ASESINOS DE ÉLITE (KILLER ELITE)

Dirige Gary McKendry esta producción americoaustraliana, con el enorme atractivo de un título que atrae taquilla para la acción y un poster con los renombrados Jason Statham (Danny), Robert De Niro (Hunter) y Clive Owen (Spike). Además de la reconocida receta de bala, golpes, saltos, persecuciones, “tough guys”, menciones internacionales y dinero, Statham y Owen solo simulan ser invencibles uno contra el otro en el rescate de un exélite De Niro, envejecido y deprimente en un papel de muy baja estatura para su importante carrera.

Aparte de los anteriores “valores” y de estar basado en hechos verídicos escritos por un tal Ranulph Fiennes (simplemente casi homónimo de un reconocido actor inglés), en un librillo, bestseller de aeropuerto y supermercado, denominado "The Feather Men, este es un filme hecho con la sola intención de explotar los nombres del elenco, en una trama reiterada muchas veces en la cinematografía de consumo adolescente.

MELANCOLÍA (MELANCHOLIE)

En la racha de películas cercanas al tema del augurio Maya para el presente año, esta es una de las mejor logradas. Lars Von Trier, teórico del Dogma 95, ha sido poco respetuoso él mismo de este paradigmático esquema de producción de cine. No lo aplicó con “Bailarina en la oscuridad”, ni en todos aquellos en los cuales edición, la iluminación, la actuación estrictamente guionada, acompañados de más de dos cámaras y otros factores técnicos, lo demuestran.

Este filme tampoco es dogmático “95”. Partiendo de un elenco bien acoplado al plan de producción. Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg interpretan a Justine y Claire, la depresiva y la melancólica. Kiefer Sutherland hace un John. iniciado en astronomía, que deduce que el paso cercano del planeta que da el nombre a la película, podrá ser una colisión con la tierra. John descubrirá esto y, en contrario que su esposa y cuñada, no podrá resistir la idea del fin.

Por lo demás Rampling, Hurt, Skarsgard y Kier aportan reconocidas caras y apellidos para el mercado mundial y, fundamentalmente, el americano.

Según diversas interpretaciones, la película tiene su origen en un dramaturgo, un músico y una actriz. Jean Genet, Richard Wagner y Penélope Cruz, en su orden, ejercieron su influencia en el filme. Genet, a través de su primera obra “Las criadas” (1947); Wagner mediante su “Tristan e Isolda” (1865) que inunda el filme en cuestión como respaldo incidental. Cruz (2010), como receptora de los agradecimientos del director por una idea simple. De toda forma, estas insinuaciones son solo una especulación parcial y aparentemente acertada, por parte de quienes desean impregnar de "trivias" el entorno de una película.

Genet trató una historia basada en la realidad acerca de dos hermanas con profunda unión de espíritus (almas siamesas), que asesinan a su ama y la hija de esta. Wagner, ilustró su tercer acto en la ópera aludida con la imagen de Isolda que muere al ver el cadáver de su amante (muerte de amor), atmósfera que rodea al filme y se justifica con el suicidio de John. Cruz, porque iba a hacer el rol de Claire en la segunda parte (o segundo acto) de “Melancolie”, además de haber aportado esbozos de la historia en el guión de Von Trier, pero que no pudo hacerlo por compromisos siendo reemplazada por la hija de la inolvidable Jane Birkin y de Serge Gainsboroug, todos cantantes de la ola baladística francesa.

El filme es de ficción catastrófica y no de “SciFi”, lo cual solo es un mote interpuesto por aquellos que piensan que si se hacen ciertas referencias simples sobre los planetas, hay ciencia en esta película. El gran logro de Von Trier es realizar una obra, dentro de una mansión en cuya terraza y jardín se sufre el fin del mundo. Lo que algunos tecnicistas americanos quizá no hubieran podido imaginar sin un “armageddon” de por medio.

SÓLO UNA NOCHE (LAST NIGHT)

Es catalogable como un “mirror film”. El público se mira de manera narcisista en los protagonistas, trata de cotejar su modo de vida con la propia, absorbe "marcadores" sociales y, una vez más, cree que una tarea muy extendida es la de ser escritora o escritor, lo cual explica el ocio constante de los personajes para ir de flirt en flirt.

“Una sola noche”, así también se ha traducido, y no es lo mismo, es escrita por Massy Tadjedin, directora y guionista iraní (de quien solo se sabe que estudió literatura inglesa en Hardvard). Diane kruger y Patrick Dempsey hacen roles de una infidelidad que no se consuma, aunque pudo haber tenido como origen la pasada relación de sus personajes.

! Perdón, no son ellos !. Son Keira Knightley y Guillaume Canet (es que se parecen demasiado). Las contrapartes amorosas con Sam Worthington y Eva Mendes.

Guillaume Canet, un actor francés aceptablepero mejor director de una opera prima con varias nominaciones y con la cual recibió el César 2007: “No se lo digas a nadie”, o “Ne le dis à personne”, excelente y recomendable filme del cual viene pronto un remake gringo.

En “Last Night” no sucede mayor cosa importante, solo la trampa tendida con cuatro estrellas en juego, realizando un filme subliminal (no sublime) para que los asistentes al teatro crean verse a sí mismos, o hagan catarsis de lo que puede ser pero no ha sido, con este intrascendente gasto de boleta debido a la carnada del elenco.

DRIVE

Hay algo interesante en la atmósfera de “Drive”, pero un ritmo algo lento en el contexto de un conductor diestro y veloz, “stuntmen” de cine en sus horas extras, mecánico experto y contratista de delincuentes en la noche. Ya se había hecho “The driver” con Ryan O´Neal en 1978, escrita y dirigida por el estupendo Walter Hill, cuya filmografía hizo aportes en los géneros de acción de las últimas cuatro décadas.

El filme es dirigido por Nicolas Winding Refn, un director danés cuyo actor insignia ha sido Mads Mikkelsen en “Pusher” I-II-III a quien se recuerda de “Casino Royale”, “Coco Chanel & Igor Stravinsky”, “Flame y Citrón”. Hay una curiosa aparición de Russ Tamblyn, 78, (en el papel de Doc), el otrora famoso bailarín por haber representado al líder de los Jets en “West Side Story” (musical clásico, con base en Romeo & Juliet, de Wise y Robbins) hace ya medio siglo, que aunque lleva 64 años actuando, poco reconocida es su filmografía.

“Drive” es un filme de la globalización, mezcla de elementos dramáticos nórdicos, de íconos norteamericanos y de atmósferas japonesas. Combina “cast y drew” internacional, silencios expectantes (derivados del lenguaje de Walter Hill) y una historia samurái que va bien con la usual “poker face” de Ryan Gosling (otro actor Disney, “Blue Valentine”, “The ides of march”).

Carey Mulligan (“An Education”), Christina Hendricks (TVactriz, reconocida por sus “boobies”), Ron Perlman (“Quest for Fire”, “HellBoy”, “Beauty and the Beast”), entre otros, acompañan la “no actuación” de Ryan.

Es una película bien facturada, plena copia del estilo Walter Hill de hace treinta años. Pero se abusa del tono “James Dean” propuesto a Ryan Gosling. Con los antecedentes de “remake” y un ritmo llano de ciertos picos sangrientos, a esta producción no debería acercársele al mote de obra maestra, aunque estuvo nominada por edición de sonido en los Oscares 2012 y por la actuación (¿¡?) de Albert Brooks (como Bernie), en los Golden Globes de este año.

AL FILO DE LA MENTIRA (THE DEBT)

“La deuda”, también ha sido titulada como “La duda” en otros países, un equívoco idiomático de traducción muy claro, si bien lo que fundamenta el argumento de este film es una duda existente entre tres excompañeros espías y una deuda que uno de ellos debe pagar finalmente como muestra de lealtad, consigo misma, con su familia y con su país.

Mal titulado este en español. Las buenas traducciones no son una virtud de los distribuidores, que requerirían aquellos expertos linguísticos de las mejores editoriales y obras literarias. En este caso el hilo de la historia no es vivir al filo de la mentira, al borde de ella, sino con la mentira misma hasta hacerla verdad pagando esa deuda.

Sam Worthington y Ciaran Hinds tienen el rol de David, joven y de mayor edad. Jessica Chastain y Helen Mirren hacen a Rachel, a los 25 y 60 años. Marton Csokas y Tom Wilkinson a Stefan, interpretan las dos etapas etáreas de Stefan.

Jesper Christensen, por su parte, hace un Vogel, monstruo cirujano nazi. John Madden (“Shakespeare in love”, “Captain Correlli´s Mandoline”) dirige bien el guión establecido por Matthew Vaughn y Jane Goldman, que lo escribieron combinando sus destrezas (“Kick ass”, X-MEN”, “Stardust”), con las de Peter Straughan, (“Tinker Taylor, Soldier, Spy” y “The men who stare at goats”). Por ello, es esta la mayor virtud del film comentado.

La hija de Rachel publica un libro en el cual su madre es la heroína cazadora de un nazi, que aún está vivo… La película es interesante por sus flashbacks y todas las actuaciones. Sam Worthington (“Terminator salvation”, “Clash of the titans”, “Avatar”, de las cuales todas tienen ya secuelas) es quien sorprende un poco con su rostro impertérrito-infantil acostumbrado. Un film para quienes gustan del espionaje en todas sus formas.

RETO DE VALIENTES (COURAGEOUS)

Lo que distingue a este film es su origen en Sherwood Pictures, compañia de cine de la Iglesia Bautista. Sus producciones mantienen mensajes evangélicos dirigidos a enaltecer valores personales, familiares y sociales, dentro de una ética cristiana.

Desde el año 2003 esta compañía fílmica ha realizado varios filmes: “Flywheel”, “Facing the giants”, “Fireproof” y ahora “Courageous”. En todas ellas, Alex Kendrick dirige y actúa. El Hermano Kendrick es pastor asociado de esta iglesia local de Albania, Georgia, y fundador de dicho estudio productor de los filmes mencionados de “low cost” que van de US$20.000, US$100.000 y US$500.000 a US$1.000.000, respectivamente, obtienen sus “low budgets” con base en donaciones.

El resultado ha sido una empresa cinematográfica mediana, dirigida a desarrollar mensajes focalizados que, en el caso de los filmes anotados, han tratado el tema de los vendedores de vehículos, los equipos de futbol americano, los cuerpos de bomberos y ahora los agentes de policía. Como se observa, la segmentación prevista busca enfocarse a grupos sociales característicos y/o de servicio a la comunidad en su país de origen.

Siendo plausible, el enfoque mercadológico de Sherwood Pictures es de innegable valor moral en sus argumentos y guiones, pero sus películas son de un formato más apropiado a una programación televisiva y familiar. No corresponden a lo que el público asistente a salas de cine espera ver en la pantalla grande.

A este respecto se debe recordar que la diferencia fundamental entre el cine producido para TV y el dirigido a las salas de asistencia masiva es su nivel tecnológico. El cine es de mayor formato, más escala, imagen de alta definición y resolución, actuaciones más teatralizadas (¡!!), novedades argumentales, innovaciones tecnológicas, lugares reales, hiperficción, argumentos de carácter universal. Todo ello para lograr el nivel de concentración alcanzado en una sala oscura que es casi del 100%.

El formato TV es “soft”, no requiere captar de manera intensa la atención de un público familiar que usualmente se disgrega con los eventos caseros y puede tener una desatención que, por capricho de medición, será del 50% o más, incluyendo los tiempos de comerciales.

“Courageous” muestra los pesares y felicidades de policías en sus relaciones filiales. Busca enseñar a compartir la vida con los hijos y hacer muy concreto el amor por ellos, una incógnita de los cuatro compañeros que es resuelta en mezcla con los peligros de la vigilancia en las calles. Lo interracial y delincuencial, así como los interiores hogareños y las persecuciones policiales, son el contexto del apego a las creencias religiosas y la didáctica de unos buenos valores éticos y sociales, en un intento de un producto familiar con elementos de acción que, en su formato, iría mejor en la TV de domingo en la tarde.

SIEMPRE EL MISMO DÍA (ONE DAY)

La juventud “open mind”: una mujercita en búsqueda de amor recorriendo caminos de libertad y un joven exitoso y algo superficial, que pasan los años huyendo a una vida de pareja comprometida para envejecer enamoradamente separados.

Anne Hathaway, talentosa chica “Disney”, y Jim Sturges, buen actor y cantautor, llevan a la pantalla la parábola de celebración de graduación un 15 de julio, aniversario que se repite durante veinte años, sin permitir que la verdadera felicidad sea reconocida por quienes realmente se quieren y envejecen sin saber aceptarlo.

Lone Scherfig, talentosa directora (“An education”) es profunda, intimista y personal en su perspectiva. Lleva a una comprensión de la confusa relación entre amor y amistad, con un filme simpático y de buena factura basado en el libro de David Nicholls cuyo argumento encaja bien en el enfoque sensible que la directora maneja en sus obras fílmicas.

SECRETOS PELIGROSOS (THE WHITLEBLOWER)

Rachel Weisz, literata de Cambridge University, judía, ganadora de Oscar, Globo de Oro, Laurence Olivier, SAG, Spirit Award, exesposa de Daren Aromofsky (“Black Swan”) y esposa de Daniel Craig (“007”) desempeña este rol de denunciante en el filme que en otros países se ha titulado como ”la sombra del delator”.

¿Cuál es la denuncia? Un hecho verídico de corrupción al interior de personal de la ONU comprometido en tráfico sexual y corrupción contractual en misiones internacionales de paz. Al pertenecer al Destacamento Policial Internacional (DPI), la periodista Kathryn Bolkovac se enfrenta a intereses multinacionales de Dyncorp (contratista de la ONU) en Bosnia. Buen contexto para un guión que no capta el interés esperado sobre un asunto que, lejos de obtener su justa difusión, pasará de manera algo intrascendente por las salas de cine “arte”.

VENGADOR ANÓNIMO (SEEKING JUSTICE)

Buscando justicia trae el recuerdo de la película pionera del concepto de “vigilante” surgido en el filme “Death Wish” de 1974, estelarizado por Charles Bronson, aquel notorio “tough guy” invencible del oeste rural y la selva urbana. Muere su esposa de manera vil y decide vengarse por propia mano, lo que en el contexto cultural de hace cuatro décadas era sorprendente.

Nicolas Cage no encarna este tipo de “héroe” en “Seeking…”. Por el contrario hace un antihéroe que cae en la tentación de aceptar la oferta de venganza de la violación de su mujer, quien acá no muere, por parte de un grupo especie de “mano negra” contra la delincuencia común que mantiene una estrategia de cadena de favores: yo te vengo, tú te vengas por otro, el otro se venga por aquel…. La gran diferencia reside en que esta venganza por tercera mano resulta en extorsión mortal, necesaria para que la cadena no se rompa.

CON EL DIABLO ADENTRO (THE DEVIL INSIDE)

Insurge Pictures es una productora con dos años de iniciada en proyectos de bajo presupuesto. Todo empezó con “Paranormal Activity”, por culpa de DreamWorks y la distribución mundial de la poderosa Paramount, que multiplicó menos de U$1 a más de US$150 millones, siendo un bodrio risible.

Luego, las versiones de “PA 2” y “PA 3” lograron a manos de una Blumhouse Productions multiplicar U$3 a más de US$175 millones y U$5 a más de US$205 millones, respectivamente, engañando a la ingenua masa desprevenida y llena de temoras nacidos en casa. Paramount, tan seria, pero tan interesada apoya el asunto.

Ahora, “The devil inside” con solo US$1 millón van en US$70 millones y continuará barriendo billetes de los pisos de las salas de cine tercermundistas bajo el manto poderoso de Paramount Pictures. Los trucos: una nota que diga “Inspired by true events”, cámara al hombro en blanco y negro, videos borrosos de cámaras de vigilancia, lentes de contacto sin pupila, plagios continuos a la siempre recordada “The exorcist” con torres de templo, mujer atada que se eleva, voz diabólica que simula, cuerpos lanzados con violencia a las paredes, sacerdotes que mueren… en solo 80 minutos.

Resultado: el público contribuirá con la noble y desinteresada causa de estos avivatos productores de crisis, amparados por ese cartel que asusta almas infantilmente desoladas en las estaciones de transporte.

DESPUÉS DE LA VIDA (AFTER LIFE)

“After Life” tiene a Liam Neeson (“…Schindler”), Christina Ricci (recordada Wednesday Adams en TV) y Justin Long (acompañante fílmico de estrellas pero regular actor) como los atractivos del elenco y un cadáver joven de vestido rojo como atracción del poster. Nada más.

Mientras Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, novel guionista y directora polaca de 37 años, logra con su primera película generar dudas sobre la posible psicopatía del personaje de Neeson y la eventual patología paranoica de la Ricchi ¿está muerta, en coma, dopada o vive?, el público pondrá atención. Luego, cuando Long, su novio argumental, duda por enamorado que ella haya muerto, se llega al clímax del filme para luego caer en picada vertical dejando la sensación de que se ha perdido el tiempo en la sala de cine.

LOS PREMIOS OSCAR 2012

En un atrevido ejercicio de lotería, teniendo en cuenta que en esta publicitada premiación que representa el "Oscar" no hay puntuaciones para el público y solo se conocerá cada ganador, las probabilidades a que apueste este blog son las siguientes (los asteriscos representan los productos no vistos):

Mejor Película
"The artist"" 1 ACIERTO
"Hugo" 2
"The descendants" 3
"The help" 4
"Midnight in Paris" 5
"War horse" 6
"Moneyball" 7
"Extremely Loud & Incredibly Close" (*)
"The tree of life" 9
Mejor Actor
Jean Dujardin, "The artist" 1 ACIERTO
Demián Bichir, "A better life"" 2
George Clooney, "The descendants" 3
Brad Pitt, "Moneyball"". 4
Gary Oldman, "Tinker Tailor Soldier Spy" 5
Mejor Actriz
Meryl Streep, "The Iron Lady" 1 ACIERTO
Glenn Close, "Albert Nobbs" 2
Viola Davis, "The help" Rooney Mara, "The girl with the dragon tattoo" 3
Michelle Williams, "My Week with Marilyn" (*)
Rooney Mara "The girl with the dragon tattoo" 5
Mejor Actor de reparto
Christopher Plummer, "Beginners" 1 ACIERTO
Jonah Hill, "Moneyball" 2
Max von Sydow, "Extremely Loud & Incredibly Close" (*)
Nick Nolte, "Warrior" (*)
Kenneth Branagh, "My week with Marilyn" (*)
Mejor Actriz de reparto
Octavia Spencer, "The Help" 1 ACIERTO
Jessica Chastain, "The help" 2
Melissa McCarthy, "Bridesmaids" 3
Berenice Bejo, "The artist" 4
Janet McTeer, "Albert Nobbs" 5
Director
Martin Scorsese, "Hugo" 1
Michel Hazanavicius, "The artist" 2 ACIERTO
Alexander Payne, "The descendants" 3
Woody Allen, "Midnight in Paris" 4
Terrence Malick, "The Tree of Life" 5
Película Extranjera
"A Separation", Iran 1 ACIERTO
"Footnote", Israel (*)
"In Darkness", Poland (*)
"Bullhead", Belgium (*)
"Monsieur Lazhar", Canada (*)
Adaptación de Guión
John Logan, "Hugo" 1
George Clooney, Grant Heslov and Beau Willimon, "The Ides of March" 2
Alexander Payne, Nat Faxon and Jim Rash, "The descendants" 3 GANADORA
Steven Zaillian, Aaron Sorkin and Stan Chervin, "Moneyball" 4
Bridget O"Connor and Peter Straughan, "Tinker Tailor Soldier Spy" 5
Guión Original
Woody Allen, "Midnight in Paris" 1 ACIERTO
Annie Mumolo and Kristen Wiig, "Bridesmaids" 2
Michel Hazanavicius, "The artist" 3
Asghar Farhadi, "A Separation" 4
J.C. Chandor, "Margin Call" (*)
Película Animada
"Rango"". 1 ACIERTO
"A Cat in Paris" 2
"Chico & Rita" 3
"Kung Fu Panda 2" (*)
"Puss in Boots" 5
Dirección de Arte
"Hugo" 1 ACIERTO
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 2
"The artist" 3
"War Horse" 4
"Midnight in Paris" 5
Cinematografía
"Hugo" 1 ACIERTO
"The artist" 2
"The tree of life" 3
"War horse" 4
"The girl with the dragon tattoo" 5
Mezcla de Sonido
"Transformers: Dark of the Moon" 1
"War Horse" 2
"Hugo" 3 GANADORA
"The girl with the dragon tattoo" 4
"Moneyball" 5
Edición de Sonido
"Transformers: Dark of the Moon" " 1
"Hugo" 2 GANADORA
War Horse" 3
"The girl with the dragon tattoo" 4
"Drive" 5
Partitura Original
"The artist"", Ludovic Bource 1 ACIERTO
"Hugo"", Howard Shore 2
"The adventures of Tintin", John Williams 3
"War horse", John Williams 4
"Tinker Tailor Soldier Spy", Alberto Iglesias 5
Canción Original
"Real in Rio" de "Rio", Sergio Mendes, Carlinhos Brown and Siedah Garrett. 1
"Man or Muppet" de "The Muppets", Bret McKenzie (*) GANADORA
Vestuario
"Anonymous" 1
"Hugo" 2
"W.E" 3
"Jane Eyre" (*)
"The artist" 5 GANADORA
Documental
"Hell and back again" (*)
"If a tree falls: A Story of the Earth Liberation Front" (*)
"Paradise Lost 3: Purgatory" (*)
"Pina" (*)
"Undefeated" (*) GANADORA
Documental Cortometraje
"The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement"" (*)
"God Is the Bigger Elvis" (*)
"Incident in New Baghdad" (*)
"Saving Face" (*) GANADORA
"The Tsunami and the Cherry Blossom" (*)
Edición
"Hugo" 1
"The artist" 2
"The descendants" 3
"Moneyball" 4
"The girl with the dragon tattoo" 5 GANADORA
Maquillaje
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 1
"The Iron Lady" 2 GANADORA
"Albert Nobbs" 3
Cortometraje Animado
"Dimanche/Sunday" (*)
"The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" (*) GANADOR
"La Luna" (*)
"A Morning Stroll" (*)
"Wild Life" (*)
Cortometraje Animado en vivo
"Pentecost" (*)
"Raju" (*)
"The Shore" (*) GANADOR
"Time Freak" (*)
"Tuba Atlantic" (*)
Efectos Especiales
"Real Steel" 1
"Transformers: Dark of the Moon" 2
"Rise of the Planet of the Apes" 3
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 4
"Hugo" 5 GANADOR

Fueron 12 aciertos de 24 categorías, teniendo en cuenta que en 5 de ellas el material (cortos, principalmente) no está disponible en este país (63,15%).

EL ARTISTA (THE ARTIST)

Berenice Bejo estelariza acá para su esposo el director Michel Hazanavicius. Ambos franceses, aunque ella nacida en Argentina, comparten con el protagonista Jean Dujardin la aventura de recrear una pequeña historia sobre la transición del cine mudo al sonoro en medio de la cual un actor cae en decepción, declive, depresión y derrota profesional. Al elenco lo complementan John Goodman (“Pedro Picapiedra”), James Cromwell (“Babe”) y Penélope Ann Miller (“Chaplin”), quienes luego de estas películas han sido caras muy reconocidas en una gran cantidad de filmes norteamericanos y europeos.

Solo US$18 millones de presupuesto bastaron para revivir el blanco y negro, con música incidental y bailes evocadores de la gran depresión. Todo el derecho tiene esta producción gala de retomar los inicios del cine como espectáculo, pues desde Georges Melies, pasando por los hermanos Lumiere, las productoras también francesas aún vigentes como Pathe o Gaumont, fueron los vástagos de toda una corriente cultural dominante en el género mudo que precisamente por no tener barreras idiomáticas alcanzó total éxito, expandiendo la pantalla de plata a nivel global y abriendo una mina de oro a la cual los grandes estudios norteamericanos supieron explotar de inmediato.

El cine es francés y alemán en sus comienzos como género tecnológico y artístico, las grandes empresas productoras y los mercados cinematográficos ampliados son norteamericanos. “The artist” recrea las Clara Bow y Mari Pickford, también recuerda los John Barrymore, Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino. Además de los gerentes, directores y empresarios, como Griffith o De Mille.

La historia comienza muy bien, con excelentes actuaciones de Dujardin y Bejo, que gesticulan, se mueven y transmiten a la mejor manera de la cinematografía de hace un siglo, sin requerir profundas ojeras, exagerados movimientos y constantes ayudas de silenciosos letreros. En realidad “The artist” no recrea plenamente las condiciones técnicas de la época pues siendo versión modernizada su única diferencia con la actualidad es ser no parlante.

“Tha artist” puede ser un film algo didáctico para las juventudes de hoy, pero poco aporta a la historiografía e incluso a la cinematografía. Sus nominaciones tienen fundamentalmente una raíz nostálgica y una intención mercaderista, a pesar que para recrear ese universo deben reconocerse las descollantes actuaciones y el manejo de alta calidad técnica en la producción. Es un buen producto francés anticrisis en alianza conveniente con la enorme capacidad de distribución europeo-americana de Warner, Weinstein y Entertainment.

La corta película tiende a decaer en el tercio final del filme, finalizando con mucha menor fuerza narrativa que cuando empezó. Cabe esperar que el magnífico Dujardin no le birle el galardón de la Academia como actor principal al protagonista de la sencilla historia de “The descendents” e igual no pase con el reconocimiento a mejor película.

Incendies

La cinematografía acerca del problema libanés va desde lo feminista y romántico (“Caramel”), pasando por la calustrofóbica aventura bélica (“Líbano”), expresando el dolor de la masacre en bellas imágenes animadas (“Vals con Bashir”) o presentando una buena metáfora del impacto de la guerra fratricida en ese pequeño país que es escenario de las antagonías religiosas del tercer milenio, y de siempre.

Denis Villeneuve es el director canadiense de “Incendies”, a partir de una obra teatral de Wajdi Mouawad, un escritor joven (43) de ascendencia cristiano maronita y parte de la diáspora que del Líbano llevó a Canadá a una generación impactada en sus raíces por una guerra civil inexplicable en su origen e inexplicada en su impacto generacional, hasta “Incendies”. Compitió el año pasado en los oscares como Mejor película extranjera 2011 con “Biutiful” (México), “Canino” (Grecia), “En un mundo mejor” (Dinamarca), “Incendies” (Canadá) y “Hors-la-loi” (“Outside the law” de Argelia), todas ellas alrededor de las problemáticas humanas de las rencillas de etnia, cultura o creencia que se pueden observar en una sociedad de contrastes y significados globales. Ganó la primera, nunca la mejor lograda de todas, demostrando el sesgo occidentalista de un premio de marketing, que debió ir hacia el film dinamarqués por su mayor universalidad.

“Incendies” es una ficción dramática que resulta en una didáctica excelente de lo fratricida en un país donde cristianos y musulmanes, de fuerte ascendencia cultural francesa desde que fue protectorado hasta el final de la segunda guerra mundial, se disputan nacionalismos propios de cada uno de sus dioses. Uno de los innumerables conflictos internos que caracterizan el mundo contemporáneo, que desplegó sus imágenes a través de redes mediáticas sin comprensión plena por parte de las masas ociosas de las grandes ciudades. Durante su guerra civil (1975-1990) y luego con el enfrentamiento de Hezbollah y el entrometido Israel en el 2006, la cercanía de la Palestina convirtió al Líbano en campo de batalla de conflictos cercanos y territorio de ocupación hasta hace un lustro.

Es la metáfora alrededor de un testamento lo que permite que el guión describa cómo la activista estudiante católica, convertida en magnicida del líder musulmán de su localidad, cumpla 15 años de cárcel durante los cuales pare en prisión un hombre y luego dos gemelos, como resultado de reiteradas violaciones de su verdugo. “La mujer que canta” es el mote que la identifica por su reticencia a no doblegarse. Querrá como su voluntad final que el gemelo varón encuentre a su hermano desconocido. El hijo convertido en hábil “sniper” cristiano cambiará hasta convertirse en “torturer” musulmán dentro de la prisión donde se encuentra su propia madre, sin saberlo, hasta que se entere bajo su identidad de refugiado en Norteamérica. Esta es la metáfora central alrededor de los incendios de Beirut y otras pequeñas poblaciones, de los rescoldos que se propagan por generaciones, de las quemas de lazos familiares, de la quiebra incendiaria de proyectos nacionalistas de una población dividida por mitades para el Alá islamista y el Dios cristiano, que no pudo siquiera hacer catarsis en una división territorial. De esta manera, “Incendies” va desde el cierre de la universidad hasta la migración a Norteamérica, convirtiéndose en un documento ficticio que enseña, como en Colombia, por qué la búsqueda de la verdad de los sufrimientos individuales es parte necesaria de la sanación de los conflictos colectivos.

LA CARA OCULTA (BUNKER)

Andi Baiz (caleño de 36) tiene experiencia en nueve cortos (los cuales suman todos unos 55 minutos), dos mediometrajes (ambos totalizan 70 minutos) y dos largos (“Satanás”, “La cara oculta”).

Baiz orienta a un grupo de actores noveles. Quim Gutiérrez es catalán con experiencia televisiva y una carga actoral típica de su tierra nativa. Clara Lago es madrileña con similar experiencia, pero con más soltura actoral. Martina García, la colombiana, también de origen televisivo y con media docena de largometrajes, aporta su cuerpo, como es usual, y la capacidad de reflejar emociones sin sobregesticular su rostro de niña.

La música es de Federico Jusid, un argentino con la suficiente experiencia para crear una elegante estela de sonidos alrededor del desarrollo de este thriller. La productora musical es Anelle Onyeekwere, que apoyó en esta área a la laureada “El secreto de sus ojos”.

No obstante, es la Orquesta Filarmónica de Bogotá la que aporta unos apartes de Rachmaninoff y Tchaicovsky que embellecen el trasfondo vital del personaje masculino central, que hace el rol de un director español visitante en Colombia.

Adrián (Joaquim Gutiérrez Ylla), es el maestro director de orquesta y su novia Belén (Clara Lago). Están enamorados, pero una broma de Belén genera la seria situación en que se entretejen posibles celos y desapariciones. La camarera Fabiana (Martina García) aparece en la vida de Adrián. Un detective amigo de Fabiana (Juan Alfonso Baptista, el “Gato”) sospecha de Adrián y previene a esta de su reciente novio. La trama se enreda un tanto y termina con una buena justificación de lo que fue el hilo conductor.

¿Qué hay en esta película simple? Una actuación muy pobre de Quim Gutiérrez. Nada convincente con la batuta en el elegante teatro (Jorge Eliécer Gaitán), no estuvo a la altura de las lindas chicas, ni intentó superar con una buena dicción el regular sonido del filme.

Es una película de escenografía elegante, con el elevado hálito social que provee una orquesta sinfónica y los interiores de una gran casa de ensueño. Todo en un alto status que más que justificado por el entorno social del personaje, es resultado formulado del “feng shui” que se requería para contar con un buen tráiler de promoción de una película simplemente televisiva, como su elenco.

El avance de la imagen cinematográfica...

Hace 90-100 años del 3D bicromático en el cine. Pero solo 59 años de una producción comercial con "La casa de cera" en tercera dimensión. 85 años de la primera película sonora "El cantante de Jazz", 70 años de la magistral "Casablanca" en blanco y negro. Aunque hubo tricromáticas y similares hace 103 años, puede reconocerse como la primera película en tecnicolor a "Lo que el viento se llevó" de hace 73 años. Todo a propósito de "El artista"....

De Charles Dickens

En el bicentenario de este prolífico escritor de novela histórica, puede recordarse que a pesar de haberse filmado más de una veintena de películas basadas en sus personajes, sólo a partir los años setentas se encuentran filmes más fidedignos a sus libros y con un lenguaje cinematográfico "soportable" frente a los ritmos y exigencias actuales de la imagen. De estos se pueden recomendar, en desorden cronológico: “Oliver Twist” de Roman Polansky (Ben Kinsley, Barney Clark), “Oliver” de Carol Reed (Oliver Reed,Mark Lester), “A christmas carol” de Robert Zemeckis (Jim Carrey y Gary Oldman), “David Copperfield” de Simon Curtis (un producto originalmente para TV, con Daniel Radcliffe y Maggie Smith) e “Historia de dos ciudades” de Ralph Thomas (Dirk Bogarde, Ian Bannen, Christopher Lee, entre los recordables), películas que se consiguen en la red y en ventas de cine "arte".

LA PIEL QUE HABITO (THE SKIN I LIVE IN)

Todo lo de Almodóvar debe verse, sin prejuicios. En este caso los pseudointelectos del análisis cinematográfico clasifican a “La piel que habito” dentro de una etapa “noir” de don Pedro, el director de “Todo sobre mi madre” y “Hable con ella”, filmes estos que corresponderían a su etapa “autobiográfica”. Pero, ¿Qué habría de particular ahora en la etapa negra de uno de los más populares directores españoles de la contemporaneidad?

El cine de Pedro Almodóvar es calificado de naturalista, surrealista y melodramático. Es decir, muestra la problemática social vigente, agrega visos irreales a su puesta en escena y es tragicómico. Su hermano Agustín y la empresa productora de ambos, “El deseo”, han puesto su impronta en la guionística mundial, elevando la identidad española posfranquista a un nivel universal y compitiendo en los ambientes de hollywoods, boliwoods y europeuds (UE), donde no han podido negar su acercamiento a las masas en taquilla.

Entonces, “La piel…” aparece como el vigesimoprimer filme del director de 63 años en su 34 años de cinegrafía y dentro de una etapa de cine negro que significaría Misterio, Miedo y Muerte Mezcladas de la Misma Manera. Lo cierto es que productos como “Matador”, “Mujeres…”, “.. mi Madre” o “La Mala..”, perteneciendo a diferentes momentos y etapas, 1985, 1988, 1999 y 2004, por ejemplo, han mantenido la continuidad del buen Almodóvar, permitiendo dudar de grandes diferencias o escalones de madurez en una obra que si cabe en el mote de “cine de autor”. Los intensos rojos y los brillantes amarillos de sus escenografías, las españolísimas actuaciones de gritería, las alocadas persecuciones de extraviados personajes, el persistente mundo homosexual, las desfachatadas mujeres, las sexifeas, los cuerpos descarados, los creativos e inocuos asesinatos, las melifluas escenas dramáticas ante las que nadie sabe si reir o llorar, son ya clásicas. Por otra parte, las simetrías de sus enfoques de cámara, la poca simpatía con los clarooscuros, la prevalencia de interiores, la minimalía de recursos, le han permitido reducir esfuerzos de producción y generar efectos de impacto a la fábrica de sueños de “El deseo”.

Pero, hay que referirse a las dos grandes características de “La piel que habito”. Una su argumento y otra la vuelta de Antonio Banderas. Del argumento cabe decir que Almodóvar, más exactamente su hermano Agustín, se han preocupado siempre por temas del “destape” español como la promiscuidad, los amantes y la infidelidad, el sexo rampante, la homosexualidad revelada, los trasfondos de droga, prostitución y delincuencia de bajos fondos, las psicologías aberradas, el erotismo de las clases bajas y medias, las añoranzas de los que se han ido, las venganzas. De la vuelta de Banderas, debe recordarse que en la década de los ochentas fue el chico Almodóvar de cinco de sus películas, para regresar dos décadas después con un problema de compaginación con el director de la que fue su primera película en 1982 (“Laberinto de pasiones”).

La parte argumental es ciencia ficción sobre el potencial injerto total de una piel sintética a un ser humano y sin rechazo fracasante, condimentada con la venganza del cirujano plástico (Banderas) hacia el violador de su hija. A partir de su secuestro comete lo que es un delito de transexualización quirúrgica sobre este, cambiando también su psiquis. El médico Robert Ledgard, le (o la) convierte en su amante reclusa, desencadenando una serie de situaciones que pueden dejar al descubierto su falta de ética profesional y los delitos cometidos, en medio de payasas escenas y misteriosos indicios tontos que llevan al espectador a descubrir el hilo de la historia. Lo peor es ver a un Banderas que ha pasado dos décadas en medio de productores de primera línea convertido en un buen títere de directores, pues ha sido simplemente un reiterativo actor sin histrionía interesante inmerso en proyectos de medio y alto presupuesto, ahora nuevamente orientado por un Almodóvar que lo dejó hacer confiado en su experiencia. Banderas ya no es el muchachito malagueño relativo actor natural, sino un avezado trabajador hollywoodense que intenta actuar por su cuenta sin aportar lo que el director pensó que podría.

Deprimente actuación de Antonio Banderas en medio de otras sobreactuaciones del elenco y de situaciones algo rebuscadas. Más que interesante, esta película solo llama la atención de los “almodovaristas” y los “banderistas”, para llevarlos a lo que debería ser reconocer, por lo menos, que la dupla Almodóvar-Banderas no funciona y va en detrimento del buen talento del primero y aún más del mecanicismo profesional del segundo. Debe decirse que las nominaciones de este filme se deben al historial de su director y al cartel de su actor, no a verdaderos méritos que habrán solo de "reconocerse" en los vernáculos Goya y jugando de local.

INMORTALES (IMMORTALS)

Un filme de productores sin los méritos de que alardean. Cambiar los “plateados” y el sepia de “300” por los “dorados” y la mayor brillantez de “Immortals”, sustituir el minimalismo realista con técnica “croma” y la pantalla azul en solo un amplio set de la primera por una grandilocuencia de escenarios “massive” generados en computador en la segunda, son trucos de producción que no bastan para que Tarsem Sinhg, un director indio, tome los recursos de estos productores e intente reproducir con éxito lo verdaderamente innovador de Zack Snyder en la primera.

“300” tiene un “storyboard” original bien trasladado a la pantalla. “Immortals” busca apoyarse en su impacto taquillero para engañar al público que no vió la primera, única condición que podría servir para aceptar lo que la segunda ofrece.

Es una lástima que la mítica de Teseo contra el Minotauro llegue tan mal tratada con el disfraz 3D, los efectos pictóricos renacentistas y la tonta imitación del claroscuro de Caravaggio, para vender boletas entre adolescentes confundidos por el slogan de los “productores de 300”.

Otro error es mezclar la participación del “bodrio” de Henry Cavill como Tesseo, con la participación de este en el próximo “Superman: man of Steel”, esta sí dirigida por Zack Snyder, a quien se le debe desear que le vaya bien a pesar del “paquetazo adonis” que en esencia ha sido dicho actor en 14 películas (remember Randy en “Whatever Works” de Woody Allen).

Hasta ahora el grupo de productores de “300” recogió a través del mundo unos US$450 millones. “Immortales va en US$250 millones, aproximadamente. Ambas con el mismo presupuesto (US$70 millones de 2006 y 2011), pero no con las mismas virtudes.

GOLDEN GLOBE AWARDS 2012

La lógica ha vencido en los Golden Globe del 2012. George Clooney, quien por su éxito característico en Italia fue llamado por Ricky Gervais como “Georgio”, vivió una buena noche con los premios a la Mejor Película Dramática "The Descendants", a Mejor Actor en Película Dramática y su nominación como mejor director de “The Ides of March” (o “La marca del poder”).

Como Mejor Director, Martin Scorsese por "Hugo" y como Mejor Guión el de "Midnight in Paris" de Woody Allen, son obvios, y merecidos, por ser su especialidad. Woody es guionista antes que director o actor, lo cual ha marcado su historial en el cine.

Meryl Streep, Michelle Monahan, Octavia Spencer y Christopher Plummer no tenían competencia fuerte en sus premios como actuación principal y de reparto. El premio a película Extranjera obtenido por "A Separation" habría de permitir expresar a su director que Irán “es un país de paz”, frase que es de beneplácito en el mundo.

"The Adventures of Tintin" fue la segura ganadora pero no su hermana menor “The war Horse”, llevadas ambas por Spielberg. En Canción Original muy bien Madonna, Julie Frost y Jimmy Harry.

A pesar que la mayor parte de la TV gringa no se conoce en Colombia, aunque el cable permite conocer algunas de sus mejores muestras, se ha demostrado que es el beneficioso refugio de estrellas de la pantalla grande. Los ejemplos son muchos y no amerita rememorarlos, pues es sabido que el mercado de la buena TV interna en USA genera mejores réditos que una película promedio dando vueltas por el mundo. Los Globos del 2012 permitieron comprobarlo y recordar a algunas de las grandes del cine, como Claire Danes ("Homeland"), Laura Dern ("Enlightened"), Jessica Lange ("American Horror Story") o Kate Winslet ("Mildred Pierce") y al regular actor del cine de acción Idris Elba (“Luther”), premiados por sus trabajos de TV.

“The artist” fue premiada por mejor comedia o musical y su actor Jean Dujardin mejor actor en esta tipo de género cinematográfico, además de su banda sonora, parece paradógico por ser muda, de Ludovic Bource (llama la atención el pírrico presupuesto de US$12 millones para un producto de gran calidad). Músico, actor y director de este film han realizado también una versión actual (que ojalá llegue al país) del ciertamente olvidado competidor francés de los agentes secretos de la época que va de 1963 a 1970 en el cine. El agente OSS117 emulaba con James Bond, Mr. Solo o Flint y renacerá con varias personas del cast y el crew que participaron en “The artist”.

Nota: de las nominadas y algunas prmiadas, “La marca del poder”, “Criadas y señoras” (“The help”), “La boda de mi mejor amiga” (“Bridesmaids”), “El juego de la fortuna” (Moneyball”), “Beginners”, “Midnight in Paris” han sido vistas en Colombia y son películas imperdibles.