EL CONSPIRADOR (THE CONSPIRATOR)

En marzo 4 de 1861 se posesiona Abraham Lincoln, en aparente paradoja el primer presidente Republicano de los Estados Unidos, abolicionista y defensor de los derechos civiles universales. Un mes después comienza la guerra de Secesión. Luego de cuatro años, el 9 de abril de 1865, termina la guerra y seis días después Lincoln es asesinado por un actor de teatro. Lincoln ejercería una presidencia de guerra y paz, desencadenada por unos pocos Estados Confederados (con una población de 9 millones, 3,5 de los cuales negros) en contra de la Unión (22 millones). Una economía rural de algodón, tabaco y azúcar levantada en contra de un modo de producción en proceso de industrialización modernista. Las fuerzas del General Grant (2.200.000 soldados, 110.000 dados de baja y 250.000 civiles muertos) vencerían al ejército minoritario de Lee (1.100.000 activos, 90.000 soldados y 150.000 civiles muertos). El resultado de esta guerra fratricida sería la inclusión de las enmiendas 13, 14 y 15 en la Constitución, prohibiendo la esclavitud y extendiendo los derechos civiles y el derecho al sufragio a todos independientemente de su raza.

En el contexto del final de esta guerra, la historia de “El Conspirador” pareciera hacer referencia a John Wilkes Booth, el magnicida. Pero el verdadero conspirador es el abogado joven Frederick Aiken (James McAvoy), quien hará defensa de Mary Surratt (Robin Wright), en proclamación de la duda y la falta de evidencias como factores jurídicos de declaración de la inocencia de quien sería la primer mujer ejecutada por el gobierno federal. Su hijo, uno de los conspiradores, sería posteriormente juzgado, pero no condenado. Estos elementos, hoy son cimientos del derecho penal, pero mediando un tribunal militar para juzgamiento de una persona civil en este caso de enormes connotaciones políticas y con las heridas aún abiertas de la guerra secesionista, eran de muy difícil argumentación. Es así como la verdadera conspiración se da al interior del tribunal con el fin de satisfacer el deseo de sangre y venganza de un país sensiblemente impactado por la aparente retaliación de los vencidos. El filme, de solo US$25 millones de presupuesto es un fracaso económico, a pesar de la interesante hipótesis del guionista James D. Solomon, la dirección del reconocido Robert Redford y un elenco de mucha importancia que incluye, además de McAvoy y Wright, a Justin Long, Evan Rachel Wood, Tom Wilkinson, Kevin Kline, figuras muy conocidas, junto a Toby Kebbell (Booth) y Danny Huston (Fiscal). El argumento conjuga una conspiración magnicida, con una conspiración jurídica y una conspiración política, en un interesante discurso de fundamentos legales pero un argumento de difícil consumo masivo, acerca de un hecho histórico del cual aún existen dudas alrededor de la verdadera causa de la muerte de Booth. La historia oficial afirma que murió quemado en una vivienda a raíz de su persecución. La leyenda dice que escapó. La exhumación de sus restos se realizaría hace dos años, en un examen forense a bordo de un barco y en secreto, de todo lo cual no hay resultados.

LOS VENGADORES (THE AVENGERS)

Una nueva entrega de historias de superhéroes, esta vez de los nacidos en Marvel y en 3D, sistema que sigue siendo una lástima se oscurezca tanto en salas colombianas. A este tipo de productos de masas con gran éxito taquillero y de resultados siempre previsibles le suelen surgir enemigos gratuitos que, si bien suelen tener razón, hoy ya son anacrónicos críticos de algo que a las actuales generaciones no sorprende. Una de las primeras veces que hubo sorpresa la recogió un libro, recordado en Latinoamérica, muy debatido pero menos leído, escrito por la pareja del chileno Ariel Dorfman y del belga Armand Mattelart, titulado “Para leer al Pato Donald: ideología imperialista en los cómic Disney”. En este pequeño formato de 112 páginas del año 1972, un análisis marxista sobre literatura de masas hizo referencia concreta a Walt Disney y al mercado latinoamericano con la tesis de que las historietas de esta importante productora de divertimento no sólo serían un reflejo de la ideología de la clase dominante, sino que, además, serían cómplices activos y conscientes de la tarea de mantenimiento y difusión de dicha ideología. Así, mediante citas de expresiones y frases de historietas del Pato Donald, los autores soportaban el análisis del mensaje imperialista.

Allí, la fama, los precios, el mercado, los hombres de negocios, el armamento, el dinero, el tío rico, la astucia, la ironía y la constante mención de otros países, llevaban a concluir la subliminación política que conlleva la lectura de las aventuras de Donald, Rico McPato, los tres sobrinitos y otros personajes, sobre la mente infantil y la psicología de masas. Cuatro décadas después, los mensajes “nacional imperialistas”, término ambiguo, no están semiocultos. Se debe recordar que Barack Obama, en su discurso de posesión de enero de 2009, envió un mensaje que promulgaba a su pueblo no avergonzarse ante el mundo por su modo de vida: “Con viejos amigos y ex adversarios, trabajaremos incansablemente para reducir la amenaza nuclear, y hacer retroceder el espectro del calentamiento del planeta. No nos disculparemos por nuestro estilo de vida, ni vacilaremos en su defensa, y a quienes tratan de hacer avanzar sus objetivos provocando el terror y matando a inocentes, les decimos que nuestro espíritu es más fuerte y no puede ser doblegado, que sobreviviremos a ellos y los derrotaremos”... Entonces, no resulta nada nuevo, se entiende que el pueblo norteamericano tiene sus miedos y sus fortalezas bien claros. Una de tales fortalezas es la parafernalia cultural con que cuenta a nivel de todas las artes, afirmación que puede generar debates admisibles, pero no debe negarse. En este sentido, luego de las artes clásicas, del cine y la fotografía, el cómic es considerado por muchos el noveno arte y una de las fortalezas de la cultura norteamericana. Sus principales musas Marvel y DC Comics, son organizaciones empresariales del tipo Disney que, como dice Stan Lee, pionero vivo y padre de muchos de los icónicos superhéroes del cómic, “al comienzo no nos preocupaba sino si podíamos pagar la renta y continuar”.

De Marvel Studios es “The Avengers”, dirigida por Joss Whedon, guionista de la primera “Toy Story” y del seriado “Buffy la cazavampiros”, entre otros juguetes fílmicos, con un costo de US$220 millones, es firmada, mediando un cameo final en una toma a pantalla de TV, por el mencionado Stan Lee, como ya es costumbre de este creador de 90 años, quien junto con Jack Kirby y Steve Ditko son padres de fundamentales personajes como el Capitán América, Iron Man, Hulk, Thor, Hawkeye y Black Widow. Este club de la justicia, competidor directo de la “Liga de la Justicia” de DC Comics, cumplirá en septiembre del año entrante medio siglo de existencia. De “The Avengers” son un tanto desconocidas las figuras de Hawkeye y Black Widow, que nacieron un año después que los demás personajes originales que dan vida a la historia del filme. Surgieron como espías infiltrados, ella habiendo sido secuestrada de la KGB por agentes chinos que la hipnotizan para adentrarse en Industrias Stark, fue enamorada de Hawkeye, luego novia de Daredevil y, posteriormente, casada con el Capitán América y madre de su hijo. Hawkeye, por su parte, con participación menos dibujada es, desde 2006, en el papel, una mujer. Pero los tiempos han cambiado. Steve Rogers / Capitan América (Chris Evans), muerto en el papel en 2007, ha resucitado. Tony Stark / Iron Man (Robert Downey Jr) sigue airoso de los embates del comunismo del siglo pasado, el Dr. Donald Blake / Thor (Chris Hemsworth) se hace protagónico y es quien da origen a la historia desarrollada en el presente filme, Natasha Romanoff / Viuda Negra (Scarlett Johansson), aparece sin tener nexo alguno con sus compañeros, el Dr. Bruce Banner / Hulk (Mark Ruffalo) seguirá siendo forzosamente un dibujo también en el cine, Clint Barton / Ojo de Halcón (Jeremy Renner) y Nick Furia (Samuel L. Jackson) completan el telón de fondo. El mensaje básico es que la guerra fría con el comunismo ha terminado y los antiguos espías son parte del equipo.

Pero el gran trasfondo de esta historia es que el emprendedor hombre de negocios de las empresas Stark es el héroe de verdad y que las tecnologías bélicas desarrolladas son necesarias para la defensa de la sociedad actual y sus máximos valores de libertad y democracia. La simpática personalidad irónica de Tony Stark, lo convierte en el superhéroe por antonomasia del siglo XXI y a los demás compañeros en empleados (Black Widow y Hawkeye), competidores (Nick Furia), soldados (Capitán América y Thor) y aliados estratégicos de la ciencia (Hulk). El mundo tiene su centro en New York y su distrito en Manhattan y defender esta urbe es salvar la civilización universal de la amenaza de Loki (Tom Hiddleston), hermano adoptivo de Thor (en antagónica disputa por el poder en Asgard, lo que hace casi necesario haber visto el filme “Thor”). De todo esta entramado, un tanto diferente en el papel que en los filmes antecedentes, hay una inocultable apología de la industria bélica y su razón de ser en el equilibrio del capitalismo, del empresario como adalid del (des)orden establecido, de las alianzas posteriores a la “desaparición” del “socialismo real” como opción política y del triunfal desenlace que debe darse luego de los ataques del 11/11/01 que deben interpretarse como afrentas contra la humanidad. Acá, las habilidades del “pequeñín y su martillo”, de “Légolas” y su arco, del “otro” y su furia, de la “Romanoff” y del “viejo” (sarcasmos de Tony Stark para aludir a Thor, Hawkeye, Hulk, Black Widow y Capitán América) son empleadas por el patrón de una empresa cuyo flamante aviso “Stark” queda destruido dejando solo en pie la “A” de Avengers y el sistema en reconstrucción. Ser “genio, billonario, playboy y filántropo”, además de volátil y egocéntrico, supera las deficiencias del empresario y de no poder trabajar en equipo, las fortalezas físicas de otros, las destrezas de sus compañeros y los convierte a todos en marionetas del capital y defensores de la libertad y este orden conveniente. “The Avengers” es una retoma de la poderosa arma semiótica de los íconos culturales que ya no coge desprevenido a nadie y es un ingenuo producto para divertir a los jóvenes con ironías propias de una sociedad que rifa pocas oportunidades para una masa que ha de divertirse con la conciencia de su indefensión frente a las fuerzas establecidas de la industria y la aparentemente irremplazable actual organización del capital. Un sistema capitalista a ultranza que “con viejos amigos y ex adversarios, trabaja incansablemente para reducir la amenaza nuclear… y no se disculpará por su estilo de vida, ni vacilará en su defensa...”. Para ello, la industria bélica, los ejércitos obedientes al “capitán”, la ciencia y la tecnología aliadas, las fuentes energéticas del “cubo”, la astucia del hombre de negocios, siguen promulgados como valores prevalentes (a pesar de la verdad de las debilidades patentes del 2008) por Donald/Stark a los sobrinitos “Huey, Dewey y Louie”, o Hugo, Paco y Luis, que asisten en medio de la muchedumbre al cine de masas.

POTICHE (MUJERES AL PODER)

Francoise Ozon es el admirable director recordado por “8 mujeres” y “La piscina”, escritor “féministe” de guiones “charme”, que lleva la carga de orientar a los dos mayores íconos vivientes del cine francés en este filme con lugares comunes pero de identidad muy francesa. ¿Por qué era importante ubicar las situaciones en 1977? Es la primera pregunta que surge al ver vestuario y escenografía, pues, en apariencia inicial, la temática no lo obligaría. Resulta que para aceptar que un sindicalista reclame “el mes 13” o hable de forma directa de “comunista” era necesario ubicarse en los setentas y no en este milenio, además que la importancia de una fábrica de sombrillas era tal como se vislumbra en el filme solo hasta que poco después Taiwan inundara al mundo de paraguas y sombrillas baratos, como parte de su acelerado modelo de desarrollo industrial.

La enorme pareja de Deneuve-Depardieu ha trabajado en 1980 con “Le dernier métro” bajo Francois Truffaut y en “Vous aime” bajo Claude Berri, en 1981 hicieron “Le choix des armes” de Alian Corneau, en 1984, “Fort Saganne” de Alain Corneau, en 2004, “Les temps qui changent” de André Téchiné y, ahora en “Potiche”. “El último metro”, “Yo los amo” son mejor recordadas en Colombia que las otras producciones con esta importante pareja. La Deneuve con 69 años y Deperdieu con 64 se conservan bien y bastan para ocupar la pantalla con sus nombres, aunque no se esfuercen demasiado. En el filme la “mujer florero” pasa a ser la “mujer al poder” con la suavidad femenina que arrolla las testosteronas sindicalistas, que confiesa haber amado 52 hombres en su vida tras una gran sutileza de casada y que se acompaña de su hijo para que este introduzca cambios coloridos y diseños modernos en los convencionales paraguas, competidos ya quizá por el aguacero chino con altas economías de escala industrial. El hijo de tendencias equívocas y la hija de claras simpatías socialistas, el sindicalista radical metido a político dependiente de votos democráticos, la mujer francesa algo impávida frente a la infidelidad consentida y conveniente de su aburridor marido, pero mayoritario accionista, aportan todos un humor suave a este filme intrascendente.

HABEMUS PAPA (HABEMUS PAPAM; WE HAVE A POPE; TENEMOS PAPA)

Quizá solo los italianos tengan la cautela necesaria para resultar políticamente correctos en una mirada humorística acerca del Vaticano y sus interioridades. Acá hay un Michel Piccoli, 87, (“Bella de día”, “La vía láctea”, “El fantasma de la libertad”, “El discreto encanto de la burguesía, “La gran comilona”, “Lulu”, “Adios Bonaparte”, y dos centenares más de películas), preferido de Luis Buñuel y leyenda viva del cine francés, difícil de reconocer, pero con la estatura profesional necesaria en lo actoral para representar con respeto y sin parodia una figura ecuménica. Luego de una difícil, como todas, elección de Sumo Pontífice, los Cardenales aceptan en Cónclave a…. quien se sorprende, naturalmente. Pero aún mayor será la sorpresa alrededor de su figura cuando una especie de “pánico escénico” le atrape y se acobarde en momentos que debiera haber impartido su primera bendición “Urbi et Orbi” a los feligreses del mundo, agolpados en la gran plaza de San Pedro. Nanni Moretti es el buen director del filme (reconocible en este medio como productor de “La habitación del hijo”), quien logra un equilibrado manejo humorístico del tema adentrándose en su trama como actor en el rol del ateo psicoanalista llamado al Vaticano para el caso, además de como coguionista del tema. Una respetable y respetuosa escenografía, una bella Roma, un majestuoso Vaticano, dan un toque humano y creíble a la farsa sobre la posibilidad de una escapadita de un Papa recién nombrado que nostalgia su verdadera vocación de actor de teatro. La película es muy equilibrada ante la especulación psicológica sobre un Sumo Pontífice que, finalmente, como hubiere sido un hecho histórico notorio, se retracta y declara su autoindignidad para ocupar el gran cargo “alta voce… urbi et orbi”.

PINA (PINA 3D)

En 100 minutos, con dos docenas de bailarines, un soundtrack de 15 temas originales, más 9 piezas musicales más de reconocidos compositores, todo ello en 3D, el alemán Win Wenders hace un homenaje personal a la coreógrafa Pin Bausch, fallecida a los 69 años en 2009. No es un 3D “avatariano” a lo Cameron, solo una doble imagen (bifocal y efecto dimensional) que genera buena impresión espacial realista. No hay argumento, sino una exposición documental de lo que Wenders considera los aportes principales de la artista homenajeada. El “caos” artístico deberá ser traducido como un eclecticismo vanguardista en el que, por obvias razones, pesa más el cuerpo desnudo o vestido en blanco y negro para resaltar el concepto. La convencional simetría, acompasamiento de movimientos y precisión visual de hoy, es reemplazada por la iconoclastia, el expresionismo individual de los bailarines y la demostración elástica de la maestría balletiana dirigida por Pina, pero reproducida y recordada en muchos momentos por la cámara de Wenders con los recuerdos creativos que los bailarines deben a la genial coreógrafa y agradecen en pantalla.

La influencia fundamental que tuvo Pina provino de Martha Graham y quizá por ello, hay en los comienzos del filme una pieza de Stravinsky pues “La consagración de la Primavera” fue la consagración de Pina Bausch (en 1975) diseñando bailes para sus pupilos en medio del agua. En la misma tónica modernista y ecléctica se distinguen en medio de las composiciones musicales para el filme, tangos, blues y jazz (Armstrong), combinados con Purcell, con Violeta Parra, con algún tema mexicano o uno cubano, o con Caetano Veloso, entre una mixtura aún mayor. Creadora del “Tanztheater Wuppertal”, un colectivo alemán que generó algunas pioneras coreografías urbanas en ciudades como Tokio, Los Angeles, Madrid, Roma, Viena, Lisboa o Budapest, en este homenaje se le recuerda a través de las escenas al aire libre, acuáticas, paisajísticas, con algunas “locuras” de los bailarines (como la segadora). Hay una cierta preeminencia de sus sillas, primera mitad de la película y un subrayamiento del protagonismo de estas en el efecto de la “caja escenario” que se transforma en escena. Bausch daba libertad a sus alumnos-bailarines, a quienes inspiraba desde un concepto (ejemplo “alegría”) y de allí aceptaba o no el resultado creativo individual. Solo con un cierto contexto, “Pina” se deja ver, pues sin ello no hay Wenders (“París, Texas”, “¡Tan lejos, tan cerca!”, o “Buena Vista Social Club”…) y su admiración por Pina tridimensionada.

EL PRÍNCIPE DEL DESIERTO (BLACK GOLD)

Jean Jacques Annaud, es un admirable director francés cuyas obras fílmicas “La guerra del Fuego”, “El oso”, “El amante”, “El nombre de la Rosa”, “Siete años en el Tibet”, “Enemigo al acecho”, entre otros menos reconocidos títulos, le dan sitial de honor en la industria. Su enfoque de obras literarias de Umberto Eco, Marguerite Duras, así como de algunos ambientalistas y conservacionistas, le aportan un definitivo y serio tinte de analista social mediante la lente cinematográfica.

Tajar Rahim (“Un prophéte“), Antonio Banderas, Mark Strong (“Robin Hood”, “Sherlock Holmes”, “Green Lantern”), Riz Ahmed (“Centurion”), Freida Pinto (“Slumdog Millionaire”), encabezan el elenco de una película que rememora las producciones de David Lean (“Lawrence de Arabia”, “Pasaje a la India…”), cuando la cámara era testigo de una realidad no afectada por los efectos especiales. La “trouppé” viajaba a los sitios geográficos alejados para el rodaje, y el munco occidental reconocía culturas orientales en “Todd-Ao”, “Cinerama”, “Cinemascope” y todas aquellas técnicas de pantalla gigante a color que precedieron a las actuales “3D” o “Imax”.

¿Qué es lo que hace que Annaud luzca como un antropólogo cinematografista? Su visión respetuosa de la diversidad cultural, de la belleza de la naturaleza respetable, de su interés por los encuentros culturales con respeto mutuo, de una respetuosa mirada a ideologías y creencias en apariencia antagónicas. Annaud respeta lo que ve y no debe resultar redundante identificar dicho respeto por los múltiples mundos y las diversas épocas con ánimo estudioso.

“El príncipe del desierto” es un título que llama a la masa sedienta de aventuras, sin revelar lo que es su nombre original de “Oro Negro” o mucho menos de la novela original “Al sur del corazón” de Hans Ruesch, en la que se basa. El eje argumental es el hallazgo de petróleo en la Arabia de 1930 y los enfrentamientos entre sultanes, unos que contemporizan con las empresas de Texas y los otros que interpretan su suelo como hollado por los pozos petroleros. Algunos que aprovechan los “petrodólares” de la época para construir escuelas, orfanatos y otras obras para suplir las enormes necesidades de su pueblo, aunque con una mezcla de preocupación por sus gentes, de impotencia productiva y sin ninguna proyección ecologista. Otros, sin esta perspectiva, siguen ceñidos a una ética ancestral y a costumbres apegadas al honor. El “príncipe” y su hermano, bibliotecario y médico, coincidirán contra los primeros, amando a los segundos y, bajo las fuertes sinergias sociales, harán regreso al que consideran un “modernismo” conveniente en la explotación del oro negro.

Annaud, nuevamente con respeto, permite ver en este documento un análisis de la forma clásica de apertura petrolera de los desiertos árabes a la voracidad multinacional y de la ruptura de patrones culturales del oriente. Los explica mirando la indefensión de los líderes de pueblos “con 1000 años de atraso” y que sin “poder producir nada” buscan remediar los males de sus gentes. La aventura de la pantalla sirve también de hipótesis con intención explicatoria del encuentro de dos mundos, aliados y enemigos por sus mutuas dependencias, para lo cual Annaud ubica sus cámaras mirando, siempre con respeto, hacia el desierto.

EL TOPO (TINKER TAYLOR SOLDIER SPY)

John Le Carré, seudónimo de David Moore, escribió esta trama hace ya casi cuatro décadas. Este muy buen novelista de espionaje de la guerra fría, será siempre recordado por las versiones fílmicas de obras llevadas al cine como “El espía que surgió del frío”, “La casa Rusia”, “El sastre de Panamá” o “El jardinero fiel”, aunque quizá no tanto por este “latonero sastre soldado espía”, claves tontas que identifican a varios de los personajes y que dan el nombre a un filme de lento ritmo para las preferencias de la época que corre.

Varios nombres tan importantes como Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill), Tom Hardy (Ricki), John Hurt (Control), Mark Strong (Jim), Benedict Cumberbatch (Peter), Stephen Graham (Jerry), Ciarán Hinds (Roy), Toby Jones (Percy), dan vida al mundo misterioso de estos “espías de oficina” llevados a héroes del orden internacional con unos pocos enfrentamientos y mortales traiciones.

Le Carré utilizó al personaje de Smiley en numerosas de sus obras y es ello lo que llama la atención hacia Oldman, quien por lo demás abusa del patetismo del personaje para merecer, supuestamente tres nominaciones y dos premios por esta actuación. Oldman no ha sido reconocido en premios por notorios papeles como Sid Vicious, Drácula, Beethoven o de asesino convincente en muchas oportunidades del buen cine de acción. Pero acá, su representación del inteligente espía cansado (“mendigo”), no le favorece ni amerita suficiente atención a este filme. Si bien la factura de producción fílmica es impecable, el lenguaje enreda la trama que se desenvuelve al final, sin justificar la vasta novela en un guión tan apretado.

ASESINOS DE ÉLITE (KILLER ELITE)

Dirige Gary McKendry esta producción americoaustraliana, con el enorme atractivo de un título que atrae taquilla para la acción y un poster con los renombrados Jason Statham (Danny), Robert De Niro (Hunter) y Clive Owen (Spike). Además de la reconocida receta de bala, golpes, saltos, persecuciones, “tough guys”, menciones internacionales y dinero, Statham y Owen solo simulan ser invencibles uno contra el otro en el rescate de un exélite De Niro, envejecido y deprimente en un papel de muy baja estatura para su importante carrera.

Aparte de los anteriores “valores” y de estar basado en hechos verídicos escritos por un tal Ranulph Fiennes (simplemente casi homónimo de un reconocido actor inglés), en un librillo, bestseller de aeropuerto y supermercado, denominado "The Feather Men, este es un filme hecho con la sola intención de explotar los nombres del elenco, en una trama reiterada muchas veces en la cinematografía de consumo adolescente.

Las muletillas de moda en Colombia

Cuando no se tiene que decir, o no se sabe cómo decirlo formalmente, o se quiere simular que se le puede expresar de manera docta pero no se quiere hacerlo en el momento, por concesión con los interlocutores o audientes, ... el colombiano y la colombiana, a todo nivel de edad y posición, están abusando de las siguientes muletillas:

..un poco...
...digamos...
...el tema de...
... no sé...
...como...
...digamos como que el tema...
...no sé, un poco como...
...no sé... un poco... como... el tema de....

Incluso se está tratando de pensar que es de buen tono usar estas MULETAS para cojos del lenguaje.

DIARIO DE UN SEDUCTOR (THE RUM DIARY; LOS DIARIOS DEL RON)

El director de este filme es Bruce Robinson (66), quien fue actor joven de algunos afamados como Zeffirelli, Truffaut o Russell, los mejores directores de los años setentas. Su primera esposa fue la sex symbol de los años sesentas y setentas, Leigh Taylor-Young, quien filmó en Colombia “The adventurers”, de Lewis Gilbert. Luego, este exitoso actor se convirtió en guionista regular, no por lo asiduo escritor, sino por lo poco trascendente de sus historias. Luego dirigió unas tres películas y hoy veinte años después vuelve a hacerlo.

Esta producción tiene el tono cultural de lo que Robinson conoció bien. La época de los cincuentas y sesentas y quizá en ello radique algún valor del filme, por su recreación de vestuario y autos.

Se trata de una historia sobre Paul Kemp (Johnny Depp), basada en una combinación de realidad y ficción, trabajando para el periódico “The San Juan Star” en Puerto Rico. Mucho ron, violencia y locura, lo enfrentan a grandes inversionistas que desean convertir parajes y playas hermosas en sitios de recreo invadiendo la paradisíaca naturaleza con polución turística. Los métodos que utilizan para lograr sus propósitos sobrepasan cualquier oposición para, finalmente, lograr que Kemp vuelva al continente.

Es un argumento basado en el libro “The Rum Diary” por Hunter S. Thompson, caracterizado como periodismo “gonzo”, donde el autor es primera persona de sus relatos y participa de los hechos en medio de sus adicciones, todo lo cual reflejan los amigos de Kemp en la película.

Amber Heard (“Furia Ciega”, con Nicolas Cage), pone el tono sexi al argumento, convirtiéndose en el punto de encuentro del periodista con Aaron Eckhart (“Dos caras”, en Batman), quien enlaza a los ingenuos periodistas del “Star” con la naciente pero eficiente mafia de constructores y empresarios.

Depp, colgado de sus gafas y amparado bajo un sombrero, no logra ser ningún seductor como lo anuncia el poster, solo un desordenado escritor del diario del ron que se beben los demás. Hay hálitos frescos cuando aparece la rubia o se observa el mar, o ambos. Por lo demás, se siente un vacío a la salida de la sala de cine.

FURIA DE TITANES 2 (WRATH OF THE TITANS)

Después de “Clash…” llega “Wrath…”, tratando de acomodar algo de la mitología griega a los deseos de grandilocuencia visual del público en las taquillas. Los titanes son los hijos del cielo (Urano) y de la tierra (Gaya). De varios titanes y titánides esta saga muestra solo a Cronos (el Saturno romano) y sus hijos Zeus (padre de los dioses y del cielo y el trueno, simil del Júpiter romano), Hades (el Plutón romano) y Poseidón (dios del mar).

Los habitantes de Argos han sufrido en la anterior entrega el embate del furioso Kraken quien pedía el sacrificio de la Princesa Andrómeda en venganza por la destrucción de una estatua de Zeus. En ello estaba involucrado Hades. Perseo salva a la ciudad y a la vez a su padre Zeus de ser derrocado, luego de haberse enfrentado a Escorpiones y también conseguido la cabeza de la gorgona Medusa.

En la presente entrega Cronos, que había sido derrocado por los tres hijos y enviado al profundo Tártaro, hace trato con su traidor hijo Hades y con Ares (dios de la guerra, símil del Marte romano) sobrino de este, también traidor luego, para capturar a Zeus.

Argenor (semidios hijo de Poseidón), Hefestos (dios caído hijo de Zeus) y Perseo (hijo semidios de Zeus, quien lucha por su hijo Heleo) buscan recuperar a Zeus, con la ayuda de la ahora Reina Andrómeda. Perseo usa su Pegaso (caballo alado nacido de la sangre de Medusa), se acompaña de los Cíclopes (hijos de Urano: Areges, Brontes y Estéropes), quienes se convierten en aliados.

En “Wrath…”, Perseo vence al Minotauro. Una gran confusión pues quien lo hace en el mítico griego es Teseo (otro dios fundador, eso sí, con Perseo) ayudado de Ariadna.

Jonathan Liesbeman, un director de cine B (“Masacre de Texas: el comienzo”, “Batalla de Los Angeles”, “Killing Room”), hace un gran esfuerzo por conjugar el talento de estrellas como Worthington, Neeson, Fiennes, Pike y Houston (llama la atención la presencia de Edgar Ramírez, el venezolano de “Carlos –el Chacal-“, “Saluda al diablo de mi parte”, “Che”, en el papel de Ares).

Esta producción de US$150 millones hace parte de una franquicia de propiedad de Warner Bros que ha tenido producciones en 1981, 1996, 2010 y ahora 2011. Esta última entrega quizá no logre retornos del nivel de los US$500 de su antecesora inmediata que alcanzó 300% de utilidades. Aunque el franquiciado de la mitología griega es una inmensa veta argumental está siendo explotado por la industria fílmica solo por su ángulo fantástico, desperdiciando quizá sus contenidos histórico, cultural y filosófico, de enorme trascendencia en la cultura occidental.

ESPARTACO: VENGANZA (SPARTACUS: VENGEANCE)

“Spartacus: Gods of the arena” como precuela, “Spartacus: Blood and Sand”, primera temporada y “Spartacus: Vengeance”, la segunda temporada, que acaba de ser emitida, representan una de las series de TV con elementos técnicos de gran altura fílmica y componentes dramáticos de estupenda raíz teatral.

En “Spartacus” son manejados de excelente forma sus “sketchs” violentos en cámara lenta y cuerdas, sus “blood and wounds”. También, las “sex scenes” de pictórica grecoromana, los escuetos pero artísticos escenarios, el magnífico guión de conjunto y las figuras gramaticales metafóricas y de tono “shakesperiano”, que deberán continuar.

“Fugitivus”, “A Place In This World”, “The Greater Good”, “Empty Hands”, “Libertus”, “Chosen Path”, “Sacramentum”, “Balance”, “Monsters” y “Wrath of the Gods”, fueron diez episodios de la segunda temporada, que contaron la gesta de gladiadores desde su rebelión en el ludus de Batiatus, hasta la batalla del Vesubio ganada por Espartaco, Crixus, Oenomaus y Gannicus, Agron y Varinus, además de los otros libertos, contra Glaber y Ashur.

¿Por qué ha de continuar esta excelente serie histórica? Según los datos alrededor de esta rebelión contra Roma, quedan pendientes de dramatizar la dura respuesta bélica del Imperio y el desenlace de la guerra servil, tema sin el cual STARZ, la empresa productora, dejaría trunca la exitosa puesta en escena de esta interesante época del desarrollo social y evolución política después de la Monarquía, en la etapa de la República Romana, hacia el Imperio y su posterior decadencia. Debe, por tanto, venir una esperada tercera temporada de “Spartacus”.




Nota sobre STARZ

El sistema empresarial integrado de Starz Entertainment Company, LLC, cuenta con redes de televisión, distribución en formatos digital y en DVD, descargas de Internet para cualquier matriz de dispositivos portátiles. Son dos empresas: Starz Entertainment y Media Starz.
Starz, LLC es una subsidiaria controlada que opera Starz Media y Entretenimiento y pertenecen a Liberty Capital Group (NASDAQ: LCAPA) y Liberty Starz (NASDAQ: LSTZA). Estos códigos Nasdaq significan que las correspondientes empresas juegan, desde el año 2005, en la National Association of Securities Dealers Automated Quotation, la bolsa de valores electrónica automatizada que nació con al auge de empresas de internet alrededor del año 2000. En esta bolsa de valores perteneciente a la llamada “nueva economía”, se incluyen empresas de vanguardia en electrónica, informática, telecomunicaciones, biotecnología y otros sectores avanzados.
Con fuerte operación de servicios en los Estados Unidos, tiene 17 canales premium, marcas registradas Starz (19 millones de suscriptores) y Encore (32,8 millones de suscriptores), que transmiten más de 1.000 películas y series originales mensualmente en PPV. Distribuye su programación propia y adquirida mediante minoristas para el hogar, teatros, radio, televisión e Internet.
Starz está relacionada con productores de dibujos animados preferidos, como "Los Simpson", "King of the Hill", productores de acción en vivo de televisión, tiempo real "Wisegal" y SCI FI Channel, "La maldición del desierto". Con Anchor Bay Entertainment en América del Norte, Gran Bretaña y Australia. También con Manga Entertainment, distribuyendo Anime.

MELANCOLÍA (MELANCHOLIE)

En la racha de películas cercanas al tema del augurio Maya para el presente año, esta es una de las mejor logradas. Lars Von Trier, teórico del Dogma 95, ha sido poco respetuoso él mismo de este paradigmático esquema de producción de cine. No lo aplicó con “Bailarina en la oscuridad”, ni en todos aquellos en los cuales edición, la iluminación, la actuación estrictamente guionada, acompañados de más de dos cámaras y otros factores técnicos, lo demuestran.

Este filme tampoco es dogmático “95”. Partiendo de un elenco bien acoplado al plan de producción. Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg interpretan a Justine y Claire, la depresiva y la melancólica. Kiefer Sutherland hace un John. iniciado en astronomía, que deduce que el paso cercano del planeta que da el nombre a la película, podrá ser una colisión con la tierra. John descubrirá esto y, en contrario que su esposa y cuñada, no podrá resistir la idea del fin.

Por lo demás Rampling, Hurt, Skarsgard y Kier aportan reconocidas caras y apellidos para el mercado mundial y, fundamentalmente, el americano.

Según diversas interpretaciones, la película tiene su origen en un dramaturgo, un músico y una actriz. Jean Genet, Richard Wagner y Penélope Cruz, en su orden, ejercieron su influencia en el filme. Genet, a través de su primera obra “Las criadas” (1947); Wagner mediante su “Tristan e Isolda” (1865) que inunda el filme en cuestión como respaldo incidental. Cruz (2010), como receptora de los agradecimientos del director por una idea simple. De toda forma, estas insinuaciones son solo una especulación parcial y aparentemente acertada, por parte de quienes desean impregnar de "trivias" el entorno de una película.

Genet trató una historia basada en la realidad acerca de dos hermanas con profunda unión de espíritus (almas siamesas), que asesinan a su ama y la hija de esta. Wagner, ilustró su tercer acto en la ópera aludida con la imagen de Isolda que muere al ver el cadáver de su amante (muerte de amor), atmósfera que rodea al filme y se justifica con el suicidio de John. Cruz, porque iba a hacer el rol de Claire en la segunda parte (o segundo acto) de “Melancolie”, además de haber aportado esbozos de la historia en el guión de Von Trier, pero que no pudo hacerlo por compromisos siendo reemplazada por la hija de la inolvidable Jane Birkin y de Serge Gainsboroug, todos cantantes de la ola baladística francesa.

El filme es de ficción catastrófica y no de “SciFi”, lo cual solo es un mote interpuesto por aquellos que piensan que si se hacen ciertas referencias simples sobre los planetas, hay ciencia en esta película. El gran logro de Von Trier es realizar una obra, dentro de una mansión en cuya terraza y jardín se sufre el fin del mundo. Lo que algunos tecnicistas americanos quizá no hubieran podido imaginar sin un “armageddon” de por medio.

SÓLO UNA NOCHE (LAST NIGHT)

Es catalogable como un “mirror film”. El público se mira de manera narcisista en los protagonistas, trata de cotejar su modo de vida con la propia, absorbe "marcadores" sociales y, una vez más, cree que una tarea muy extendida es la de ser escritora o escritor, lo cual explica el ocio constante de los personajes para ir de flirt en flirt.

“Una sola noche”, así también se ha traducido, y no es lo mismo, es escrita por Massy Tadjedin, directora y guionista iraní (de quien solo se sabe que estudió literatura inglesa en Hardvard). Diane kruger y Patrick Dempsey hacen roles de una infidelidad que no se consuma, aunque pudo haber tenido como origen la pasada relación de sus personajes.

! Perdón, no son ellos !. Son Keira Knightley y Guillaume Canet (es que se parecen demasiado). Las contrapartes amorosas con Sam Worthington y Eva Mendes.

Guillaume Canet, un actor francés aceptablepero mejor director de una opera prima con varias nominaciones y con la cual recibió el César 2007: “No se lo digas a nadie”, o “Ne le dis à personne”, excelente y recomendable filme del cual viene pronto un remake gringo.

En “Last Night” no sucede mayor cosa importante, solo la trampa tendida con cuatro estrellas en juego, realizando un filme subliminal (no sublime) para que los asistentes al teatro crean verse a sí mismos, o hagan catarsis de lo que puede ser pero no ha sido, con este intrascendente gasto de boleta debido a la carnada del elenco.

TAN FUERTE, TAN CERCA (EXTREMELY LOUD & INCREDIBLY CLOSE)

De Steven Daldry todo se puede catalogar como bien dirigido. “The hours”, “The reader”, “Billy Elliot”, “Eight” (su corto inicial de 13 minutos) … y “Extremely…”. En la primera demuestra su maestría en dirección de grandes actrices y actores maduros como Meryl Streep, Julianne Moore, Nicole Kidman y Miranda Richardson; en la segunda a Kate Winslet y Ralph Fiennes. En “Billy…” y “Extremely.-..” a niños excelentes como Jamie Bell (“Tintín”) y el novel Thomas Horn.

Thomas llena la pantalla en esta película sencilla que va “in crescendo” dramático cuando se propone una búsqueda de las que su padre (Tom Hanks), fallecido el fatídico 11 de septiembre, le había enseñado a llevar a buen término venciendo temores. A través de ella, sabrá que su madre (Sandra Bullock) siempre ha estado en su mismo camino, que los abuelos (Max Von Sydow y Zoe Caldwell podrán continuar juntos, que muchos desconocidos se harán cercanos, que unos pocos están ligados a él de manera puramente fortuita (Viola David, Jeffrey Wright) y que todos son parte del mismo mundo. De la vida que debe continuar.

Una buena música de Alexander Desplat, el eterno nominado. Un bien escrito guión del experto Eric Roth (“Forrest Gump”, “The insider”, “Munich”, “The good Sheperd”, “The Curious Case of Benjamin Button”), sobre novela de Jonathan Safran. Todo ello, para un mensaje local que conmueve de manera universal, el de un niño que pierde a su padre “el peor día de su vida (11/11/01)”, pero ello le ayuda a comprender a la comunidad en derredor, las diferencias étnicas que le rodean, los temperamentos sociales con el común denominador de la vecindad, la familia y la solidaridad, a pesar de no poder resolverle su pregunta sobre la misteriosa llave. Todo un recorrido infantil incierto que lo lleva a la madurez de la certeza que podrá vivir sin su padre, ese extraordinario amigo perdido.