EL IMAGINARIO DEL DR. PARNASSUS

Terry Vance Gilliam tiene ya 70 años. Siempre se le recordará por “Monty Python and the Holy Grail” de 1975, con un grupo de comediantes llamado Monty Python, un circo ambulante de los años setenta. Hacía codirección con Terry Jones. Otras destacadas películas de Gilliam son “Brazil” de 1985 (Robert de Niro, Bo Hoskins, Ian Holm), “Las aventuras del Barón Munchausen” de 1989 (Robin Williams, Uma Thurman), “El pescador de ilusiones” de 1991 (Robin Williams, Oliver Reed, Uma Thurman)), “Doce monos” de 1995 (Brad Pitt, Bruce Willis). “Miedo y asco en las Vegas” de 1998 (Johnny Depp, Benicio del Toro), “Los hermanos Grimm” de 2005 (Heath Ledger, Matt Damon, Mónica Belluci, Jonathan Pryce), entre otras.

En este filme, durante el cual fallece Heath Ledger, la dedicatoria es de sus amigos. La terminan Jonnny Depp, Juede Law y Colin Farrel. Actúan el experimentado Christopher Plummer como Parnassus. Hace la parte protagónica Lyli Cole, una conejita playboy, conocida únicamente por su portada desnuda.

Ledger mostró calidades histriónicas con el Joker de Batman, premiado. No era sobreactuado, lo cual si sucede con sus amigos Depp, Law y Farrel. Todos hacen mohines faciales copiados del Jack Sparrow, pirata adolescente del “Caribe”, de confusa virilidad, si se permite decirlo, aunque exitosos en pantalla.

“Parnassus” vuelve al estilo de Monthy Python, Munchausen y Grimm. Un alocado camino de desventuras, una estética de pleno surrealismo, un énfasis en la iconografía británica, multitud de intertextos provenientes de la literatura clásica infantil ambientada en Londres. El viejo circo de carpa, ampliado con los efectos audiovisuales que provee el cine.

UP IN THE AIR (AMOR SIN ESCALAS)

¿Porqué es candidata al Oscar a mejor película? ¿y cinco nominaciones más? La novela de Walter Kirn es dirigida en el cine por Jason Reitman, un actor de cuatro películas que ahora ha dirigido tres posteriormente, con una de las cuales, “Juno”, llamó la atención de toda la industria en el 2007.

“Up in the air” ganó un Globo de Oro por el guión escrito por su mismo director. Lo demás son solo multitud de nominaciones. Para buena parte del público será una película más. George Clooney, uno de los actores de moda, jala la taquilla. Vera Farmiga y Anna Kendrick secundan de manera equilibrada, siendo quizá temprano para que conviertan sus nominaciones en premios. Melanie Lynskey (la enamorada Rose en Two and a half men) hace una aparición como la hermana que se casa.

Bajtin, Barthes, Eco, Martin-Barbero, Metz, Saussure, Baudrillard, Kristeva, Lévi-Straus, Jakobson, Lacan, Derrida y otros tantos, han aportado a la lectura de signos, significantes y semiótica cultural en la comunicación. El cine es comunicación con base en simbolismos y puede leerse en su semiótica social. Quizá sea exagerado acudir a los elementos teóricos para acometer la rememoración de una película. Pero, lo que hay detrás de esta película plana de buena realización, sin sobresaltos, es la intención del libro y del guión.

Se dice del libro que, luego del 11 de septiembre de 2001 dejó de venderse debido a que su carátula mostraba ejecutivos, como aviones, y algunas llamas. Signos que generaron rechazo comunicacional.

En cuanto al filme, lo simbólico va del aire a la tierra. Se capitula entre ciudades vistas a vuelo de avión y se aterriza a diario. Ryan Bingham (Clooney) alcanza 10.000.000 de millas en su historial viajero y es el pasajero que gana la tarjeta metálica No. 7 con este récord. Alex Goran (Farmiga) es igual a él. Utilizan un lenguaje plagado de tarjetas de crédito, aerolíneas, aeropuertos, hoteles y puntos acumulados. Natalia Keener (Kendrick) es experta en eficiencia, psicóloga, novata y acompaña a Ryan para aprender.

¿Qué hay detrás de la historia? Una metáfora de la crisis del capitalismo estadounidense. El libro hacía referencia a la pérdida de puestos de trabajo de la crisis de 1997-1999. Recupera vigencia en el guión de “Up in the air” de 2009, luego de que en los Estados Unidos, se perdieron 5,4 millones de empleos entre julio de 2008 y febrero de 2009, cuando la tasa de desempleo se elevó al 8,5% de la fuerza de trabajo en marzo de 2009, pero superó el 14% teniendo en cuenta las personas que trabajan a tiempo parcial involuntariamente (part time).

De manera simultánea fueron la industria automotriz, las aerolíneas y el turismo algunos de los primeros afectados por el reflujo del sector financiero e hipotecario. Por eso las millas acumuladas, los aviones, los despidos, la mirada hacia la familia y el incierto futuro son los símbolos acordes con el tema.

En “Amor sin escalas”, se pasa por la escasez de automóviles último modelo para la renta, los preferidos por Ryan. Se observa el cuestionamiento que las más grandes aerolíneas del mundo, centradas en Estados Unidos, hicieron a sus planes de fidelización y acumulación de millas. Pero, fundamentalmente, las funciones de Ryan como experto en “despidos laborales”, muestra algo que suena a fabulación pero se dio en la realidad de los países desarrollados. Las más grandes empresas nacionales y multinacionales establecieron en sus divisiones de Recurso Humano la sección de despidos: estrategias, procedimientos, análisis organizacional y psicotécnico para asumir los impactos individuales del desempleo imprevisto. Ryan vuela de ciudad en ciudad para, como especialista, despedir los empleados de cada oficina de una gran Corporación. Observa las sorpresas, las exclamaciones, las reclamaciones. Escucha sin corazón los referentes a las familias, al futuro incierto, a la pobreza que se sobreviene. Observa las lágrimas.

Todo ello genera en él mismo un cuestionamiento a su propia soledad de pasajero crónico, de hermano alejado, de habitante solitario de un apartamento que visita muy poco.

Es cierto todo lo que se ve en “Up in the air”. La práctica hace maestros. La destreza hace imperceptible el arte. Por eso, el director, pocas películas en su haber maneja, sin embargo, guión y película con acento maquinal y certero. He ahí el porqué el público tendría derecho a preguntarse qué filme vio en el teatro y porqué está nominado entre los diez del Oscar del 7 de marzo de 2009.

PRECIOUS

Vive en un ghetto de Harlem, con su madre maltratante. Ha sido violada en su hogar por su propio padre desde los tres años, tuvo una hija de éste con síndrome de Down a los doce y espera la segunda luego de enterarse que ha sido infectada de VIH también por su progenitor. La madre de Precious ha sentido celos de su hija, la golpea, física y emocionalmente. La relación entre las dos es llena de improperios y vulgaridades. Igual que el mundo afuera.

Es enorme, gorda, negra, “fea”, no escribe, dice gustar de las matemáticas, es rechazada por todos. Tiene solo 16 años y, para colmo se llama Clareece Precious, como otro sarcasmo, más en su vida. Precious entiende de manera mediana el mundo a su alrededor, ensueña. Sueña con verse en escenarios, admirada, sonreída, amada. Cuando se mira al espejo ve una linda adolescente rubia y coqueta.

“Precious” compite por el Oscar 2010, en la primera oportunidad en que la Academia ha decidido enfrentar en competencia diez filmes por la distinción a mejor película: “Avatar”, “District 9″, “The blind side”, “An education”, “The hurt locker”, “Inglorious basterds”, “A serious man”, “Up in the air”, “Up”. La votación será un indicador de la inclinación por la vanguardia tecnológica de la industria, los mensajes de superación personal, las guerras nuevas y antiguas, las sátiras sociales y el producto animado. Será la primera vez que los jurados ordenarán del 1 al 10 sus preferencias. Lástima que por norma las cifras de votación nunca se revelen al público, aunque no se sabe aún si esto cambie.

La película está también nominada para obtener la estatuilla de actriz principal (Gabourey Sidibe), actriz secundaria (Mo´nique), guión adaptado (Geoffrey S. Fletcher) y montaje (Joe Klotz).

El libro base es “Push” de Saphire, editorial Anagrama, 1998, con 184 páginas de escritura “rap”, entrecortado. Una denuncia autobiográfica de la cual dice la crítica que “su lenguage avanza en la medida que Precious avanza en su conquista”, característica que conserva el guión.

Dirigida por Lee Daniels (Monster´s Ball –Halle Berry, gana su Oscar-, Tennesee con Mariah Carey), denominado por lo periodistas “el director negro de la era Obama”.

La película es coestelarizada por Mo´nique, una presentadora de TV gringa (con esta película lleva ganados los premios Bafta, Globo de Oro y Sindicato de Actores) y tiene entre su producción ejecutiva a Oprah Winfrey, también reconocida presentadora de color. Participan famosos como Lenny Kravitz, el rockero sexy, y Mariah Carey, la cantante que va en camino de buena actriz.

Llama la atención algún comentario crítico acerca de que en “Push” se “confunde la denuncia con el arte literario”. ¿Pensarán de igual forma los jurados de la Academia sobre “Precious” en el arte cinematográfico?

Como producto tiene mucho aprendido del danés Dogma 95, más drama que producción. A su favor, la estela de personalidades negras que respaldan este, hay que reconocerlo, poco taquillero pero interesante filme.

EL CINETRÁFICO

Los costos

La industria fílmica mundial debe ser un sector organizado, profesional y experto. Genera tecnología de punta, entretiene, enseña, permite soñar, añorar y debe elevar un tanto los niveles del intelecto poblacional.

En dicha industria cinematográfica hay enormes capitales involucrados en producción, distribución y ofertas derivadas. Su producción ha reducido costos con base en tecnología digital, cámaras poderosas de bajo costo, alta definición, software de edición, ingeniería de sonido fácil.

A ello se agrega una reducción de costos en publicidad, con base en portales web con links, accesos a fotografías, artículos de interés, farándula, promoción de DVDs. Sumado ello, a la gratuidad que aporta la academia. Sus festivales, sus nominaciones fáciles, sus publicitados premios, sus alfombras rojas, promocionan las películas sin que los productores tengan que aumentar los presupuestos estimados.

Los grandes estudios construidos para el efecto han sido reemplazados por laboratorios digitales, un paquete de computadores de alta potencia, software sofisticado, fondos azules y actores hablando frente a ellos, con su propia imaginación, para luego agregar efectos especiales.

La competencia desleal

En este reciente universo fílmico surgen los oportunistas. Egresados, con o sin talento, de las nuevas facultades de “garaje” que en todo país se encuentran, desempleados de la industria seria, manipuladores de las reglas del mercado, explotadores del amplio mundo de salas de teatro y de sus distribuidores sorprendidos por la falta de asistencia del público.

Aparecen las “pirámides” fílmicas. Aporta tu la dirección, aporta producción, aportemos un poco dinero, contemos con tu reconocido nombre y recojamos frutos sin esfuerzo alguno. Todos participan, todos ganan, el público desprevenido pierde.

Pululan las nominaciones engañosas. Para una película común se mezclan ingredientes políticos altisonantes, se busca apoyo en algún libro medianamente escrito, se produce en un país con bajos costos y se promueve su nominación. La sola mención de este “reconocimiento” en un poster, jala al público, el cual desperdicia su tiempo. Se generan abstrusos debates intelectuales y se estafa al asistente a los teatros.

Los carteles del cinetráfico

Al igual que en las actividades ilícitas, surgen pequeños carteles, con una ruta, o capos temporales, con un gran “envío”. Surge un director “genio”, joven, desconocido, un pequeño apoyo financiero, un grupo de amigos dispuestos a divertirse jugando al gran cine, un lobbying para llegar a alguno o varios festivales. Todos dispuestos a hace recorrido internacional apoyados en un financiamiento externo, que proviene de las invitaciones festivaleras, y otro financiamiento interno, que proviene del paseo por la taquilla local de cada país y del escamoteo de unos dólares en el interminable recorrer con un producto mediocre bajo el brazo. A medida que se va haciendo camino resulta más sencillo adentrarse al siguiente festival o al siguiente mercado incauto.

Primera entrega: algunos ejemplos

Título: SÓLO PARA PAREJAS

Kristin Davis (Sex and the city), Vince Vaughn (Viviendo con mi ex –Jennifer Aniston-) Jason Bateman (Los secretos del poder), Jon Favreau (en la vida real director de cine, sinvergüenza, y actor), Ken Jeong (asiático poco conocido), John Michael Higgins ( La fea verdad), Jean Reno (Código da Vinci, Los ríos púrpuras), Carlos Ponce (transformado en acuerpado galán de segunda, ya con 24 películas medicocres), Kristen Bell (Gossip girl y Heroes, en TV), Malin Akerman (The watchman, 27 dresess).

Se reúnen unas caras conocidas, aportan sus dineros (producción y otras tareas son de la familia Vaughn, exesposo de Jennifer Aniston). Se programan un real “paseo” en grupo, lo filman con la experticia de unos subcontratados y le “meten la mano al bolsillo” a quien desea pasar una tarde plácida de domingo.

Título: EL LIBRO DE ELI

Denzel Washington (dos oscares, American Gangster, Día de entrenamiento …), Gary Oldman (Harry Potter, Batman, El Quinto elemento, Drácula, Asesino perfecto), Mila Kunis (Baywatch, en TV), Jennifer Beals (Flashdance; Law and Order, L world –TV-), Malcolm MacDovell (La naranja mecánica, Calígula, 135 películas más ¡!!)

La misma fórmula anterior. No hay respaldo de la industria seria y competitiva. Son un grupo de intencionados en desempleo. Se agrega fotografía oscura para ocultar todos los defectos visuales, se utilizan chatarras, locales de reciclaje, sitios despoblados. Se combina con invencible “héroe”, se adoba con expertos actores de renombre. Ellos ganan, el público pierde.

Título: PARANORMAL ACTIVITY

“Una de las más miedosas películas jamás vistas”, “…de todos los tiempos”, “genuinamente horripilante”. Se llegó a publicar en posters de teatros que Steven Spielberg la había calificado como “inteligente”.

Toda una mentira publicitaria. Un grupúsculo de personas adquiere dos cámaras, una de mano y otra al hombro. Se alquila un apartamento, se filma durante dos semanas a dos histriónicos personajes, se edita mediocremente. Se publicita engañosamente y se juega con el público. Ni los niños, ni los adolescentes, se atemorizan. Ríen, esperan al final y se dejan asustar por una sorpresa desprevenida en la última escena absurda en la que botan contra el lente un fardo que simula un cuerpo y la protagonista mira a la cámara con los ojos ensombrecidos de maquillaje oscuro.

Corolario:

Es realmente difícil para el común de quienes asisten al cine hacer distinciones de calidad. Mucho menos, anticipar sus criterios sin haber probado el producto que le ofrecen. La responsabilidad es de los distribuidores que adquiriendo cintas (discos, actualmente) baratas, obtienen mejores márgenes con la escasa asistencia. Es de acotar que siempre se han visto malas películas, cuya valoración dependía mucho más de gustos, niveles de cultura o desconocimiento de la estética y el lenguaje audiovisual.

Lo de ahora es competencia desleal en la cadena productiva del arte fílmico. Es un comercio de películas cada vez más mediocres en el nuevo fenómeno del cinetráfico.

Sorbos para una sola pastilla

Descaro de Superintendencia

¿Que Saludcoop restituirá $627 mil millones y desmontará las operaciones de préstamos, donaciones e inversiones realizados con recursos provenientes de las contribuciones parafiscales? Y en 8 meses, a razón de US$2 millones por día laboral.

Repitamos: ¡! $2.000.000 de dólares por día !!! es una sanción sensacionalista que no se alcanzará a cumplir, nunca, simplemente.

Descaro de MInisterio

¿Una EPS con más de seis millones de usuarios adquiriendo activos e infraestructura en operaciones diferentes a su razón social desde hace seis años ante la displicencia de la Superintendencia Nacional de Salud?
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¿Qué las normas reglamentarias pueden resarcir los errores de los decretos 131 y demás como reforma a la salud?

¿Qué un Presidente y un Ministro aseguren que se puede reglamentar en contra de un decreto ya firmado?

Qué descaro ante el país ¡! Es un error que no cometen ni los estudiantes de primer año de derecho ¡!.

Descaro de Presidente

¿Que un Presidente desafíe “para que se enfrente como varón” a otro presidente de un país vecino? (así sea Chávez) ¡! Qué falta de estatura de estadista ¡!

Descaro de gobierno

El relativo éxito de una sola política, como la de Seguridad Democrática, y los sensacionalistas y muy desordenados Consejos Comunitarios, lo único visible de un tal Estado Comunitario, no justifican que una personalidad, así sea atrayente y eficiente, cimente el populismo en pleno siglo XXI, llenando de promesas vanas a un país y que se base “descaradamente” en la injusta ignorancia y pobreza de la mayor parte de los ciudadanos.

EL VENGADOR

Se enfrentan Jamie Foxx (Oscar por “Ray”, The Kindom, The soloist…) y Gerard Butler (The phantom of the Opera, 300, Tomb raider…). F. Gary Gray (The italian job, Be cool), dirige al más tradicional estilo del Hollywood actual lleno de figuras carismáticas, sonidos estridentes, apoyos electrónicos, medium shots, travellings aéreos de persecución, colores simbólicos en tono azul oscuro y montaje expresivo. Para ello se requiere el guión a cuatro manos y la combinación de maquinaria tipo Saw (la saga de Jigsaw) hasta secuencias de submisterios tipo Se7en (escrito así).

“Law abiding citizen”, su título original, hace referencia al ciudadano respetuoso de la ley que representa Butler quien, impulsado a la venganza por la muerte de su esposa e hija, arremete contra el sistema judicial intentando probar que siguiendo sus normas y procedimientos no se hace justicia real (el lema de “justice at any cost”).

Desde la cárcel, por haber matado al principal asesino de su familia, comienza una delirante serie psicopática de muerte a remoto, diseño de tecnología planeada para burlar la ley, argumentos que enredan a los jueces y misterios que justifican explosiones, atentados y cerco generalizado a toda una ciudad. El fiscal, Foxx, animado por su ranking en casos ganados, pasó por alto y negoció algo que le costaría mucho trabajo una década después.

Esta trama lleva mucho público a la taquilla, a pesar que cuesta reconocer que toda esta inteligencia de la industria cinematográfica de punta decline siempre en productos dirigidos a esos dos tercios que representa el segmento adolescente del mercado mundial que busca dos horas de esparcimiento basadas solo en “letal weapons and serial crimes”.

LA CINTA BLANCA

Es una película de Michel Haneke, que ha ganado el Globo de Oro a mejor película en habla no inglesa, Palma de Oro a mejor película en Festival de Cannes, tres Premios del Cine Europeo y San Sebastián. Se encuentra como candidata al Oscar, también a mejor película en habla no inglesa.

El director, austriaco, tiene a su haber filmes reconocidos, como la historia de dos jóvenes sociópatas en Funny Games (versiones alemana en 2000 e inglesa en 2008) y La Pianista (profesora de música, histérica, enamorada de joven alumno, represión sexual resuelta en tragedia), entre una media docena de sus filmes.

En “la cinta blanca”, sus tonos grises, negros y blancos ambientan el año de 1913 dentro de una pequeña comunidad protestante alemana, donde sus principales personajes, el Barón, el Pastor protestante, la esposa del Pastor, el profesor del colegio, la baronesa, el administrador, el médico, la comadrona, los granjeros, los niños y niñas, Eva y el profesor en casa, dejan entrever comportamientos individuales, normas familiares, desgracias concatenadas y aparentemente desconectadas entre sí, que desean representar el microcosmos pre-nazi.

Este cuadro autocrítico daría indicios de la génesis de conductas nacionales que llevarían a una hipótesis sociológica y explicatoria de la entrada a la primera guerra mundial en 1914. E, incluso, de la sociopatía nacionalista llevada a las alturas del Estado totalitario del tercer Reich a partir de 1933.

Al observar los efectos que en esa pequeña villa tienen la prevalencia de principios morales ultraconservadores, derivados del puritanismo protestante, llevados a autoritarismo intrafamiliar, sumisión entre clases sociales y entre padres e hijos, en forma de agresiones cuyos autores quedarán anónimos, se tejerá una historia de la represión y la venganza humanas. Un cable tendido para zancadillear el caballo del médico, niños salvajemente golpeados en aparente venganza, niño con retardo torturado, incendio de un granero, daño de un cultivo completo, hacen surgir los miedos que nadie explica.

El maestro del pueblo, cuya voz en “off” describe en feedback los sucesos, va descubriendo comportamientos extraños en sus alumnos. La educación en la reverencia y la obediencia ciega, el sometimiento a castigo físico y humillación pública por leves faltas, son visibles a la comunidad. La falta del más leve gesto de ternura, el rechazo asqueado al sexo marital, los abusos del médico a su hija, los castigos oscuros de rechazo a la masturbación adolescente, solo son conocidos por sus protagonistas.

Sin temor a cometer un indeseado anticipo, será tácita la culpabilidad de los niños del pueblo agrupados por la hija del Pastor, en la tijera clavada al pajarillo consentido de su padre, la premonición sobre la tortura del pequeño subnormal, la “violentación” por envidia a la flauta artesanal bien hecha, que van dando trazos a la posible confabulación infantil como rechazo al mundo adulto y en augurio de la reproducción de conductas violentas, autoritarias y segregacionistas que caracterizarán su generación. Ello dentro de un reiterado ciclo social de “pedagogía negra”, aquel concepto que la alemana Katharina Rutschky introdujo hace ya tres décadas para señalar comportamientos que se transmiten de generación en generación mediando, castigos, maltratos y abusos en pro de la disciplina de toda índole. Síndrome que ha llevado a explicar muchas de las sociopatías de siempre.

La Cinta Blanca, alude a aquella que se obligaba a portar a un niño como señalamiento de estar en pecado y desobediencia, que era llevada hasta que su progenitor consideraba ya contritas ”sus culpas”. Como un señalamiento políticamente correcto al oprobio histórico que fue el nazismo, bien pudiera llegar a obtener el favoritismo mayoritario de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas, pero no quizá el de la taquilla.

CORALINE

Henry Selick, de 58 años, con 5 largometrajes y 4 cortos, dirige y escribe el guión sobre la base de la novela de Neil Gaiman.

El libro cuenta con Premio Hugo a la Mejor Novela Corta, Premio Nebula a la Mejor Novela Corta y el Bram Stoker a la Mejor Obra para Jóvenes Lectores (todo ello en el 2003). Su estructura literaria recuerda a Alicia en el país de las maravillas con gato y todo.

Coraline Jones, “exploradora de 12 años”, junto a sus padres se mudan a una nueva casa “el palacio rosa”, en cuyos alrededores hay excéntricos vecinos (el señor Bobinsky, las señoritas Spink y Forcible y Wybie). Además un gato callejero negro y feo que pertenece a Wyborn (homofonía de “porquenace”), un chico extraño en bicicleta. Todo comienza al descubrir una puerta pequeña en la sala de la casa, ratones, pasadizos, un mundo paralelo, todo gracias a una muñeca de tela hecha a réplica suya con botones por ojos y con la tarea de espiarla en este mundo. Sus habitantes son más divertidos, son una réplica de los ya conocidos incluyendo a sus padres y en vez de ojos tienen botones, también.

Ese mundo falso es inventado por una bruja (con un símil de araña, todo es hilos y todo lo cose) que adopta la forma de su madre para conseguir que se quede con ella. Hay, al atravesar un espejo tres fantasmas que la bruja atrapó y para liberar esas almas, Coraline debe encontrar los ojos verdaderos de dichos niños, que también tienen botones. Al volver a casa sus padres han desaparecido, secuestrados por la bruja, y debe volver al otro mundo a jugar un "juego de encontrar cosas" con la bruja para derrotarla, volver todo a la normalidad y esconder la llave, para que no regrese la "otra madre".

Los mundos de Coraline o Coraline y la puerta secreta, es película 3D, que gusta a chicos y chicas, por su línea de dibujo y su historieta. Protagonizada en voces por Dakota Fanning (16 años y 30 películas en 10 años), esa niña precoz excelente actriz que ha acompañado a Robert de Niro, Tom Cruise, Charlize Theron, Denzel Washington y otros muchos. Recientemente apareció crecidita e irreconocible como vampira en Luna Nueva.

La voz de su madre es Teri Hatcher (la Susan de Desperate Houswives en TV; y chica Bond en Tomorrov never dies).

Con importantes similitudes al tratamiento gótico característico en un director como Tim Burton (Beetlejuice, El cadáver de la novia), Coraline compite por el Oscar de este año a mejor película de animación con “The secret of kells”, “Fantastic Mr. Fox”, “The princess and the frog” y “Up”. Se puede tener el derecho a pensar que esta última, la historia del viejito viudo que viaja sus últimos días en su casa y elevado por un enorme manojo de globos, sea la que gane.

A SERIUOS MAN

El título hace alusión al calificativo acerca de una persona respetable, con reconocidos valores morales, en el “argot” judío. La dirección, producción y guión simultáneos es de los muy reconocidos hermanos Ethan y Joel Coen, de ascendencia judía. Con “Fargo” obtuvieron Oscar por el guión, en “No country for old man” ganaron consecutivos oscares a dirección, producción y guión, “Burn after Reading” fue reconocida por el gusto del público y su sorprendente elenco. “El quinteto de la muerte (The Ladykillers) pasó inadvertida con Tom Hanks.

Compite para mejor película y mejor guión en los Oscares de este año. Quizá solo ameritaría fijarse en su buena escenografía y ambientación de los años sesentas (St. Louis Park, Minnesota).

Larry Gopnik, un profesor de matemáticas, judío vive una lucha espiritual y existencial. Integran el argumento su separación de Judith, que le ha sido infiel con su colega Sy Ableman; la convivencia con su Arthur, su enfermo y algo idiota hermano; su hijo Danny, que fuma marihuana y vive en adolescencia plena; su hija Sarah, que insiste en la idea de tener una cirugía de nariz; una vecina libertina que llama su atención y el soborno de un alumno asiático que pierde su materia.

El contexto impregnado de conceptos religiosos y morales de la etnia judía, muestra un leve humor negro con comportamientos sociales un tanto pusilánimes, un poco cercanos al ridículo, tácitamente burlones con las jerarquías y los ritos religiosos semitas y cuestiona la propia experiencia juvenil de los Coen.

“Un hombre serio” resultará aspirando marihuana, falseando notas de un alumno, asediando a una vecina descocada, sometiéndose al egótico juego de selección interna de profesores, aceptando superfluas alegrías sociales de una vida rutinaria e insulsa, revelando en clase a toda voz lo inútil de sus formulaciones matemáticas, cuestionándose por las preguntas seudofilosóficas y simplistas de sus rabinos, aceptando el soborno en dinero de un alumno, todo ello sin que sea notado en sociedad.

Quizá el mérito de “A serious man” radique en que llegue al flemático e influyente sector judío del jurado Oscar. También en ese intento de los Coen de sonreírse al recordar la mediocridad de clase alrededor de su propia religión. Nada más. Entró a concursar gracias a los anteriores méritos de los Coen y no será un éxito en los teatros.

UN PROPHÈTE

La dirección

Con la dirección de Jacques Audiard (58 años, 5 películas), guión compartido con Thomas Bidegain y Nicolas Peufaillit, fotografía de Stéphane Fontaine, con quien repite, y música del muy conocido mundialmente Alexandre Desplat (The Queen, Syriana, Casanova, Birth, The Curious Case of Benjamin Button, New Moon (Saga), la próxima “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte” Parte 1, y 64 películas más), “Un prophète” de dos horas y media de duración, acaba de ganar el Gran Premio en Cannes 2009.

Con su ópera prima “Mira cómo engordan” se llevó el premio César a la mejor película y el Premio Georges Sadoul-de 1994, con “De latir mi corazón se ha parado” obtuvo premios César y Bafta en el, 2005. Se conoce también por “Lee mis labios” (Vincent Cassel) y “Un héroe muy discreto” su segunda de 1996.

La temática

Por atreverse a irrespetar a un policía Malik El Djebena (Tahar Rahim) de 19 años cumple seis de condena sin sabe leer ni escribir. Presionado por el cabecilla de la banda dominante de racistas corsos, comete un asesinato del cual su víctima le acompañará luego en las solitarias noches convirtiéndose en consejero. El protagonista magrebí hace malabares para cumplir con las expectativas de los corsos, aprovecha sus salidas por buen comportamiento como sicario contra la mafia italiana, pero utiliza parte de su tiempo para entrar al comercio de hachis, apoyando a los musulmanes también en prisión. Se fortalece como su líder acabando con el poder de sus antiguos protectores.

Malik, aprende a leer y escribir francés y entiende italiano, por lo cual escucha, imperceptiblemente para los demás, todas las estrategias de los bandos. Su más cercano amigo árabe morirá de cáncer testicular y finalmente, ha de proteger a la esposa e hija de éste. Quien ingresó desvalido y débil, ignorante y con un billete escondido en la suela de su zapato roto, saldrá a pie, pero seguido de una comitiva de modernas camionetas que dan significado al poder del “profeta” musulmán.

La película compite con la peruana “La teta asustada”, la alemana “La cinta blanca”, la argentina “El secreto de tus ojos” y la israelí “Ajami”, por ser escogida como la mejor película extranjera (o mejor película de habla no inglesa) en la premiación Oscar del presente año.

Una valoración

Ha sido catalogada como del género del crimen mafioso y se han permitido rememorar secuelas del “Padrino”, estando muy lejana a estos niveles de calidad. Sus méritos técnicos podrían estar en la ausencia de efectos sonoros sensacionalistas y en sus actuaciones naturalistas.

Por otra parte, quizá el guión mereciera un reconocimiento por su contenido actual, sobre un sistema carcelario que más que rehabilitador, corrompe sin desprenderse de sus influyentes hilos de conexión con el exterior. Las problemáticas interraciales y de antagonismo religioso, de la inmigración legal e ilegal, del imperio del dinero y de las armas en una sociedad que es impotente e incapaz para generar promesas más concretas a una creciente población, están presentes en El Profeta, pero la película no lo revela al público.

Es un error, constantemente presente en los filmakers, que les sea tan difícil integrar la lectura contextualizante, dirigida al último de sus espectadores. El olvido de esta, que debería ser una regla para un cineísta inteligente, reduce sus mercados, minimiza las taquillas.

Quizá, para no pensar mal de los jurados, en los diferentes festivales y academias se nomine y premie productos con esta marcada debilidad. De forma que al reducir la lectura experta a un cenáculo de sabios, se desprecia siempre al público y se orienta cada filme a un “selecto” grupo de semiólogos, a un prepotente conglomerado de academicistas que habrá de denigrar, criticar de manera negativa y desfogar saberes en contra de un filme, sin dar importancia a quien paga un boleto y disfruta, o no, en una sala de cine. Es el signo del fracaso en directores que olvidan “completar” obra y en jurados que premian productos sin valor alguno, amparados en razones “politícamente correctas”, pero que no se ven en la pantalla.

Zona de miedo (The hurt locker)

Ha sido titulada de varias formas: En tierra hostil; La emboscada, pero su título hace referencia a la cajita mágica, de la que salta un payaso, que ya no lo será cuando crezca el hijo del sargento William James (Jeremy Renner, actor de comerciales, poco conocido). Será la “caja que hiere”.
Dirige Kathryn Bigelow (59 años, y 8 películas de la cual es muy recordada “Punto de quiebra” con Keanu Reeves y Patrick Swayze, hace ya dos décadas). En el elenco acompañan tres nombres destacados, Guy Pearce (Memento, Conde de Montecristo), Ralph Fiennes (El jardinero fiel, El dragón rojo) y David Morse (La roca, La milla verde -Milagros inesperados-), pero sólo lo hacen para apoyo del poster de publicidad con actuaciones de menos de tres minutos.

Valores técnicos

Los méritos de este filme radican en su objetividad temática y técnica. Surge de un escrito periodístico de Mark Boal, con base en trabajo de campo siguiendo a la unidad Bravo en sus acciones, particularmente de un Equipo de Desactivación de Explosivos EOD (Explosive Ordinance Disposal) del ejército de Estados Unidos en la guerra de Iraq y filmada en frontera con Jordania.
Multiplicidad de cámaras S16mm rodean a protagonistas, con movimientos al hombro, diferentes enfoques, diferentes estilos de edición. Este tipo de acción en que se da al espectador una sensación de inmersión total no es tan nueva. La Caída del halcón negro de Ridley Scott, ya nos la había enseñado y es un poco común dentro del mundo videoclip.

Valores políticos y cifras

¿Cuál es el valor político de esta producción y la causa de sus nominaciones? Concursa para ocho oscares, entre otros premios de la industria y con atraso comercial de un año, pues fue producida en 2007, lanzada en 2008, nominada en 2009 y premiada en 2010. Su directora, exesposa del reconocido James Cameron, con quien compite. Su temática actual orientada a mostrar lo que CNN no puede (como reza su publicidad).
Se sabe de guerra de posiciones, de guerra tecnológica, de guerra de guerrillas, rurales y urbanas según el tipo de conflicto, de guerra de bombas, en este caso (se han lanzado desde su comienzo cerca de 1.000.000 de toneladas de bombas). La forma más expedita con la que insurgentes iraquíes han podido responder al más equipado ejército del mundo ha sido, igualmente, la colocación de carrobombas, cadáveresbomba, niños y hombres bomba.

Para quienes gustan y creen en las cifras de buenas fuentes

Hasta febrero 12 de 2010 las bajas militares ha sido de 4689 soldados de Estados Unidos (4376), Gran Bretaña (179) y otros (139 de España, Italia, Australia, etc.), fundamentalmente, en 2400 días de transcurrida la invasión a Irak. Sus heridos han sido 15.955. Se enumeran 53.470 insurgentes iraquíes muertos.

En total, la guerra ha provocado 82.190 muertos hasta 2007 y 4.560 en 2008. Pero, el total según fuentes del país ha sido de 1.500.000 muertos (Irak Body Count), 4.500.000 de desplazados (luego siguen las cifras de Colombia), entre 1.000.000 y 2.000.000 de viudas, 5.000.000 de huérfanos (Naciones Unidas), según la webislam.
Aún quedan 162.000 soldados americanos, 8.000 británicos y 13.000 de otras naciones en Iraq. Cada soldado iraquí cuesta US$343 mensuales y un soldado americano invasor US$4.161. US$35.819 millones es el coste de reconstrucción del país (Banco Mundial).
Para referencia: la Guerra del Golfo, 1991, costó US$88.000 millones; la Guerra de Corea US$456.000 millones; la Guerra de Vietnam US$518.000 millones (Centro de Evaluación Estratégica y Presupuestal, CSBA en inglés).
Hasta diciembre de 2009 el costo totalizado de Irak fue de US$546.000 millones desde el 20 de marzo de 2003 (aunque durante el 2002 ya se lanzaban 10 toneladas de bombas mensualmente). El costo calculado a 2017 sería de US$3.000.000 millones (Joseph E. Stiglitz, Nobel de Economía). Esto comparativamente significa que Irak cuesta a 2010 una cifra similar al “salvataje” de la actual crisis económica en Estados Unidos (la Unión Europea ha apoyado con otro tanto). Costaría en 2017, fecha pronosticada de terminación de la guerra, tres veces el costo de la crisis conjunta actual de Estados Unidos y la Unión Europea.

Corolario

La película es una propaganda de apoyo a la valentía, innegable, de soldados norteamericanos, pero una plena minimización del conflicto. Podría tener algún apoyo con premiaciones y mostrará un cierto balance de fuerzas republicanas y demócratas al interior de la Academia de Ciencias Cinematográficas.

Violines en el cielo

Premiada como la mejor película extranjera con el Oscar de 2008, este filme trae al recuerdo a maestros como Akira Kurosawa, en los sesentas a ochentas y a Takeshi Kitano, más contemporáneo. Yôjirô Takita dirige esta película cuyo titulo en japonés es Okuribito (Los que remiten, la gente que envía), en inglés la titulan Departures (Partidas). En español debió llamarse Violoncellos hacia el cielo, si se tratara de seguir la idea original.

Daigo Kobayashi es un chelista joven y, como el mismo confiesa, sin el nivel para ser enrolado en una orquesta mejor. Cuando queda sin su trabajo, luego de participar en una bella parte de la Sinfonía No. 9 de Beethoven (Oda a la alegría), se confunde al leer un aviso solicitando empleado para “partidas”, creyendo llegar a ser agente de turismo.

Su nueva ocupación será preparar los cadáveres para sus funerales, un rito conocido como “nokanshi”. Esta tarea que le despierta ascos, rechazo a las comidas, adentrando al espectador en ese mundo desconocido, que vive quien despide a sus familiares o amigos cuando sus cuerpos han sido ya arreglados por seres anónimos.
La conmovedora música del Wiegenlied de Brahms o del Ave María de Gounod o Bach, en versión para chelo, despierta sentimientos que el espectador no llegaría a sospechar que existen hasta que estas bellas imágenes le reconcilien con la vida, y la muerte.

Reconocer en la estética nipona, en sus rostros a veces alocados, sus sonrientes faces, sus movimientos saltarines, su tono vocal extraño a los oídos, de lógica lejanía al ojo y oído occidentales, unos hermosos valores expresivos que tocan las fibras más ocultas del corazón, despeja de los míticos temores hacia los cadáveres, de todos aquellos que se van, tantos como vienen, y de la tristeza que se troca en alegría.

El público sale alegre, sonriente y con la sensación de que una despedida no es tan dolorosa sino un rito más que nos acerca a los vivos de estos muertos tan queridos. ¡Que suaves movimientos para el manejo de los cuerpos inermes!, ¡qué bonitas despedidas familiares!, ¡qué risas frente al ataúd!. Sentimientos todos que se deben aprender, experimentar, para hacer tan agradables como lo deben ser los recuerdos de quienes hicieron compañía en la vida, los últimos momentos de paso de la vida a la insoslayable muerte. Pañuelos y sonrisas, ¿cómo no se había pensado antes tan bella reflexión?

Al límite

Edge of Darkness, título muy diferente a la promoción en castellano, es dirigida por Martin Campbell, un filmaker de acción. Actúa Mel Gibson, quien es identificado por su gusto por la sangre, según el público. Es uno de los mejores directores de cine contemporáneos, “El hombre sin rostro”, muestra un drama psicológico de un hombre desfigurado …; en “Braveheart”, torturado, y con varios premios internacionales; en “The passion of the Christ”, dramático calvario, sino el mejor filmado, se pone a la altura de la historia bíblica; en “Apocalypto”, explica de manera interesante las causas de la desaparición de la civilización Maya.
Como actor vende, pero no supera el promedio de calidad histriónica. Esta es una de las películas de la ya larga y característica producción norteamericana del “do it yourself, fight back, punish the wicked, protect your family”, de la autodefensa, del vengador con causa justa. El sistema no alcanza a detener el mal de todo género y se requiere que el ciudadano “aprenda” a eliminar el miedo.
La película combina asesinato de la hija de un policía, graduada del Instituto Tecnológico de Massachussets, con la producción privada de armas sofisticadas de marca anónima para el servicio de gobiernos extranjeros, un senador apoyado por corruptos, una docena de muertes, persecuciones y la venganza final. Podría haberse programado para una aburrida tarde de domingo. De toda manera, cada filme visto enriquece el criterio.

Nine

El público podría reclamar que algo la falta a este filme musical de Rob Marshall (de quien se pueden recordar Víctor/Victoria, Annie, Chicago, Memorias de una Geisha y. próximamente, la cuarta parte de la saga de Piratas del Caribe???).
Lo que pudo faltar es la contextualización del guión para las actuales generaciones, sabiendo que es la versión de “8 y medio”, considerada la mejor película del director italiano Federico Fellini (por ello el personaje central es Guido Contini). Fellini la denominó así puesto que luego de siete películas y un episodio de la reconocida “Bocaccio 70” (actuado por Sophia Loren), sería la película 8 ½ de su carrera. En este producto felliniano actuaron Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée y Sandra Milo, entre otras luminarias de los años sesentas, interpretando la historia del director de cine que se encuentra en crisis creativa y añora sus pasados éxitos, sus amores y su etapa infantil.

Por la época, 1965, los estudios de cine eran Hollywood (Estados Unidos), Pinewood (Londres), Almería (España), Babelsberg (Alemania), Churubuzco (México) y Cinecittá (Italia). En este último se desarrolla la historia en la cual Guido (Daniel Day-Lewis) ha prometido filmar “Italia” (la “Roma” de Fellini), dado que el mundo se ha enamorado de las motos Vespa, de las ruinas del Imperio en Roma, de los papparazzi, de los autos Alfa Romeo, de Marcello y de Anita Eckberg (la rubia sueca concursante de Miss Universo, contratada por Howard Hughes). Anita fue la musa inspiradora de Fellini y es la Claudia Jenssen (Nicole Kidman) de este filme, “el noveno”.

Por otra parte, también se adivinan y leen en el filme otros personajes de la filmografía de Fellinia: Sofía Loren que es representada por Penélope Cruz (el papel de Carla, por el cual fue nominada al Oscar) y Sofía Loren (la verdadera, con 76 años) hace el rol de la madre del director Contini. A Lilli, la diseñadora de vestuario (Judi Dench, la reconocida “M” de la saga 007); Luisa, esposa de Guido (Marion Cotillard, Oscar por su bella interpretación de Edith Piaff, hace la reconocida Giulietta Masina, esposa de Fellini y actriz de varias de sus obras); Stephanie, que recuerda a Claudia Cardinale (Kate Hudson, en “Almost Famous”) y Saraghina (Stacy Ferguson, o Fergie,antigua The Black Eyed Peas).

Son nueve, también, las pegajosas canciones que componen este musical, con líricas propias para cada uno de los personajes. Su fotografía es de claroscuros, orientados a un impresionismo de calles húmedas, callejones y monumentos bajo los reflectores. La Kidman recrea la escena icónica de la Eckberg en la Fontana di Trevi (Fuente de los deseos).

El “neorrealismo italiano“, del cual fue alumno destacado el maestro Federico Fellini, está presente en “Nueve” con las escenas en blanco y negro, insertas como recuerdos en los cuales pululan los niños y los curas, la infancia y el Vaticano, lugares comunes en la imagología italiana de todos los tiempos, como también en las escenas de Kate Hudson haciendo una remembranza de Claudia Cardinale (la otra musa felliniana).

La película es dedicada a Anthony Minghella (El paciente inglés, El talentoso Mr. Ripley, Cold Mountain), fallecido hace dos años. Daniel Day-Lewis, uno de los mejores actores contemporáneos, hace un italianísimo personaje en lenguaje inglés. ¿Penélope ha sido justamente nominada a premios por este papel? Sí, y supera con creces sus papeles con Almodóvar, pues cantar y bailar como lo hace es de divas.

The blind side (Un sueño posible)

El título de este filme hace referencia al “punto ciego” que se halla entre dos perspectivas y del cual se pierde visión, en este caso, por parte de un jugador de fútbol americano. Aunque posiblemente haga referencia a la parte desconocida del surgimiento de una estrella del deporte. La película ganó 6 nominaciones al Oscar 2009 a ser entregado en 2010: película, director, actriz principal y de reparto, montaje, guión adaptado. Se cumple la ley de Zam, pues su director John Lee Hancock escribe el buen guión, logrando llamar la atención general sobre el producto. Tiene cuatro películas como director y otras tantas como guionista, ninguna destacable en el mercado americano.

Sandra Bullock compite de manera difícil con Helen Mirren "The Last Station" (ya premiada por The Queen), Carey Mulligan "an Education", Gabourey Sidibe, una morenota en "Precious” y la siempre infaltable y bien recibida Meryl Streep, una vez más, por "Julie & Julia".

La Bullock es un caso especial. Tiene a su haber ya cuarenta películas. Por esta cinta ya ganó el Globo de oro y el premio de Mejor Protagónica por parte del Sindicato de Actores de la Pantalla, premio que ya ha ganado dos veces. La paradoja es que 647 periodistas decidirán si merece por otra parte, el premio Razzie a la peor actriz en el 2009, por otro filme.

Esta mujer ha ganado, además, cinco de siete nominaciones al People Choice Award, como actriz mujer y actriz de cine favorita, lo que significa que mantiene la preferencia y la recordación del público, con base en grandes hits de taquilla (recordamos Speed, The net, entre otras muchas). Su nombre lleva al público a los teatros, sin que su capacidad actoral haya sido indiscutiblemente reconocida.

Este drama está basado en una historia real recogida en el libro The blind side: evolution of a game, de Michael Lewis. Un jugador de fútbol americano, Michael Oher (Quinton Aaron), negro, pobre, con bajo coeficiente intelectual, se convierte en figura deportiva. Leigh Anne Touhy (Sandra Bullock), lo acoge en su hogar, le provee profesora particular, la Sra. Sue (protagonizada por la también nominada Kathy Bates).

Es posible que Sandra Bullock logre su ansiado Oscar. No obstante, se aparta poco de su ya clásico modo de actuar. Lo que impresiona de esta película no es su rol, sino el mensaje antirracista, en un contexto del siempre reiterado “american way of life”, lleno de valores de solidaridad y familiares, además de los chispazos conmovedores del guionista y que indiscutiblemente alcanza la final conquista del público. La Bullock es como la gaseosa refresco en la sala de cine, no es buena para la dieta pero condimenta bien el momento y confirma, una vez más, que puede hacer que una película de US$29 millones logre un 1.000% de ingresos en taquilla a solo dos meses de estrenada en el mercado norteamericano.