSES Y HOMBRES (“DES HOMMES ET DES DIEUX”; “OF GODS AND MEN”) : escenografía
EL ASESINO DENTRO DE MÍ (THE KILLER INSIDE ME; El demonio bajo la piel): thriller argumental
EL CISNE NEGRO (BLACK SWAN): versión fílmica
EL DISCURSO DEL REY (THE KING´S SPEECH): actuación
EL GANADOR (THE FIGHTER): actuación
EL GRAN CONCIERTO (THE CONCERT): guión
EL OCASO DE UN ASESINO (THE AMERICAN): estilística “western”
INSIDE JOB (TRABAJO CONFIDENCIAL) CINE Y POLÍTICA A ALTO NIVEL: lo mejor
LA EXTRAÑA (“WHEN WE LEAVE”; “DIE FREMDE”): feminismo argumental
LA PONTÍFICE (LA PAPISA; THE POPE): subjetividad histórica
LA REDADA (LA RAFLE): versión histórica
LAZOS DE SANGRE (WINTER´S BONE): actuación
LOS NIÑOS (THE CHILDREN): horror objetivo
MEDIANOCHE EN PARÍS (MIDNIGHT IN PARIS): nombres
MUERTE EN LA MONTAÑA (FROZEN): horror objetivo
NACIDOS PARA SER LIBRES (BORN TO BE WILD): realismo visual
SALUDA AL DIABLO DE MI PARTE (GREETINGS TO THE DEVIL): mejor producto nacional
SANCTUM (EL SANTUARIO): tecnicismo
SIN LÍMITES (LIMITLESS). Guión visual
SOUL KITCHEN: humor
SPARTACUS: GODS OF THE ARENA (ESPARTACO: DIOSES DE LA ARENA): objetividad histórica
THE KIDS ARE ALL RIGHT (LOS NIÑOS ESTÁN BIEN): temática y actuación
X - MEN PRIMERA GENERACIÓN (X - MEN FIRST CLASS): producción comercial