Verónica decide morir

El filme atrae por ser basado en un libro de 1998 del escritor Paulo Coelho, ese bestsellerista de 100 millones de libros vendidos en 24 títulos traducidos a 69 idiomas (recordamos El Alquimista, -la mitad de sus ventas-, El Zahir, Guerrero de la luz… por ejemplo), obteniendo 28 premios en 14 países durante los últimos 15 años.
Este género literario tiene más adscritos que detractores, que no le faltan y le acusan de ser escritura simple, primaria, posiblemente de autoayuda. No se puede negar que acude a elementos que parecen novelísticos, lectura fácil que posa de espiritualismo, pero, en suma vende a costa del nivel cultural predominante.
Sarah Michelle Gellar (33 años y películas) protagoniza a Verónika, una slovena en Nueva York, con el atractivo de traer tras de sí sus personajes de Buffy la cazavampiros, Sé lo que hicieron el verano pasado, Scooby-Doo, y otros dirigidos al espectador adolescente.

Es actriz desde los siete años, aunque solo desde los doce apareciendo en los créditos y en este filme desarrolla un personaje de problemática adulta, acompañada de Jonathan Tucker (una catatónica cara que se ha visto en Masacre en Texas), David Thewlis (el Remus Lupin de la saga de Harry Potter), Melissa Leo (nada particular, vista en Righteous Kill, con De Niro y Pacino), Erika Christensen (la hija drogadicta en Traffic, que reitera la misma actuación drogada acá) y Florencia Lozano (de muchos episodios en TV). La dirección es de Emily Young (nada que verle con 4 películas.
Verónika, tiene un buen trabajo, pero lo odia, es bella, sin amor, sus padres le quieren, ella no sabe qué reclamarles, trabaja en moda y publicidad, pero le parecen alienantes. No teniendo una razón para vivir, autojustifica el suicidio,.
Falla en su intento y pasa a un Hospital psiquiátrico donde conoce que haberse creado un aneurisma le pronostica la muerte segura a mediano plazo. Sus compañeros Mari (gusta de la droga que le aplican), Zedka y Edward (supuesto esquizofrénico por haber conducido el automóvil en el que se mató su novia). Edward se convierte en la primera experiencia sexual del personaje central, sale de su mudez engañosa. Este hecho contribuye a que el experimento del director general, Dr. Igor, se lleve a cabo: los fármacos terapéuticos han eliminado el aneurisma, pero Verónika no lo sabrá y con ello ha de valorar cada día en adelante como el último de su vida.
Coelho (63 años) escribe con base en su experiencia adolescente de tres veces, utilizada como tendenciosa publicidad, en un hospital psiquiátrico.

Gabriel García Márquez y el Cine

Gabriel García Márquez, el nobel colombiano de 1982, es un autor atractivo para el cine. A continuación se enumeran las películas donde ha sido escritor (llevado al cine su libro), guionista o coguionista. Hay muchas de ellas que no han sido libros.
El listado final recuerda los LIBROS y se subrayan aquellos que han sido filmados.

GM y el cine (escritor, guionista, coguionista):

1. 1950 La langosta azul. conjuntamente con el pintor Enrique Grau, el escritor Álvaro Cepeda Samudio y el fotógrafo Nereo López.
2. 1964 El gallo de oro, de Roberto Gavaldón, Coescrita con Juan Rulfo y Carlos Fuentes.
3. 1966 Tiempo de morir, de Arturo Ripstein; versiones de Jorge Alí Triana y Rodrigo García.
4. 1965 En este pueblo no hay ladrones, de Alberto Isaac.
5. 1966 Juego peligroso (segmento "HO"), de Luis Alcoriza y Arturo Ripstein.
6. 1968 Patsy mi amor, de Manuel Michel.
7. 1974 Presagio, de Luis Alcoriza.
8. 1979 La viuda de Montiel, de Miguel Littín.
9. 1979 María de mi corazón, de Jaime Humberto Hermosillo.
10. 1979 El año de la peste, de Felipe Cazals, adaptación del libro de Daniel Defoe El diario de la peste.
11. 1983 Eréndira, de Ruy Guerra.
12. 1987 Crónica de una muerte anunciada, Francesco Rossi.
13. 1988: Un señor muy viejo con unas alas enormes, de Fernando Birri.
14. 1988 Milagro en Roma, de Lisandro Duque Naranjo.
15. 1988 Fábula de la bella palomera, de Ruy Guerra.
16. 1988 Cartas del parque, de Tomás Gutiérrez Alea.
17. 1991 María, de Jorge Isaacs, adaptada por GM junto con Lisandro Duque Naranjo y Manuel Arias.
18. 1996 Edipo Alcalde, adaptación de Edipo Rey de Sófocles por GM y Estela Malagón, dirigida por Jorge Alí Triana.
19. 1999 El coronel no tiene quien le escriba, Arturo Ripstein.
20. 2001 Los niños invisible,s dirigida por Lisandro Duque Naranjo, guión compartido con GM.
21. 2006 El amor en los tiempos del cólera, dirigida Mike Newell, guión del sudafricano Ronald Harwood.
22. 2006, Del amor y otros demonios, directora costarricense Hilda Hildalgo.
23. 2006-08, Memoria de mis putas tristes, director danés Henning Carlsen.
24. 2006, El otoño del patriarca, director bosnio Emir Kusturica.
25. 2008-09, Memorias de un secuestro, mexicano Pedro Pablo Ibarra

GM EN TV

La Hojarasca, 1955.
La mala hora, 1961.
El gallo de oro
Tiempo de morir
El verano de la señora Forbes (de Doce cuentos peregrinos, 1992).



OBRAS LITERARIAS (se subrayan las filmadas):

La Hojarasca, 1955.
El caníbal , 1955.
Un día después del sábado, 1955.
La mala hora, 1961.
El coronel no tiene quien le escriba, 1961.
Los funerales de Mamá Grande, 1962.
Rosas artificiales 1962.
Cien años de soledad, 1967.
Un señor muy viejo con unas alas enormes, 1968 (libro)
Relato de un náufrago, periódico 1955; libro 1970.
La increíble y triste historia de la cándida Eréndira yde su abuela desalmada, 1972.
Cuando era feliz e indocumentado, 1973.
Ojos de perro azul, (individual 1950) libro de cuentos 1973:

La tercera resignación
La otra costilla de la muerte
Eva está dentro de su gato
Amargura para tres sonámbulos
Diálogo del espejo
Ojos de perro azul
La mujer que llegaba a las seis
Nabo, el negro que hizo esperar a los ángeles
Alguien desordena estas rosas
La noche de los alcaravanes
Monólogo de Isabel viendo llover en Macondo

Chile, el golpe y los gringos, 1974.
El otoño del patriarca, 1975.
Todos los cuentos (1947-1972), 1976. (Milagro en Roma; María de mi corazón)
De viaje por los países socialistas, 1978.
Crónica de una muerte anunciada, 1981.
Textos costeños, 1981.
Viva Sandino, 1982.
El olor de la guayaba, 1982.
El secuestro, 1982.
El asalto: el operativo con el que el FSLN se lanzó al mundo, 1983.
Eréndira, 1983.
El amor en los tiempos del cólera, 1985.
La aventura de Miguel Littín clandestino en Chile, 1986.
El general en su laberinto, 1989.
Doce cuentos peregrinos, 1992:

Buen viaje Señor Presidente
La Santa
El avión de la Bella Durmiente
Me alquilo para soñar
Sólo vine a hablar por teléfono
Espantos de agosto
Maria dos Prazeres
Diecisiete ingleses envenenados
Tramontana
El verano feliz de la señora Forbes
La luz es como el agua
El rastro de tu sangre en la nieve

Diatriba de amor contra un hombre sentado, 1994.
Del amor y otros demonios, 1994.
Noticia de un secuestro, 1996.
Obra periodística 1: Textos costeños (1948-1952).
Obra periodística 2: Entre cachacos (1954-1955).
Obra periodística 3: De Europa y América (1955-1960).
Obra periodística 4: Por la libre (1974-1995).
Obra periodística 5: Notas de prensa (1980-1984).
Vivir para contarla, 2002.
Memoria de mis putas tristes, 2004.

Sherlock Holmes

Arthur Conan Doyle no se hubiera imaginado nunca, después de 9 historias del detective Sherlock Holmes y su compañero el médico John Watson, 5 acerca del Profesor Challenger, 7 novelas históricas, 39 trabajos novelísticos varios, todo escrito desde los 28 hasta sus 71 años finales, que su principal creación comenzaría a ser desvirtuada amablemente por el cine.
El primer detective literario fue Auguste Dupin, de Edgar Allan Poe. Sobre este se basa el famoso Sherlock Holmes, interpretado por Robert Downey Jr., papel con el cual se ganó este año el Globo de oro en categoría a papel “cómico”, 18 años después que obtuviera el BAFTA por su Chaplin. Esto significa que Downey, cercano al alcoholismo y siempre sobreactuado, al fin ha hallado un talento que han traducido en comicidad. Jude Law, mejor actor, lo acompaña como el Dr. Watson.
En este filme está dirigido por Guy Ritchie, el director de una docena de interesantes películas y penúlimo esposo de Madonna. Comparten la producción Joel Silver (prolífico blockbuster en taquilla) y una hermana de Downey (de padre director y madre productora, también).
El estilo de dirección de Ritchie se observa en los adelantos en cámara lenta y los flashbacks en cámara rápida, paradoja de tiempo y velocidad, que caracterizan su cine (Snatch: Cerdos y diamantes; Revolver, Rocknrolla). Fue quien adentró en sus filmes a Jason Statham (El Transportador y otras taquilleras).
El grano de la película es Kodak obscuro para ocultar los trucos de dibujo por computador (barcos, el puente de Londres en construcción inaugurado en 1870). Las caídas, explosiones, incendios, huesos que crujen, introducen el elemento adolescente para el público.
La música es del genio de bandas sonoras Hans Zimmer, loable por Rain Man de 1988, Rey León de 1994 y Gladiador del 2000, que son obras calificables de clásicas, pero dispuesto a mercantilizarse en sus otras 60 películas, con sonidos puramente situacionales.
El argumento no se deriva de Arthur Conan Doyle. Es una extensión de la franquicia por Warner Bros que utiliza unos cuatro personajes de sus novelas, sujetos a historias intertextualizadas por los guionistas Wigram y Kinberg.
Clasificación de calidad: al gusto del espectador.

Pastilla y sorbo muy pequeños: Obama y Colombia

En el tradicional discurso anual del Presidente de los Estados Unidos, en el cual informa a sus conciudadanos sobre “el estado de la Unión”, es decir, donde plantea soluciones a los problemas que del año inmediatamente anterior quedan y propuestas acerca del futuro inmediato del país, lo cual no impide que hable del largo plazo y de las siguientes generaciones, dijo Barack Obama que quería sostener vínculos comerciales más estrechos con Colombia, Panamá y Corea del Sur.
No obstante, a diferencia de otros muchos de los temas que trató y en los cuales insta la participación aprobatoria de proyectos por parte del Congreso, al hacer referencia a Colombia, su vecino Panamá y la Corea no comunista, NO se dirigió a los legisladores en el sentido de recomendar la aprobación de los Tratados de Libre Comercio, TLCs, con esos países.
La lectura de esta mención al país es deprimente: Estados Unidos tendría pocos, pequeños y pobres amigos. En el estilo claro, imperturbable y de hermosa dicción de Barack, mencionar a Colombia fue simplemente una muletilla (un lugar común con significado amplio), una apostilla (un comentario, no un empoderamiento). Hablar de Panamá no es sino establecer un enlace mental con Suramérica más allá de México. Mencionar a Corea del sur, es un apoyo débil puramente verbal a la contraparte de un residuo comunista y empobrecido como es Corea del Norte.
No hablemos más de la dicha mención, que no se alegre indignamente nadie acerca de aparecer allí, en el discurso memorizado y guiado al oído del carismático presidente interracial.

"Gorda"

Neil LaBute, un director de cine, guionista y dramaturgo estadounidense de 46 años, gordo, regular estatura, actuó una sola vez en el filme High School Spirits de 1986. Es un pregraduado en teatro de la Universidad Brigham Young y con posgrados de Kansas, Nueva York y la Royal Academy. Luego, se adentra en Hollywood sin mayores logros.
En el cine, LaBute ha dirigido a Aaron Eckhart (su actor fetiche, el Two Faces de The Dark Knight de 2008), Ben Stiller, Liev Schreiber, Sigourney Weaver, Nicolas Cage y Ellen Burstyn. Su filmografía de siete películas en una década, sin embargo, no muestra nada que comentar.
LaBute, tiene a su haber cerca de veinte obras teatrales: “Fat Pig” título original de “Gorda”, es de 2004. Es una comedia ligera que ha sido puesta en escena en Boston, Los Angeles, Londres y Berkeley. Con ella ganó el Outer Critics Circle Award for Outstanding Off-Broadway Play y el Laurence Olivier por la Mejor Nueva Comedia en el 2005.
En América Latina, Gorda tiene varias versiones, entre ellas la colombiana en el Teatro Nacional bajo la dirección del uruguayo Mario Morgan, muy conocido en este país por sus montajes de “Extraña pareja”, “Taxi”, “Que no se entere el presidente”, “El último de los amantes ardientes”, “Yo amo a Shirley”, “Se necesita un tenor”, “Plaza Suite”, “Venecia”, “Taxi2”, “Frankie y Johnny al Claro de Luna”, “A Fanny lo que es de Fanny”, “El Método Grönholm” y “La cena de los idiotas”.
Constanza Hernández es Helena, luego de un sonado casting de más de 500 gorditas, Andrés Suárez (Padres e Hijos) es Tomás, Juan Sebastián Aragón (Soñar no cuesta nada, de Rodrigo Triana) es Daniel y Tatiana Rentería (Colombian Dream, de Felipe Aljure) es Julia.
La “Gorda” tiene una estructura sencilla: el estado inicial, en el que Helena ha llegado a su autoestima aunque en desacuerdo con los cánones sociales de una estética contraria a su gordura; El incidente que inicia el nudo de la obra, cuando Tomás la encuentra y conoce en la cafetería; el incremento de la acción, cuando Daniel, compañero de Tomás le descubre con Helena y Julia, otra compañera de trabajo con quien Tomás tuvo un flirt, se entera; Climax, cuando Tomás simplemente no puede soportar la presión de sus amigos de oficina y le plantea a Helen su ruptura; Desenlace o Nuevo estado de equilibrio, Tomás toma la decisión de enfrentar solo lo que puede manejar: Ama a Helena, pero no puede soportar ni la crítica de sus amigos ni el maltrato que ella recibe de éstos. El libreto exige finalizar con un cuarto de hora en debate libre de los actores con el público.
Esta comedia corta, que difícilmente alcanza los sesenta minutos, supone un cuestionamiento a los parámetros de belleza en la sociedad actual, en contraste con el amor, la inteligencia y el valor de la autoestima. La escenografía modular va de una oficina a un restaurante japonés, a una alcoba y una playa. Estos elementos de “economía de recursos” y “crítica social” combinados en un ajuste cultural con base en lenguaje llano e insultos de grueso calibre y un clima de comicidad actoral, hacen de “Gorda”, el tipo de producción teatral que acomoda bien a los intereses de la empresa teatral y a los deseos del público que quiere “cumplir” con el canon de un teatro que se supone crítico, pero envuelto en un empaque superficial que le permite reír un poco y que, finalmente, no alcanzará para mayor reflexión que la muy reiterada, pero aceptada de manera conforme: en la sociedad prevalece el valor del estereotipo cultural de turno y quienes no lo alcanzan serán motivo de cierto rechazo de los demás, principalmente en el amor.

Los abrazos rotos

Pedro Almodóvar Caballero (60 años) trae su película de 2009, pues desde que inició la productora El Deseo S.A. realiza una por año, ya como productor o director (además de músico y actor). Ha producido importantes películas de Álex de la Iglesia (Acción mutante, 1993); Guillermo del Toro (El espinazo del diablo, 2001) o Isabel Coixet (Mi vida sin mí, 2002 y La vida secreta de las palabras, 2005) y otra media decena.

Cannes, César, Donatello, Goya, Bafta y Oscar le han premiado. Cuál es su secreto, cumplir con la ley de Zam, escribiendo y dirigiendo sus propias ideas.

¿Qué distingue a Almodóvar? Todos los sabemos sin equivocación. El rojo y los demás colores básicos. Sus mujeres, comunes y corrientes, no tan bellas muchas de ellas (Cecilia Roth, Carmen Maura, Victoria Abril, Marisa Paredes, Angela Molina o Rossy De Palma). El interés gay, quizá por su propia naturaleza personal. España, pues no rueda en otros sitios. La industria fílmica, base de buena parte de sus guiones casi autobiográficos (éstos últimos le deparan la etapa de reconocimiento internacional). El cine clásico de los cuarentas a sesentas en blanco y negro que, además, ha influido en el ritmo plano y en el manejo de tiempo casi real de sus producciones.

El arte de Almodóvar es sencillo: colores brillantes Kodak y Fuji, escenografía pop tipo “Andy Warhol”, música punk y flamenca, actrices que comparten su universo personal.

Almodóvar, el escritor, es un básico reflejo del tratamiento llano y plano del idioma castellano. ¿Por qué el cine español de calidad tiene ese tono impersonal en sus voces? Los actores ibéricos están dominados por la morfología de los guiones escritos y éstos, a su vez, por el respeto a la puntuación. El punto, la coma, los puntos suspensivos, las comillas y paréntesis o los signos de exclamación e interrogación, son su sino. Los actores hispanos se detienen, al observar en su memoria un punto. Lo piensan, al recordar una coma. Crean vacíos, en los puntos suspensivos. Alzan la voz, para exclamar y la bajan, para preguntarse a si mismos, tal como el guión lo indica.
El guión es “cibernética” para un actor español convirtiéndolo en robot hablante. “Los abrazos rotos” permite volver a concluir en esta característica actoral. Prueba de ello es que Jordi Molla, Antonio Banderas, Penélope Cruz o Javier Bardem no tienen ese tinte esclavo de la morfología escritural, se oyen mejor y más naturales, son permeables a los idiomas extraños y alcanzan las cimas ya conocidas. Sus demás colegas nacionales no se han podido desprender de esta actuación-lectura.

Por lo demás, Almodóvar el argumentista es primario. Pasada la mitad de un filme suyo hará que cada protagonista revele una verdad que nunca ha sido insinuada ni por el texto ni por la cámara. Pero con ello ajustará misterios, evitando creativos flashbacks visuales y sustituyéndolos con la edición plana, en el mismo tono y color, de escenas que se suponen del pasado. Los finales de Almodóvar resultan en sencillas confesiones que entraman acomodaticiamente un escrito fácil. Todo en productora El Deseo es sólo un deseo de hacer cine, que no se traiciona dejando de ser espontáneo y fácil. Es quizá esta sencillez y previsibilidad del arte de Pedro y Agustín, su hermano productor, lo que genera respeto en el público internacional.

El Solista

Joe Wright, tiene el mérito de haber dirigido las bellas Pride & Prejudice, de 2005, y Atonement, de 2007 (ambas con la reconocida, pero disléxica y anoréxica, Keira Knightley). Pero a Wright se le alcanza a salir de control The Soloist, de 2009. Confió quizá en que contar con Jamie Foxx (premio Oscar como Ray Charles) en el rol del esquizofrénico habitante de la calle, Nathaniel Ayers virtuoso frustrado del chelo, y con Robert Downey Jr, como el periodista Steve Lopez, quien escribe una nota sobre el anterior personaje en The Angeles Times, era suficiente. No.
Además, el sobreactuado Downey no ha aplicado bien sus talentos sino para fungir de su reconocido Chaplin, de 1992 (como anotación 12 de sus 60 películas, han sido hechas bajo la dirección de su homónimo padre o, en otras con la producción de su madre).
El filme sorprende en cuanto descubre un ambiente tipo “calle del cartucho” en Los Angeles. Despierta expectativas, pero tiene pocos momentos de belleza musical y le faltó buen guión y dirección de actores.

Flame y Citron

El cine danés puede recordarse por Gabriel Axel y El festín de Babette, 1987; Bille August y Pelle el Conquistador, 1987 más “Las mejores intenciones”, 1991 sobre Ingmar Bergman. Se le puede recordar también por el movimiento Dogma con Lars von Trier, Thomas Vinterberg “Todo por amor”, 2002, Søren Kragh-Jacobsen, Lone Scherfig o Nils Malmros, “El árbol de la ciencia”. Dogma 95 aportó algo de renovación hasta que amplió sus perspectivas técnicas con la dolorosa "La Bailarina en la Oscuridad" (de Trier, con Björk y Catherine Deneuve).
De esas ramas del árbol cineasta danés proviene Ole Christian Madsen, director con tres películas reconocidas: La razón de Kira, 2001; Praga, 2006 y ‘Flame y Citron’ 2008.
Esta última lleva el mote de la más costosa de este cine “nacionalista”, con 10 millones de euros. La sorpresa por este presupuesto debe provenir de ese mundo minimalista en costos que es el Dogma.
Es una coproducción de Alemania, Dinamarca y República Checa, filmada en Berlín, Copenhague y Praga, respectivamente. Su guión es de Lars K. Andersen en compañía del mismo director, Madsen. Thure Lindhardt hace el rol de Bent Faurschou-Hviid, Flame (pelirojo) y Mads Mikkelsen actúa como Jorgen Haagen Schmith, Citron (apodo por la planta de Citroen).
Stine Stengade, hace un excelente papel femenino de Ketty Selmer. Por lo demás, Peter Mygind (Aksel Winter), Mille Lehfeldt (Bodil), Christian Berkel (Hoffman) y Hanns Zischler (Gilbert), componen la banda inicial, hasta que la pareja protagónica se aparta y actúa como sicarios independientes.
Flame es un antifascista enemigo del gobierno pronazi desde el 9 de abril de 1940. Citron, es hombre de familia, mujer e hija, sombra y chofer de Flame (es la reconocida cara como archienemigo de 007 en Casino Royal). ¿La correo Ketty, o el intermediario Winther?, es la pregunta que genera la aparición de traiciones de los superiores de la Resistencia e impulsa a la pareja protagónica a querer asesinar al jefe de la Gestapo, Hoffmann.
El valor principal del filme reside en estar basado en hechos reales y testimonios sobre la vida de Bent y Jorgen. Es una mezcla de historia de espionaje y nazismo en la II Guerra Mundial, pero se adentra en las dudas personales de esta especie de “Butch” Cassidy y “Sundance” Kid, aquella película gringa con Paul Newman y Robert Redford (de allí que el reconocido Festival fundado por Redford tome el nombre de su personaje), de la cual quizá haya un remake con Tom Cruise y John Travolta.
Esta comparación adelanta entonces lo que es el final de la pareja F&C. La película es bella en color, escenografía (las ciudades que mira son algunas de las más hermosas del mundo), las actuaciones demuestran un profesionalismo poco subjetivo. ¿de dónde provienen sus defectos de ritmo y excesos de paneos? Haber descargado la responsabilidad de un presupuesto y medios técnicos relativamente altos en las dos manos de un director Dogma, con mentalidad de trabajar con un dedo. Y, por último, romper con la Ley de Zam: dirigir y escribir el guión, pero al compartir este último, generando vacíos, sin enriquecer la trama.

Invictus (Morgan Freeman como Nelson Mandela)

Invencibles, es producida y dirigida por Clint Eastwood. Es una película basada en el libro de John Carlin "The Human Factor: Nelson Mandela and the Game That Changed the World", cuyo texto se lee actualmente en Colombia dentro de las universidades en temas políticos relacionados con la reconciliación y el posconflicto (Carlin, John. El factor Humano. Seix Barral. 2009).

La producción

La productora Malpaso, es esa empresa que inició el vaquero Eastwood con los US$270.000 que se ganó con su participación en el clásico de Sergio Leone “The Good, the Bad and the ugly”, con el ícono del cowboy del poncho y el cigarro “the man without name”, de la trilogía del dólar, y en la cual ha hecho toda su filmografía, dentro de la que recreó ese otro ícono de “Harry el sucio”, que alcanzó cinco partes de una saga policiaca del detective Callahan, además de ganar oscares y otros premios como director y mejor película en “Los Imperdonables”, el western de aquellos pistoleros arrepentidos, y “Million dólar baby”, la recordada camarera boxeadora que llega a la eutanasia. En estas películas le ha acompañado su amigo Freeman durante dos décadas (Clint tiene uno de siete hijos llamado Morgan), quien esta vez hace un respetable Nelson Mandela.
El filme utiliza imágenes originales de archivo que obligan a Eastwood a “emparejar” color con escenas filmadas en marzo de 2009. Este es una de las películas más planas de la buena obra de Clint. Se habla de que ha de estar en la lista de nominados de este año, pero quizá esto sea pensar con el deseo. Si lo logra, habrá un factor político impulsando los posibles premios.

El contexto

Nelson Mandela sale de la cárcel en 1990 luego de 26 años de llevar el número 466/64, gracias al ofrecimiento de Frederik De Klerk, presidente de la República por el Partido Nacional, quien cede para iniciar el desmonte de la segregación racial entre un 83% de negros y un 17% de blancos en el poder. Mandela y De Klerk compartiría el Premio Nobel de la Paz en 1993, y luego de las elecciones de 1994 serían ambos el primer presidente negro de Sudáfrica y el vicepresidente de una política de reconciliación nacional que buscaba transigir con el oponente partido Inkhata de mayoría zulú. Mandela gobernaría hasta 1999, con el interés básico por el proceso de transición acerca del cual creía que era indispensable eliminar los miedos a la contraparte, tanto de blancos como de la población negra.

La historia

Mandela se propone luchar contra la percepción que la población negra sudafricana tenía del rugby, un deporte del poder blanco, para lograr "que todos, blancos y negros, pelearan por un objetivo común" y "reconciliar las aspiraciones de los negros con los temores de los blancos". Se vale del Mundial de Rugby de 1995 para que los Springboks, símbolo de la etnia opresora, fueran vistos como bandera nacional por encima de las brechas raciales. Cuando se llegó la fecha del mundial, la población negra, que no había jugado este deporte, ya lo conocía y lo aceptaba gracias a las giras de los Springboks por el país.
Paradójicamente, gracias a Mandela, este equipo de rubios (solo había un jugador negro) aprendió un himno en lengua zulú, que se había cantado en las protestas de los negros durante décadas en sus manifestaciones contra la minoría blanca dominante.
La selección sudafricana vence en el último minuto a los legendarios e invencibles All Blacks, y su estrella Jonah Lomu, de la selección de Nueva Zelanda por 15-12, con la ayuda de la estrella de rugby Francois Pienaar (Matt Damon). Con este partido se dio terminación al boicot deportivo mundial que el país había sufrido cerca de una década, utilizando el deporte más preciado en los países del área.

Resultados

En la realidad: el libro base del guión fílmico ha hecho énfasis en el factor humano, aquel que depende de las figuras representativas, de su influencia, de su carisma, de su liderazgo. Mandela y Pienaar, en el filme de talante deportivo, Mandel y De Klerk, en la vida política real.
Es por ello que la preocupación de Eastwood no va más allá del juego como un momento de emoción de masas en 63.000 espectadores y 43 millones de sudafricanos. Las bambalinas políticas de este momento, quizá agigantado por el peso bibliográfico y de prensa, han quedado en la sombra solo para historiadores y eruditos.
Se dice que el papel histórico de Mandela fue el de ser símbolo concreto de reconciliación racial, nada más. Las izquierdas se defraudaron con la afirmación de que se mantendría el capitalismo como modelo. Los resultados sociales y económicos no han sido los mejores: una población, un PIB total y un PIB percápita, similares a los de Colombia que, sin embargo, representan el 25% de la economía del continente africano. Pero, debe aceptarse que al contrario de Ruanda, Namibia y otros preocupantes sitios de conflicto en África y el mundo, en Sudáfrica se ha aceptado la amnistía limitada en interés de la verdad y de la reconstrucción nacional como el camino a una civilizada paz sin segregaciones que Mandela representa.

En Invictus: Matt Damon es solo un jugador, sin tintes dramáticos ni carisma alguno. El tratamiento del director es quizá menos subjetivo de lo que se espera de un producto artístico. Morgan Freeman logra parecerse físicamente al “Ghandi sudafricano”, al líder que reconoció estando en la cárcel que la lucha armada no era la vía.
En su rol demuestra un tardío y senil interés por el "rugby", a pesar que expresa haberlo jugado de joven, que lo “desocupa” de los problemas importantes en el manejo del Estado. Esto último, posiblemente, un verdadero reflejo de lo que fue el importante, pero fugaz, paso por el poder del personaje representado.
Corolario: ojalá Mandela sobreviva de sus achaques actuales de salud, con 92 años, y pueda asistir al campeonato mundial Fifa, de fútbol "soccer", que celebrará Sudáfrica como sede a partir de junio 11 de este 2010.

Pastilla sin sorbo

El Presidente de la República (poder ejecutivo) pidiendo, fingiendo ignorancia, que se eliminen los vencimientos de términos del código penal (poder judicial).
El Procurador General de la Nación (poder público, no poder judicial ¡!!) atreviéndose a anticipar y dar por hecha la inexequibilidad del voto en blanco previsto en la ley 1354 de 2009 y a emitir un concepto sobre el referendo (tarea de la Corte Constitucional), cuyo resultado es puramente político.
El Consejo Superior de la Judicatura (poder judicial, no es organismo de cierre), emitiendo fallo sobre tutelas judiciales, tarea de la Corte Suprema de Justicia (poder judicial, organismo de cierre).
La Presidencia (poder ejecutivo) tratando de introducir Fiscal General de la Nación de sus favores para detener funciones y decisiones que son propias de la Corte Suprema (poder judicial).
La Corte Constitucional (jurisdicción constitucional) compitiendo con la Corte Suprema (jurisdicción ordinaria), y viceversa, en asuntos de decisiones sobre fallos de jueces.
Falta una Secretaría de Movilidad para dirigir el tránsito de estos "trenes". El derecho y los abogados, los juristas y los políticos, están jugando con la opinión pública, dejando sin transparencia una serie de asuntos: Los funcionarios tratando de asumir funciones que no les son propias, entrabando la acción de los organismos justos e introduciendo ideas en la gente, que son erróneas, sólo buscan dificultar el ejercicio de las funciones de jurisprudencia y justicia, por parte de los buenos Magistrados con los cuales hoy cuenta el país.

Argentina y su Banco Central; Venezuela socialista

Presente año 2010
Argentina: Cristina Kirchner, peronista, destituye por decreto presidencial a Martín Redrado como presidente del Banco Central por no plegarse al pedido de utilizar reservas internacionales para el pago de deuda externa.

Pasado año 1943
Un nuevo golpe de Estado dirigido por el Grupo de Oficiales Unidos, GOU, en el cual el entonces Coronel Perón era uno de sus principales líderes introdujo cambios en la política económica que significó el alejamiento de Raul Prebisch de su cargo en el Banco Central de la República Argentina. Tres años después, ya como presidente, Perón nacionalizó el BCRA. Utilizaría la política monetaria para proveer demagogas y subsidiarias ayudas que contribuirían a que una economía, que fue a comienzos del siglo XX la tercera del mundo gracias a la carne y el trigo exportados, llegara a ser una de las más asoladas por las dictaduras y las inflaciones contra los propios “descamisados” peronistas de su pueblo.

Presente año 2010
Venezuela: Hugo Chávez, nuevo socialista, interviene la política cambiaria para establecer dos diferentes tasas frente al dólar, una baja para bienes esenciales y otra doblemente alta llamada petrolera.

Pasado año 1983
Desde la segunda etapa reformista, la China ha mantenido una autonomía cambiaria criticada por el mundo. Hoy, el gobernador del Banco Central de China, Zhou Xiaochuan, corrobora mantener una tasa diferencial que permite revaluación de la moneda, para favorecer las importaciones, y devaluación de la misma, para incentivar las exportaciones. Con ello logra un superávit comercial criticado por Estados Unidos, la Unión Europea, la Organización Mundial del Comercio, entre otros países e instituciones multilaterales.

Corolario
Ni los partidos políticos “tradicionales”, como el Partido Justicialista, antiguo Peronismo, o las teorías económicas “revisionistas”, como las del Partido Socialista Unido de Venezuela, logran desprenderse de costumbres ficticias de manipulación monetaria para ocultamiento de las verdades del sector real.
Desconocer la necesidad de autonomía de los bancos centrales en el manejo de la masa monetaria y de control de la inflación, así como de la complementaria libertad cambiaria y del comercio internacional, suelen ser herramientas desesperadas ante la incapacidad de haber asumido en su momento otras decisiones más realistas. Estas actuaciones anticipan males peores para las naciones que las acometen.

En el primer caso, el paliativo temporal usual es aumentar el financiamiento externo y subsidiar al empresariado con niveles altos de precios internos.

La consecuencia: endeudamiento externo trasladado a las siguientes generaciones e inflación como un impuesto oculto en contra de los más pobres.

En el segundo caso, el paliativo temporal está en el contento de países extranjeros, que exportan a la nación en cuestión, y de los agentes exportadores nacionales a quienes poco importa el equilibrio general de su propia economía.

La consecuencia: competencia desleal de la nación (China, Venezuela) frente al contexto global y desequilibrio de balanza de pagos a costa de sus socios comerciales y financieros.

La historia se repite, los políticos no aprenden y los pueblos asumen los errores de sus gobernantes.

Las cenizas de la luz

El director

Majid Majidi, iraní de 50 años, es director, productor y guionista de un cine que no olvida el teatro. Fue actor de cine y TV. Luego, en su obra directoral, vendrían “Baduk” de 1991, niños que llevan mercancías ilegales en la frontera Pakistaní, y “El padre” de 1995, el adolescente que a la muerte de su progenitor debe trabajar, ganadoras ambas de premios nacionales del festival de Fajr. Posteriormente, “Niños del cielo” de 1998, la pobreza reflejada en unos zapatos infantiles, ganadora del Gran Premio de las Américas del Festival de Montreal y primera película iraní nominada a los Oscar de 1999. “El Color del Paraíso” de 1999, la historia del niño ciego enfrentado a su padre, que repite premios y taquilla mundial. “Baran” del 2001, los refugiados afganos en el entorno de un niño, y “Las Cenizas de la luz” (Las cenizas del tiempo, The Willow Tree, entre otras titulaciones que le han sido dadas), de 2005, este penúltimo gran trabajo de dirección de un maestro de lo humano y su cotidianeidad, de la niñez y la ceguera, por algún motivo recurrentes en sus temáticas.

El actor y su personaje

Parvis Parastui, desempeña el rol de Yousseff, ciego a los seis años, ahora de 45, quien recupera la visión con trasplante de córnea gracias a un examen inesperado en Francia, del tumor que resulta benigno y permite el correcto diagnóstico oftalmológico.
Pero 38 años de ceguera le representan un vuelco mental y emocional, la disyuntiva de recrear una vida, o de inventar una nueva. Le horroriza la escena del aula de niños ciegos en la cual había enseñado poesía durante mucho tiempo. Le sorprende la visión física de su mujer, desconocida hasta ahora. Mantiene el amor por su hija de unos seis años, con quien ha establecido lazos de ingenuidad y juego. Sin embargo, la belleza lo impacta. No solo los objetos y el mundo a su alrededor, También, el bello rostro de su cuñada, quien según sus familiares “podría haber sido actriz de cine”, le hace cuestionarse. Un enamoramiento repentino de quien, a punto de graduarse y le pide examine su tesis de literatura, se convierte en la inflexión vital que le hace preguntarse por su vida prestada. Una vida que no había pedido ni escogido, de imágenes y estéticas a las que no había tenido derecho. Rechaza sus libros y su regreso al trabajo con alumnos y compañeros docentes, todos invidentes. No se sabrá por qué, rechazo biológico o emocional, retornará a la ceguera.
Gran actuación de Parastui, camina como ciego luego de recuperar la vista, solloza de manera conmovedora, tropieza y cae sin trucos, convirtiéndose en el personaje dentro del cual el espectador se representará asumiendo sus propios miedos.

El cine global y un resultado más

Antes se decía “mensaje a través del celuloide”, ahora hay que reconocer lo necesario de saber de otras latitudes mediante la imagen digital. Irán, como país, llega a nosotros como un foco de discordia geopolítica, como una nación de hombres embozados y mujeres cubiertas, de gobernantes retrógrados sumidos en el pasado, mitad guerreros y mitad religiosos. De rostros de barba y cuerpos provincianos. Toda una imagología alejada de los valores políticos y estéticos “occidentales” que hace poco taquillero, en principio, su cine, a los ojos de la América.
Hay que reconocer que un producto visual depende de la aceptación ética y estética de sus contenidos. De la semiótica de las razas y de sus sonidos verbales De aquí que la globalización de la cartelera, dependa de la sustracción que el espectador logre de preconceptos y prejuicios. Las caras orientales, los rostros asiáticos o africanos, en general, los vestuarios “extraños”, la pasividad o la falta de una “musicalidad acostumbrada” en sus voces, la “brusquedad” de sus movimientos corporales, van entrando en los sentidos gracias a que se ve en la pantalla a unas ciudades iguales a las nuestras, unas familias y unos sentimientos tan humanos como lo hemos sido ellos y nosotros, siempre.
Al igual que a Yousseff, el cine no monopólico descorre velos sociales ante nuestros ojos. Descubre mundos ensombrecidos por la gran prensa y la política interesada. Contribuye a reconocer como valiosos nuestros propios entornos familiares, sociales, económicos y emocionales. Genera autoestima nacional frente a esa mítica ansia de conocer países extranjeros con el supuesto de encontrar en ellos lo que nuestros congéneres no tendrían.

El cine de Majidi es uno de esos tantos otros que lleva a revalorar ese otro cine, el monopólico, por ahora ese es el adjetivo, que maquilla sus propias civilizaciones, superlativiza y, de preferencia, ficcionaliza. Ese cine “hollywoodense”, que no es malo. Pero sí, nos enajena y nos acompleja, nos provee de autoimágenes infravaloradas, de imágenes culturales engañosas. Todo ello dentro de un proceso que no es tan inconsciente para una industria multimedial que resume poderes muy grandes en el plano simbólico, en el campo ético, en el orden político y en el de la autoreflexión individual y de masas.

Corolario: Sin embargo, es aconsejable dejar de lado aquellos motes y clasificaciones subjetivas de cine “arte”, de cine “independiente” o de cine “no comercial” para cada película que nos gusta y que permite “renegar” de guiones occidentales y tecnologías sorprendentes, como si fueran anticulturales o dañinos. Lo que resulta deseable es asistir a, o bajar de internet, películas de todo género y “leer” cine ampliamente. Solo con contrastes culturales se objetivizan los criterios.

Pastilla 2009: ¿Cuándo alcanzará la China a los Estados Unidos?

Para intentar responder esta pregunta que el mundo se hace, el lector debe partir de los siguientes datos, como un pasatiempo de fin de año 2009:

SUPERFICIE
El espacio territorial continental del mundo tiene una superficie total de 174.814.000 km2, de los cuales Estados Unidos representa 9.826.630 (un 5,62%) y China 9.596.960 (un 5,49%).

PRODUCTO INTERNO BRUTO
El Producto Interno Bruto mundial nominal calculado es de US$49.563,53, de los cuales Estados Unidos produce US$13.820 (un 27.88% del producto de todos los países en su conjunto) y la China genera US$6.473 (el 13,06% de este PIB mundial).

POBLACIÓN
La población mundial está calculada en 6.706.993.152 habitantes, de los cuales en Estados Unidos hay 307.212.123 habitantes (4,58%) y en la China unos 1.338.612.968 pobladores (19,96%).

CRECIMIENTO ANUAL DE LA POBLACIÓN
La población estadinense tiene un crecimiento de 3,69% anual y la China de 6,29% al año.

CRECIMIENTO ANUAL DEL PIB
El PIB estadinense tiene un crecimiento de 2.50% anual y en la China de 9.00% al año.

INGRESO PERCÁPITA
El ingreso percápita de Estados Unidos es de US$46.300 anuales y el de la China de US$4.836 al año.

SUPUESTOS
El indicador de PIB representa simple Crecimiento
El indicador de ingreso percápita equivale a verdadero Desarrollo (nivel de vida promedio medido en US$)
El término variación se refiere a cambio porcentual anual
Se mantienen los datos de variación poblacional y de la producción actual en ambos países
El concepto de superficie no interviene y es considerable como equivalente para los dos países
Las tasas porcentuales d crecimiento que se proponen en las proyecciones se mantendrán anualmente por el cuarto de siglo proyectado.

RESULTADOS
El PIB de la China alcanza al de Estados Unidos en 14 años, año 2022
El ingreso percápita Chino sigue siendo la SEXTA parte del percápita estadinense.

PROYECCIONES AL AÑO 2033
Para que el ingreso percápita chino llegue a igualar al estadinense en el año 2033 (dentro de 25 años) se requiere que:
El crecimiento de la población china se reduzca de 6,29% a 0,48% (en 13 veces)
O, que el crecimiento del PIB chino aumente de 9% a 15,30% anual (1,77 veces la tasa anual actual)

CONCLUSIONES

Si hay dudas respecto de los datos del Banco Mundial, del Fondo Monetario Internacional, la Organización de las Naciones Unidas, Banco Mundial y de Eurostat, que son los utilizados acá, cada “jugador”, preferiblemente usando una tabla Excel, para evitar malas cuentas, propondrá las hipótesis personales que desee.
El crecimiento y desarrollo conjuntos de un país como China genera sinergias positivas para el resto del mundo, al igual que lo hace, quiérase o no, el de los Estados Unidos.
China puede ser motor del mundo, pero hay dos formas de hacerlo: como real polo de desarrollo cualitativo (su producto percápita sube y se equipara al de países desarrollados) o como simple taller industrial con mano de obra barata (crece y mantiene igualmente pobre a su población, lo cual sucedería dentro de 14 años, en el 2022).
Por tanto, para que la China sea un verdadero polo de desarrollo mundial y de sus nacionales, esperemos al año 2033, si nada extraordinario a nivel científico, tecnológico o bélico acontece.

Avatar

Significante y significado

Los avatar, son seres cuya denominación proviene, a través del francés, de la palabra sánscrita que en español ha significado ‘fase‘, ‘vicisitud’ o ‘cambio’. La juventud actual los entiende como elementos gráficos propios de la Internet y las tecnologías de comunicación TICs, que son representación humana, asociada a un usuario para su identificación. Se utilizan fotos, dibujos o figuras tridimensionales.
En la red comenzó quizá con el avatar que uno diseña de sí mismo en el correo Yahoo. Hoy se le podría equiparar a los Buddypokes que intermedian en las relaciones con amigos dentro de la red social Facebook.
Pero, el uso original del término es muy distinto, pues los diseñadores de juegos de rol, empezaron en "Habitat" en 1987 y en 1992 cuando populariza en la novela ciberpunk de Neal Stephenson titulada “Snow Crash”, desarrollada en el ámbito de la realidad virtual. En el reconocido juego "Los Sims", el avatar es una persona, tal como se utiliza también en “Second Life" con personajes en 3D online. Las figuras preferidas han sido las de estilo manga.
Pero, remotándose a su origen filosófico religioso, el avatar es propio del hinduismo, como la encarnación terrestre de un dios. Varios de ellos son Vishnú, y Krishná, su octavo avatar. El término sánscrito significa “el que desciende”.
Cristo, es otro avatar deidad, al igual que en otras religiones no hindúes Zoroastro (VII a. C.), Mahavira (599-527 a. C.), Buda (563-483 a. C.), Jiddu Krishnamurti (1896-1986), entre otros muchos creadores que fueron de nuevas religiones.
La llamada Nueva Era, los clasifica en Manusíacos (creadores míticos de civilizaciones poderosas como Manu, Rómulo y Remo, Mahoma, Manco Cápac, o Quetzalcóatl) Bodhisátvicos (fundadores de religiones o doctrinas espirituales como Buda, Jesucristo, Krishná, Lao Tse, por ejemplo) y Avatares no encarnados (tipo de ángeles que protegen a la humanidad sin encarnar, contradictoriamente).

Los tecnicismos

James Francis Cameron, director de 55 años tiene a su haber una docena de películas, algunas megatecnofilmes taquilleros. Cumple la ley de Zam pues quien escribe su guión y lo dirige con libertad, alcanza el éxito.
Cameron es el director y creador de una iconografía cultural contemporánea similar a la que un Spielberg haya logrado. La diferencia es su identificación con la biotecnología. Sus cabezas monstruosas, cyborgs y robots, combinadas con una ambientación derivada de la zoología marina y el reino protista, o Protoctista (conformado por eucariontes que no pueden clasificarse dentro de alguno de los otros tres reinos, como hongos, animales o plantas en forma de algas, protozoos o mohos mucosos).
Es por eso que en Avatar se mezclan seres voladores y marinos con la faz de “Aliens”. Seres submarinos y voladores como los que embellecieron su fabulosa “The Abyss” (titulada como Secretos del Abismo…). O robots pilotados como los que se han replicado en Terminators, District 9 recientemente (de Peter Jackson), Transformers (de Michael Bay) y muchas otras. La juguetería consumista está plena de ellos.
Cameron es, no el mejor, sino el director de megaproyectos muy propios del ego hollywoodense al que han de odiar los talibanes en el arte audiovisual. Su filmografía contiene desde avances técnicos, hasta secuelas exitosas, pasando por taquillas gigantescas. Son sus obras vendedoras The Terminator (director, guión, 1984), Rambo II (guión, 1985), Aliens, el regreso II (director, guión, 1986), El secreto del abismo (The Abyss) (director, guión, 1989), Terminator 2: El juicio final (director, guión, productor, 1991), Mentiras Verdaderas (director, guión, montaje, productor, 1994), Titanic (director, guión, montaje, productor, 1997).
Para Discovery Channel ha producido Aliens of the Deep, Expedition: Bismarck, Fantasmas del Abismo, Titanic Tony Robinson Adventure y La tumba perdida de Jesús, que generó un debate entre la ortodoxia católica.
Cameron es copropietario y CEO de Digital Domain, compañía de producción de tecnología de efectos visuales. Desarrolla la estereoscópica digital 3-D y su IMAX 3D y creó junto al estudio WETA Digital, gran parte de la parafernalia de "Lord of The Rings" (Peter Jackson), de allí que District 9, de Jackson, tenga tantas similitudes técnicas e ideológicas con Avatar.
Avatar, el Proyecto 880, con presupuesto de más de US$300 millones y otros US$200 millones en publicidad es una resultado combinado de Computer-generated imagery, CGI (con seres vivos sobre pantalla azul), más un desarrollo de la captura del "rendimiento", técnica utilizada por el director Robert Zemeckis en The Polar Express y Scrooge, agregadas al perfeccionamiento de cámaras Sony estereoscópicas producidas expresamente para Cameron, todo aunado a la expansión de las salas con proyectores 3D instalados. Cuando empezó el proyecto 880 en 2005, Cameron recorrió eventos de la industria convenciendo a los cines para instalar proyectores de los cuales sólo había 79 en el mundo, hasta vender más de 5.000 en cines capaces hoy de proyectar 3D.
La Cámara Virtual, a través de capturadores de movimiento, “performance capture”, le entrega a Cameron directamente en el set una previsualización de la imagen final con texturas, luces, fondos, formas. Si el director mueve la pantalla de la Cámara Virtual, funciona igual que una cámara tradicional, pero reinterpreta la imagen desde el punto de vista que apunta la cámara, aumentada y real.

El mundo avatar

Con ayuda de lingüistas como Paul R. Frommer, profesor en la University of Southern California, y antropólogos, Cameron crea un universo de alienígenas, con montañas flotantes (símil del conocido cuadro de René Magritte), dragones voladores y criaturas, que le permiten plantear un discurso ambientalista un tanto incoherente.
La geografía: Na'vi Na'vi o “The People” habitantes de Pandora concentrados en regiones boscosas con elementos de varios continentes y climas; el Hometree, hogar espiritual y físico de los Omaticaya Na'vi, llamado Kelutral; Las Mountain banshee Na'vi llamadas Ikran, regiones montañosas de Pandora, que incluye las Hallelujah Mountains.
La zoología: Los Ikran, especie de equino-pterodáctilos; los Direhorse, temibles caballos con armadura; los Hammerhead Na'vi llamados Angtsìk, esos rinocerontes con cabeza martillo y cuatro ojos; Thanator Na'vi llamado Palulukan o “Dry Mouth Bringer of Fear” bestias con aspecto de pantera: los Viperwolf Na'vi llamados Nantang con rasgos de lobo.
En ese mundo de la luna Pandora, irrumpe la Resources Development Administration, RDA, la mayor organización no gubernamental en el universo humano, cuya función es, como corporación masiva, involucrarse en intereses de explotación minera, transporte, medicinas, armas y comunicaciones.
RDA concentra su viaje en el Interstellar vehicle, ISV, diseñado para transporte de personal, insumos, y equipo entre la Tierra y Pandora, y lograr la explotación de Unobtanium desde Pandora a la tierra. El poder de RDA es tal que enlaza estaciones espaciales con hipovehículos fuera del control de gobiernos y ansiosa de recursos industriales sin importar la afectación a la naturaleza.
Es el año 2154 y Jake Sully (Sam Worthington), ex-marine minusválido en silla de ruedas, viaja a la atmósfera tóxica de Pandora, dentro del programa Avatar, en el cual participa la doctora Grace (Sigourney Weaver), donde los humanos "conductores" unen sus conciencias a un avatar, o cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir al aire letal. Son genéticamente ADN humano, mezclado con ADN de nativos de Pandora, los Na'vi. La bella Na'vi, Neytiri (Zoe Saldana), es la contraparte nativa y amorosa, a la cual alude la balada central “I see you” de Leona Lewis, que hace referencia al desenlace en el cual solo después de la debacle y el apocalipsis desencadenado en medio del desenfreno antiecologista, racista, belicista y de confrontación de mundos de muy diferentes estadios de desarrollo, se reconocen uno a otro con sus propios cuerpos, su zoomorfia real, su esencia racional e inteligente, en comunión cosmogónica.

Cameron no tenía necesidad de convertirse en creador de ficción. La explotación de recursos naturales está ligada a la generación de conflictos internos, peyorativamente llamados “nuevas guerras”. El molibdeno y wolframio (África del sur), tungsteno (China, Bolivia, Rusia), diamantes (Liberia, Sierra Leona, Costa de Marfil, Angola, Namibia, Simbawe, Botswana…), coltán (Etiopía, Nigeria, Mozambique), son algunos de los ejemplos. De este último, el coltán. denominado “oro azul”, o “petróleo de barro”; combinación de columbio y tantalio, que es fundamental en la fabricación de aparatos tecnológicos como los celulares, se descubrió recientemente que hay yacimientos en Colombia (!!!).

Cameron tampoco requería idear la íntima relación de los Na´vi con la tierra. Los Lakota-Sioux en Estados Unidos, o las comunidades Kogi, Arhuaca, Sanká y Kankuama, de la Sierra Nevada, mantienen un cosmovisión que Daniel Quinn (1992) ha sabido interpretar con los “takers” o Hermanos menores (cultura occidental), y los Leavers, o Hermanos Mayores (primitivos), dentro de una visión etnocientista puesta en términos “occidentales” para su comprensión de la relación de la Madre Tierra con los indígenas. Los Na´vi “contactan su cola con las ramas, las raíces o algunos apéndices animales para establecer una íntima relación con la naturaleza, lejana de la visión cientista del invasor.
Cameron seria dentro de la industria fílmica un representante de la antropología neoestructural. Así como la ciencia positiva argumenta que “si lo puedes dimensionar, lo puedes controlar”, este tipo de artesanos californianos, basados en una burda adición de especulación y datos, lo cual no importa para el entertainment, pero suele aportar útiles dentro de la jerga referencial, puede expresar que “si lo puedes recrear, ver y nombrar, tienes una hipótesis válida”.

¿Dónde están las incoherencias e incongruencias de Cameron? Pertenece a la hiperindustria fílmica vanguardista californiana y cuestiona a las grandes corporaciones; es nacido en Canadá, ese importante hermano político y asociado industrial de Estados Unidos, y busca observar con ojo crítico a la gran industria. Hasta acá, bien pero inconsistente. Escribe un mensaje dicotómico de la sociedad industrial en el cual no hay sinergias entre las actividades, RDA no tendría enlaces con el gobierno y las restantes actividades industriales. Actúa como un ejército privado, sin que a nadie importe. La intromisión explotadora hace parte de un indiscriminado lassez faire – laissez passe dentro del cual el gobierno, estadinense se ha de suponer, hace parte pasiva y, por ende, de responsabilidad solidaria con los vejámenes a otras naciones.

¿Qué critica Cameron? Sería que otros como él puedan ser puestos en la picota de su película como “los malos”, simplemente. Le otorga el derecho a los invadidos de oponerse en defensa propia y vencer a los invasores, si pueden, con sus arcos y flechas, con sus creencias y sus semidioses.
¿Cuál es el mensaje ambientalista y pacifista? El de siempre, un mundo de inequidades, violencia y mercado que el espectador ya conoce y ante el cual seguirá absolutamente inerme.

Al tomar en serio a Cameron, en esta “Release 20.10 d.c.” que comienza el 1 de enero, como un seudocientífico que trabaja en ese laboratorio multimedia cuyos experimentos dominan el universo cultural del milenio, que es el cine, se podría decir que está dominado por su propio “avatar”. Al igual que aquellos que, en todas las áreas del conocimiento, mantienen sus vidas sus profesiones apegados a avatar´s librescos. Los economistas keynesianos, los psicólogos piagetianos, los administradores tayloristas o los seguidores de Peter Drucker, los abogados kelsenianos, los bobbianos, los francfurtianos, entre otros innumerables ejemplos de motes académicos, y todas aquellas tendencias a llevar una línea de pensamiento apegada a un autor, por importante que sea. El avatar cameroniano suena y truena, tiene sonido metálico, deslumbra, pero girará siempre alrededor de la fábula de los ejércitos, de las batallas y las muertes, de la conjunción de los espacios y los mares, de los espectadores y los dólares en abundancia.

Avatar podría declinar en una saga. Pero no parece ser la intención inicial. Si lo fuera, pertenecería al producto intertextual y multimedia que contiene una secuencia industrial de libro, película, merchandising (objetos, juguetes), y juegos electrónicos (ya viene Avatar, para Ubisoft).

Savage Grace

Barbara Daly Baekeland, es un personaje de aquellos que gustan a estrellas como Julianne Moore para continuar en el quinto round (nominación) en su lucha por obtener el Oscar. El equipo actoral que la acompaña en Savage es altamente profesional pero inocuo en cuanto a su curriculum, ya que desde el director hacia abajo no hay ni cantidad y, posiblemente ni calidad, medida en número filmes o en títulos recordables.
Julianne tiene 50 años, la misma edad de su personaje, y lleva 63 películas realizadas. Es el tipo de actriz con sello de diva en su rostro y va muy bien con el papel de esposa “plebeya” de Brooks, el heredero de la fortuna del belga inventor de la baquelita en 1909, Leo Baekeland, ese material no conductor de calor (todo lo contrario a lo que la ciencia busca hoy para ahorro de energía).
La interacción entre Bárbara y su marido, es tensa desde el comienzo. Su medio social es muy alto y se adorna de algunos intelectuales reconocidos como Marcel Duchamp, el pintor dadaísta-surrealista de origen francoamericano, o Carlos de Santiago, finalista en 1949 del premio literario español Nadal con “El huerto de Pisadiel”???, o con James Jones, el autor de una docena de libros entre los cuales reluce “De aquí a la eternidad”, llevado a memorable película. Precisamente la esposa de James, Gloria, amiga íntima de Bárbara, le había salvado a esta de un previo intento de suicidio.
Bárbara era una bella modelo (fotos) y había hecho algún casting para optar a ser una estrella hollywoodense junto con el actor Dana Andrews, pero, quizá por su matrimonio, no alcanzó este objetivo.

El dinero gratuito aburre, genera un clima social aislado, es simiente de distorsiones sociopáticas y germen de depresiones. Anthony, su hijo gay, había sido diagnosticado con esquizofrenia y tendencias paranoides pero no aceptaba atención profesional. La noticia del matricidio cometido por Anthony dio la vuelta al mundo en 1972 e, igualmente el posterior intento de asesinar a su abuela materna, quien le había hospedado a su salida de la cárcel en 1980. Tony argumentaba haber sido forzado sexualmente por su madre. Un año después, Tony aparecería muerto, sofocado con una bolsa plástica, sin haberse comprobado si fue suicidio, como se argumentó.
La película en su escenografía limpia y su cinematografía inmaculada se acogen bien al estatus social que retrata. El vestuario de Coco Chanel, quien, en la época, había diseñado toda una colección de su ropa con accesorios y adornos fabricados en bakelite, lo cual contribuyó a la supervivencia de esta industria en la depresión de entre guerras.
El guión es basado en el libro de Natalie Robins y Steven M. L. Aronson. No sabremos si el uno, el libro, o el otro, el guión, restaron importancia a los elementos que no aparecen en el filme y que la prensa ha dado por verdaderos. Sin embargo, de esta manera, la perspectiva que ha quedado de este caso es de tedio y relaciones disfuncionales, de ocio enfermizo y promiscuidad, sin buscar antecedentes mayores en las vidas de los personajes.