Los abrazos rotos

Pedro Almodóvar Caballero (60 años) trae su película de 2009, pues desde que inició la productora El Deseo S.A. realiza una por año, ya como productor o director (además de músico y actor). Ha producido importantes películas de Álex de la Iglesia (Acción mutante, 1993); Guillermo del Toro (El espinazo del diablo, 2001) o Isabel Coixet (Mi vida sin mí, 2002 y La vida secreta de las palabras, 2005) y otra media decena.

Cannes, César, Donatello, Goya, Bafta y Oscar le han premiado. Cuál es su secreto, cumplir con la ley de Zam, escribiendo y dirigiendo sus propias ideas.

¿Qué distingue a Almodóvar? Todos los sabemos sin equivocación. El rojo y los demás colores básicos. Sus mujeres, comunes y corrientes, no tan bellas muchas de ellas (Cecilia Roth, Carmen Maura, Victoria Abril, Marisa Paredes, Angela Molina o Rossy De Palma). El interés gay, quizá por su propia naturaleza personal. España, pues no rueda en otros sitios. La industria fílmica, base de buena parte de sus guiones casi autobiográficos (éstos últimos le deparan la etapa de reconocimiento internacional). El cine clásico de los cuarentas a sesentas en blanco y negro que, además, ha influido en el ritmo plano y en el manejo de tiempo casi real de sus producciones.

El arte de Almodóvar es sencillo: colores brillantes Kodak y Fuji, escenografía pop tipo “Andy Warhol”, música punk y flamenca, actrices que comparten su universo personal.

Almodóvar, el escritor, es un básico reflejo del tratamiento llano y plano del idioma castellano. ¿Por qué el cine español de calidad tiene ese tono impersonal en sus voces? Los actores ibéricos están dominados por la morfología de los guiones escritos y éstos, a su vez, por el respeto a la puntuación. El punto, la coma, los puntos suspensivos, las comillas y paréntesis o los signos de exclamación e interrogación, son su sino. Los actores hispanos se detienen, al observar en su memoria un punto. Lo piensan, al recordar una coma. Crean vacíos, en los puntos suspensivos. Alzan la voz, para exclamar y la bajan, para preguntarse a si mismos, tal como el guión lo indica.
El guión es “cibernética” para un actor español convirtiéndolo en robot hablante. “Los abrazos rotos” permite volver a concluir en esta característica actoral. Prueba de ello es que Jordi Molla, Antonio Banderas, Penélope Cruz o Javier Bardem no tienen ese tinte esclavo de la morfología escritural, se oyen mejor y más naturales, son permeables a los idiomas extraños y alcanzan las cimas ya conocidas. Sus demás colegas nacionales no se han podido desprender de esta actuación-lectura.

Por lo demás, Almodóvar el argumentista es primario. Pasada la mitad de un filme suyo hará que cada protagonista revele una verdad que nunca ha sido insinuada ni por el texto ni por la cámara. Pero con ello ajustará misterios, evitando creativos flashbacks visuales y sustituyéndolos con la edición plana, en el mismo tono y color, de escenas que se suponen del pasado. Los finales de Almodóvar resultan en sencillas confesiones que entraman acomodaticiamente un escrito fácil. Todo en productora El Deseo es sólo un deseo de hacer cine, que no se traiciona dejando de ser espontáneo y fácil. Es quizá esta sencillez y previsibilidad del arte de Pedro y Agustín, su hermano productor, lo que genera respeto en el público internacional.

El Solista

Joe Wright, tiene el mérito de haber dirigido las bellas Pride & Prejudice, de 2005, y Atonement, de 2007 (ambas con la reconocida, pero disléxica y anoréxica, Keira Knightley). Pero a Wright se le alcanza a salir de control The Soloist, de 2009. Confió quizá en que contar con Jamie Foxx (premio Oscar como Ray Charles) en el rol del esquizofrénico habitante de la calle, Nathaniel Ayers virtuoso frustrado del chelo, y con Robert Downey Jr, como el periodista Steve Lopez, quien escribe una nota sobre el anterior personaje en The Angeles Times, era suficiente. No.
Además, el sobreactuado Downey no ha aplicado bien sus talentos sino para fungir de su reconocido Chaplin, de 1992 (como anotación 12 de sus 60 películas, han sido hechas bajo la dirección de su homónimo padre o, en otras con la producción de su madre).
El filme sorprende en cuanto descubre un ambiente tipo “calle del cartucho” en Los Angeles. Despierta expectativas, pero tiene pocos momentos de belleza musical y le faltó buen guión y dirección de actores.

Flame y Citron

El cine danés puede recordarse por Gabriel Axel y El festín de Babette, 1987; Bille August y Pelle el Conquistador, 1987 más “Las mejores intenciones”, 1991 sobre Ingmar Bergman. Se le puede recordar también por el movimiento Dogma con Lars von Trier, Thomas Vinterberg “Todo por amor”, 2002, Søren Kragh-Jacobsen, Lone Scherfig o Nils Malmros, “El árbol de la ciencia”. Dogma 95 aportó algo de renovación hasta que amplió sus perspectivas técnicas con la dolorosa "La Bailarina en la Oscuridad" (de Trier, con Björk y Catherine Deneuve).
De esas ramas del árbol cineasta danés proviene Ole Christian Madsen, director con tres películas reconocidas: La razón de Kira, 2001; Praga, 2006 y ‘Flame y Citron’ 2008.
Esta última lleva el mote de la más costosa de este cine “nacionalista”, con 10 millones de euros. La sorpresa por este presupuesto debe provenir de ese mundo minimalista en costos que es el Dogma.
Es una coproducción de Alemania, Dinamarca y República Checa, filmada en Berlín, Copenhague y Praga, respectivamente. Su guión es de Lars K. Andersen en compañía del mismo director, Madsen. Thure Lindhardt hace el rol de Bent Faurschou-Hviid, Flame (pelirojo) y Mads Mikkelsen actúa como Jorgen Haagen Schmith, Citron (apodo por la planta de Citroen).
Stine Stengade, hace un excelente papel femenino de Ketty Selmer. Por lo demás, Peter Mygind (Aksel Winter), Mille Lehfeldt (Bodil), Christian Berkel (Hoffman) y Hanns Zischler (Gilbert), componen la banda inicial, hasta que la pareja protagónica se aparta y actúa como sicarios independientes.
Flame es un antifascista enemigo del gobierno pronazi desde el 9 de abril de 1940. Citron, es hombre de familia, mujer e hija, sombra y chofer de Flame (es la reconocida cara como archienemigo de 007 en Casino Royal). ¿La correo Ketty, o el intermediario Winther?, es la pregunta que genera la aparición de traiciones de los superiores de la Resistencia e impulsa a la pareja protagónica a querer asesinar al jefe de la Gestapo, Hoffmann.
El valor principal del filme reside en estar basado en hechos reales y testimonios sobre la vida de Bent y Jorgen. Es una mezcla de historia de espionaje y nazismo en la II Guerra Mundial, pero se adentra en las dudas personales de esta especie de “Butch” Cassidy y “Sundance” Kid, aquella película gringa con Paul Newman y Robert Redford (de allí que el reconocido Festival fundado por Redford tome el nombre de su personaje), de la cual quizá haya un remake con Tom Cruise y John Travolta.
Esta comparación adelanta entonces lo que es el final de la pareja F&C. La película es bella en color, escenografía (las ciudades que mira son algunas de las más hermosas del mundo), las actuaciones demuestran un profesionalismo poco subjetivo. ¿de dónde provienen sus defectos de ritmo y excesos de paneos? Haber descargado la responsabilidad de un presupuesto y medios técnicos relativamente altos en las dos manos de un director Dogma, con mentalidad de trabajar con un dedo. Y, por último, romper con la Ley de Zam: dirigir y escribir el guión, pero al compartir este último, generando vacíos, sin enriquecer la trama.

Invictus (Morgan Freeman como Nelson Mandela)

Invencibles, es producida y dirigida por Clint Eastwood. Es una película basada en el libro de John Carlin "The Human Factor: Nelson Mandela and the Game That Changed the World", cuyo texto se lee actualmente en Colombia dentro de las universidades en temas políticos relacionados con la reconciliación y el posconflicto (Carlin, John. El factor Humano. Seix Barral. 2009).

La producción

La productora Malpaso, es esa empresa que inició el vaquero Eastwood con los US$270.000 que se ganó con su participación en el clásico de Sergio Leone “The Good, the Bad and the ugly”, con el ícono del cowboy del poncho y el cigarro “the man without name”, de la trilogía del dólar, y en la cual ha hecho toda su filmografía, dentro de la que recreó ese otro ícono de “Harry el sucio”, que alcanzó cinco partes de una saga policiaca del detective Callahan, además de ganar oscares y otros premios como director y mejor película en “Los Imperdonables”, el western de aquellos pistoleros arrepentidos, y “Million dólar baby”, la recordada camarera boxeadora que llega a la eutanasia. En estas películas le ha acompañado su amigo Freeman durante dos décadas (Clint tiene uno de siete hijos llamado Morgan), quien esta vez hace un respetable Nelson Mandela.
El filme utiliza imágenes originales de archivo que obligan a Eastwood a “emparejar” color con escenas filmadas en marzo de 2009. Este es una de las películas más planas de la buena obra de Clint. Se habla de que ha de estar en la lista de nominados de este año, pero quizá esto sea pensar con el deseo. Si lo logra, habrá un factor político impulsando los posibles premios.

El contexto

Nelson Mandela sale de la cárcel en 1990 luego de 26 años de llevar el número 466/64, gracias al ofrecimiento de Frederik De Klerk, presidente de la República por el Partido Nacional, quien cede para iniciar el desmonte de la segregación racial entre un 83% de negros y un 17% de blancos en el poder. Mandela y De Klerk compartiría el Premio Nobel de la Paz en 1993, y luego de las elecciones de 1994 serían ambos el primer presidente negro de Sudáfrica y el vicepresidente de una política de reconciliación nacional que buscaba transigir con el oponente partido Inkhata de mayoría zulú. Mandela gobernaría hasta 1999, con el interés básico por el proceso de transición acerca del cual creía que era indispensable eliminar los miedos a la contraparte, tanto de blancos como de la población negra.

La historia

Mandela se propone luchar contra la percepción que la población negra sudafricana tenía del rugby, un deporte del poder blanco, para lograr "que todos, blancos y negros, pelearan por un objetivo común" y "reconciliar las aspiraciones de los negros con los temores de los blancos". Se vale del Mundial de Rugby de 1995 para que los Springboks, símbolo de la etnia opresora, fueran vistos como bandera nacional por encima de las brechas raciales. Cuando se llegó la fecha del mundial, la población negra, que no había jugado este deporte, ya lo conocía y lo aceptaba gracias a las giras de los Springboks por el país.
Paradójicamente, gracias a Mandela, este equipo de rubios (solo había un jugador negro) aprendió un himno en lengua zulú, que se había cantado en las protestas de los negros durante décadas en sus manifestaciones contra la minoría blanca dominante.
La selección sudafricana vence en el último minuto a los legendarios e invencibles All Blacks, y su estrella Jonah Lomu, de la selección de Nueva Zelanda por 15-12, con la ayuda de la estrella de rugby Francois Pienaar (Matt Damon). Con este partido se dio terminación al boicot deportivo mundial que el país había sufrido cerca de una década, utilizando el deporte más preciado en los países del área.

Resultados

En la realidad: el libro base del guión fílmico ha hecho énfasis en el factor humano, aquel que depende de las figuras representativas, de su influencia, de su carisma, de su liderazgo. Mandela y Pienaar, en el filme de talante deportivo, Mandel y De Klerk, en la vida política real.
Es por ello que la preocupación de Eastwood no va más allá del juego como un momento de emoción de masas en 63.000 espectadores y 43 millones de sudafricanos. Las bambalinas políticas de este momento, quizá agigantado por el peso bibliográfico y de prensa, han quedado en la sombra solo para historiadores y eruditos.
Se dice que el papel histórico de Mandela fue el de ser símbolo concreto de reconciliación racial, nada más. Las izquierdas se defraudaron con la afirmación de que se mantendría el capitalismo como modelo. Los resultados sociales y económicos no han sido los mejores: una población, un PIB total y un PIB percápita, similares a los de Colombia que, sin embargo, representan el 25% de la economía del continente africano. Pero, debe aceptarse que al contrario de Ruanda, Namibia y otros preocupantes sitios de conflicto en África y el mundo, en Sudáfrica se ha aceptado la amnistía limitada en interés de la verdad y de la reconstrucción nacional como el camino a una civilizada paz sin segregaciones que Mandela representa.

En Invictus: Matt Damon es solo un jugador, sin tintes dramáticos ni carisma alguno. El tratamiento del director es quizá menos subjetivo de lo que se espera de un producto artístico. Morgan Freeman logra parecerse físicamente al “Ghandi sudafricano”, al líder que reconoció estando en la cárcel que la lucha armada no era la vía.
En su rol demuestra un tardío y senil interés por el "rugby", a pesar que expresa haberlo jugado de joven, que lo “desocupa” de los problemas importantes en el manejo del Estado. Esto último, posiblemente, un verdadero reflejo de lo que fue el importante, pero fugaz, paso por el poder del personaje representado.
Corolario: ojalá Mandela sobreviva de sus achaques actuales de salud, con 92 años, y pueda asistir al campeonato mundial Fifa, de fútbol "soccer", que celebrará Sudáfrica como sede a partir de junio 11 de este 2010.

Pastilla sin sorbo

El Presidente de la República (poder ejecutivo) pidiendo, fingiendo ignorancia, que se eliminen los vencimientos de términos del código penal (poder judicial).
El Procurador General de la Nación (poder público, no poder judicial ¡!!) atreviéndose a anticipar y dar por hecha la inexequibilidad del voto en blanco previsto en la ley 1354 de 2009 y a emitir un concepto sobre el referendo (tarea de la Corte Constitucional), cuyo resultado es puramente político.
El Consejo Superior de la Judicatura (poder judicial, no es organismo de cierre), emitiendo fallo sobre tutelas judiciales, tarea de la Corte Suprema de Justicia (poder judicial, organismo de cierre).
La Presidencia (poder ejecutivo) tratando de introducir Fiscal General de la Nación de sus favores para detener funciones y decisiones que son propias de la Corte Suprema (poder judicial).
La Corte Constitucional (jurisdicción constitucional) compitiendo con la Corte Suprema (jurisdicción ordinaria), y viceversa, en asuntos de decisiones sobre fallos de jueces.
Falta una Secretaría de Movilidad para dirigir el tránsito de estos "trenes". El derecho y los abogados, los juristas y los políticos, están jugando con la opinión pública, dejando sin transparencia una serie de asuntos: Los funcionarios tratando de asumir funciones que no les son propias, entrabando la acción de los organismos justos e introduciendo ideas en la gente, que son erróneas, sólo buscan dificultar el ejercicio de las funciones de jurisprudencia y justicia, por parte de los buenos Magistrados con los cuales hoy cuenta el país.

Argentina y su Banco Central; Venezuela socialista

Presente año 2010
Argentina: Cristina Kirchner, peronista, destituye por decreto presidencial a Martín Redrado como presidente del Banco Central por no plegarse al pedido de utilizar reservas internacionales para el pago de deuda externa.

Pasado año 1943
Un nuevo golpe de Estado dirigido por el Grupo de Oficiales Unidos, GOU, en el cual el entonces Coronel Perón era uno de sus principales líderes introdujo cambios en la política económica que significó el alejamiento de Raul Prebisch de su cargo en el Banco Central de la República Argentina. Tres años después, ya como presidente, Perón nacionalizó el BCRA. Utilizaría la política monetaria para proveer demagogas y subsidiarias ayudas que contribuirían a que una economía, que fue a comienzos del siglo XX la tercera del mundo gracias a la carne y el trigo exportados, llegara a ser una de las más asoladas por las dictaduras y las inflaciones contra los propios “descamisados” peronistas de su pueblo.

Presente año 2010
Venezuela: Hugo Chávez, nuevo socialista, interviene la política cambiaria para establecer dos diferentes tasas frente al dólar, una baja para bienes esenciales y otra doblemente alta llamada petrolera.

Pasado año 1983
Desde la segunda etapa reformista, la China ha mantenido una autonomía cambiaria criticada por el mundo. Hoy, el gobernador del Banco Central de China, Zhou Xiaochuan, corrobora mantener una tasa diferencial que permite revaluación de la moneda, para favorecer las importaciones, y devaluación de la misma, para incentivar las exportaciones. Con ello logra un superávit comercial criticado por Estados Unidos, la Unión Europea, la Organización Mundial del Comercio, entre otros países e instituciones multilaterales.

Corolario
Ni los partidos políticos “tradicionales”, como el Partido Justicialista, antiguo Peronismo, o las teorías económicas “revisionistas”, como las del Partido Socialista Unido de Venezuela, logran desprenderse de costumbres ficticias de manipulación monetaria para ocultamiento de las verdades del sector real.
Desconocer la necesidad de autonomía de los bancos centrales en el manejo de la masa monetaria y de control de la inflación, así como de la complementaria libertad cambiaria y del comercio internacional, suelen ser herramientas desesperadas ante la incapacidad de haber asumido en su momento otras decisiones más realistas. Estas actuaciones anticipan males peores para las naciones que las acometen.

En el primer caso, el paliativo temporal usual es aumentar el financiamiento externo y subsidiar al empresariado con niveles altos de precios internos.

La consecuencia: endeudamiento externo trasladado a las siguientes generaciones e inflación como un impuesto oculto en contra de los más pobres.

En el segundo caso, el paliativo temporal está en el contento de países extranjeros, que exportan a la nación en cuestión, y de los agentes exportadores nacionales a quienes poco importa el equilibrio general de su propia economía.

La consecuencia: competencia desleal de la nación (China, Venezuela) frente al contexto global y desequilibrio de balanza de pagos a costa de sus socios comerciales y financieros.

La historia se repite, los políticos no aprenden y los pueblos asumen los errores de sus gobernantes.

Las cenizas de la luz

El director

Majid Majidi, iraní de 50 años, es director, productor y guionista de un cine que no olvida el teatro. Fue actor de cine y TV. Luego, en su obra directoral, vendrían “Baduk” de 1991, niños que llevan mercancías ilegales en la frontera Pakistaní, y “El padre” de 1995, el adolescente que a la muerte de su progenitor debe trabajar, ganadoras ambas de premios nacionales del festival de Fajr. Posteriormente, “Niños del cielo” de 1998, la pobreza reflejada en unos zapatos infantiles, ganadora del Gran Premio de las Américas del Festival de Montreal y primera película iraní nominada a los Oscar de 1999. “El Color del Paraíso” de 1999, la historia del niño ciego enfrentado a su padre, que repite premios y taquilla mundial. “Baran” del 2001, los refugiados afganos en el entorno de un niño, y “Las Cenizas de la luz” (Las cenizas del tiempo, The Willow Tree, entre otras titulaciones que le han sido dadas), de 2005, este penúltimo gran trabajo de dirección de un maestro de lo humano y su cotidianeidad, de la niñez y la ceguera, por algún motivo recurrentes en sus temáticas.

El actor y su personaje

Parvis Parastui, desempeña el rol de Yousseff, ciego a los seis años, ahora de 45, quien recupera la visión con trasplante de córnea gracias a un examen inesperado en Francia, del tumor que resulta benigno y permite el correcto diagnóstico oftalmológico.
Pero 38 años de ceguera le representan un vuelco mental y emocional, la disyuntiva de recrear una vida, o de inventar una nueva. Le horroriza la escena del aula de niños ciegos en la cual había enseñado poesía durante mucho tiempo. Le sorprende la visión física de su mujer, desconocida hasta ahora. Mantiene el amor por su hija de unos seis años, con quien ha establecido lazos de ingenuidad y juego. Sin embargo, la belleza lo impacta. No solo los objetos y el mundo a su alrededor, También, el bello rostro de su cuñada, quien según sus familiares “podría haber sido actriz de cine”, le hace cuestionarse. Un enamoramiento repentino de quien, a punto de graduarse y le pide examine su tesis de literatura, se convierte en la inflexión vital que le hace preguntarse por su vida prestada. Una vida que no había pedido ni escogido, de imágenes y estéticas a las que no había tenido derecho. Rechaza sus libros y su regreso al trabajo con alumnos y compañeros docentes, todos invidentes. No se sabrá por qué, rechazo biológico o emocional, retornará a la ceguera.
Gran actuación de Parastui, camina como ciego luego de recuperar la vista, solloza de manera conmovedora, tropieza y cae sin trucos, convirtiéndose en el personaje dentro del cual el espectador se representará asumiendo sus propios miedos.

El cine global y un resultado más

Antes se decía “mensaje a través del celuloide”, ahora hay que reconocer lo necesario de saber de otras latitudes mediante la imagen digital. Irán, como país, llega a nosotros como un foco de discordia geopolítica, como una nación de hombres embozados y mujeres cubiertas, de gobernantes retrógrados sumidos en el pasado, mitad guerreros y mitad religiosos. De rostros de barba y cuerpos provincianos. Toda una imagología alejada de los valores políticos y estéticos “occidentales” que hace poco taquillero, en principio, su cine, a los ojos de la América.
Hay que reconocer que un producto visual depende de la aceptación ética y estética de sus contenidos. De la semiótica de las razas y de sus sonidos verbales De aquí que la globalización de la cartelera, dependa de la sustracción que el espectador logre de preconceptos y prejuicios. Las caras orientales, los rostros asiáticos o africanos, en general, los vestuarios “extraños”, la pasividad o la falta de una “musicalidad acostumbrada” en sus voces, la “brusquedad” de sus movimientos corporales, van entrando en los sentidos gracias a que se ve en la pantalla a unas ciudades iguales a las nuestras, unas familias y unos sentimientos tan humanos como lo hemos sido ellos y nosotros, siempre.
Al igual que a Yousseff, el cine no monopólico descorre velos sociales ante nuestros ojos. Descubre mundos ensombrecidos por la gran prensa y la política interesada. Contribuye a reconocer como valiosos nuestros propios entornos familiares, sociales, económicos y emocionales. Genera autoestima nacional frente a esa mítica ansia de conocer países extranjeros con el supuesto de encontrar en ellos lo que nuestros congéneres no tendrían.

El cine de Majidi es uno de esos tantos otros que lleva a revalorar ese otro cine, el monopólico, por ahora ese es el adjetivo, que maquilla sus propias civilizaciones, superlativiza y, de preferencia, ficcionaliza. Ese cine “hollywoodense”, que no es malo. Pero sí, nos enajena y nos acompleja, nos provee de autoimágenes infravaloradas, de imágenes culturales engañosas. Todo ello dentro de un proceso que no es tan inconsciente para una industria multimedial que resume poderes muy grandes en el plano simbólico, en el campo ético, en el orden político y en el de la autoreflexión individual y de masas.

Corolario: Sin embargo, es aconsejable dejar de lado aquellos motes y clasificaciones subjetivas de cine “arte”, de cine “independiente” o de cine “no comercial” para cada película que nos gusta y que permite “renegar” de guiones occidentales y tecnologías sorprendentes, como si fueran anticulturales o dañinos. Lo que resulta deseable es asistir a, o bajar de internet, películas de todo género y “leer” cine ampliamente. Solo con contrastes culturales se objetivizan los criterios.

Pastilla 2009: ¿Cuándo alcanzará la China a los Estados Unidos?

Para intentar responder esta pregunta que el mundo se hace, el lector debe partir de los siguientes datos, como un pasatiempo de fin de año 2009:

SUPERFICIE
El espacio territorial continental del mundo tiene una superficie total de 174.814.000 km2, de los cuales Estados Unidos representa 9.826.630 (un 5,62%) y China 9.596.960 (un 5,49%).

PRODUCTO INTERNO BRUTO
El Producto Interno Bruto mundial nominal calculado es de US$49.563,53, de los cuales Estados Unidos produce US$13.820 (un 27.88% del producto de todos los países en su conjunto) y la China genera US$6.473 (el 13,06% de este PIB mundial).

POBLACIÓN
La población mundial está calculada en 6.706.993.152 habitantes, de los cuales en Estados Unidos hay 307.212.123 habitantes (4,58%) y en la China unos 1.338.612.968 pobladores (19,96%).

CRECIMIENTO ANUAL DE LA POBLACIÓN
La población estadinense tiene un crecimiento de 3,69% anual y la China de 6,29% al año.

CRECIMIENTO ANUAL DEL PIB
El PIB estadinense tiene un crecimiento de 2.50% anual y en la China de 9.00% al año.

INGRESO PERCÁPITA
El ingreso percápita de Estados Unidos es de US$46.300 anuales y el de la China de US$4.836 al año.

SUPUESTOS
El indicador de PIB representa simple Crecimiento
El indicador de ingreso percápita equivale a verdadero Desarrollo (nivel de vida promedio medido en US$)
El término variación se refiere a cambio porcentual anual
Se mantienen los datos de variación poblacional y de la producción actual en ambos países
El concepto de superficie no interviene y es considerable como equivalente para los dos países
Las tasas porcentuales d crecimiento que se proponen en las proyecciones se mantendrán anualmente por el cuarto de siglo proyectado.

RESULTADOS
El PIB de la China alcanza al de Estados Unidos en 14 años, año 2022
El ingreso percápita Chino sigue siendo la SEXTA parte del percápita estadinense.

PROYECCIONES AL AÑO 2033
Para que el ingreso percápita chino llegue a igualar al estadinense en el año 2033 (dentro de 25 años) se requiere que:
El crecimiento de la población china se reduzca de 6,29% a 0,48% (en 13 veces)
O, que el crecimiento del PIB chino aumente de 9% a 15,30% anual (1,77 veces la tasa anual actual)

CONCLUSIONES

Si hay dudas respecto de los datos del Banco Mundial, del Fondo Monetario Internacional, la Organización de las Naciones Unidas, Banco Mundial y de Eurostat, que son los utilizados acá, cada “jugador”, preferiblemente usando una tabla Excel, para evitar malas cuentas, propondrá las hipótesis personales que desee.
El crecimiento y desarrollo conjuntos de un país como China genera sinergias positivas para el resto del mundo, al igual que lo hace, quiérase o no, el de los Estados Unidos.
China puede ser motor del mundo, pero hay dos formas de hacerlo: como real polo de desarrollo cualitativo (su producto percápita sube y se equipara al de países desarrollados) o como simple taller industrial con mano de obra barata (crece y mantiene igualmente pobre a su población, lo cual sucedería dentro de 14 años, en el 2022).
Por tanto, para que la China sea un verdadero polo de desarrollo mundial y de sus nacionales, esperemos al año 2033, si nada extraordinario a nivel científico, tecnológico o bélico acontece.

Avatar

Significante y significado

Los avatar, son seres cuya denominación proviene, a través del francés, de la palabra sánscrita que en español ha significado ‘fase‘, ‘vicisitud’ o ‘cambio’. La juventud actual los entiende como elementos gráficos propios de la Internet y las tecnologías de comunicación TICs, que son representación humana, asociada a un usuario para su identificación. Se utilizan fotos, dibujos o figuras tridimensionales.
En la red comenzó quizá con el avatar que uno diseña de sí mismo en el correo Yahoo. Hoy se le podría equiparar a los Buddypokes que intermedian en las relaciones con amigos dentro de la red social Facebook.
Pero, el uso original del término es muy distinto, pues los diseñadores de juegos de rol, empezaron en "Habitat" en 1987 y en 1992 cuando populariza en la novela ciberpunk de Neal Stephenson titulada “Snow Crash”, desarrollada en el ámbito de la realidad virtual. En el reconocido juego "Los Sims", el avatar es una persona, tal como se utiliza también en “Second Life" con personajes en 3D online. Las figuras preferidas han sido las de estilo manga.
Pero, remotándose a su origen filosófico religioso, el avatar es propio del hinduismo, como la encarnación terrestre de un dios. Varios de ellos son Vishnú, y Krishná, su octavo avatar. El término sánscrito significa “el que desciende”.
Cristo, es otro avatar deidad, al igual que en otras religiones no hindúes Zoroastro (VII a. C.), Mahavira (599-527 a. C.), Buda (563-483 a. C.), Jiddu Krishnamurti (1896-1986), entre otros muchos creadores que fueron de nuevas religiones.
La llamada Nueva Era, los clasifica en Manusíacos (creadores míticos de civilizaciones poderosas como Manu, Rómulo y Remo, Mahoma, Manco Cápac, o Quetzalcóatl) Bodhisátvicos (fundadores de religiones o doctrinas espirituales como Buda, Jesucristo, Krishná, Lao Tse, por ejemplo) y Avatares no encarnados (tipo de ángeles que protegen a la humanidad sin encarnar, contradictoriamente).

Los tecnicismos

James Francis Cameron, director de 55 años tiene a su haber una docena de películas, algunas megatecnofilmes taquilleros. Cumple la ley de Zam pues quien escribe su guión y lo dirige con libertad, alcanza el éxito.
Cameron es el director y creador de una iconografía cultural contemporánea similar a la que un Spielberg haya logrado. La diferencia es su identificación con la biotecnología. Sus cabezas monstruosas, cyborgs y robots, combinadas con una ambientación derivada de la zoología marina y el reino protista, o Protoctista (conformado por eucariontes que no pueden clasificarse dentro de alguno de los otros tres reinos, como hongos, animales o plantas en forma de algas, protozoos o mohos mucosos).
Es por eso que en Avatar se mezclan seres voladores y marinos con la faz de “Aliens”. Seres submarinos y voladores como los que embellecieron su fabulosa “The Abyss” (titulada como Secretos del Abismo…). O robots pilotados como los que se han replicado en Terminators, District 9 recientemente (de Peter Jackson), Transformers (de Michael Bay) y muchas otras. La juguetería consumista está plena de ellos.
Cameron es, no el mejor, sino el director de megaproyectos muy propios del ego hollywoodense al que han de odiar los talibanes en el arte audiovisual. Su filmografía contiene desde avances técnicos, hasta secuelas exitosas, pasando por taquillas gigantescas. Son sus obras vendedoras The Terminator (director, guión, 1984), Rambo II (guión, 1985), Aliens, el regreso II (director, guión, 1986), El secreto del abismo (The Abyss) (director, guión, 1989), Terminator 2: El juicio final (director, guión, productor, 1991), Mentiras Verdaderas (director, guión, montaje, productor, 1994), Titanic (director, guión, montaje, productor, 1997).
Para Discovery Channel ha producido Aliens of the Deep, Expedition: Bismarck, Fantasmas del Abismo, Titanic Tony Robinson Adventure y La tumba perdida de Jesús, que generó un debate entre la ortodoxia católica.
Cameron es copropietario y CEO de Digital Domain, compañía de producción de tecnología de efectos visuales. Desarrolla la estereoscópica digital 3-D y su IMAX 3D y creó junto al estudio WETA Digital, gran parte de la parafernalia de "Lord of The Rings" (Peter Jackson), de allí que District 9, de Jackson, tenga tantas similitudes técnicas e ideológicas con Avatar.
Avatar, el Proyecto 880, con presupuesto de más de US$300 millones y otros US$200 millones en publicidad es una resultado combinado de Computer-generated imagery, CGI (con seres vivos sobre pantalla azul), más un desarrollo de la captura del "rendimiento", técnica utilizada por el director Robert Zemeckis en The Polar Express y Scrooge, agregadas al perfeccionamiento de cámaras Sony estereoscópicas producidas expresamente para Cameron, todo aunado a la expansión de las salas con proyectores 3D instalados. Cuando empezó el proyecto 880 en 2005, Cameron recorrió eventos de la industria convenciendo a los cines para instalar proyectores de los cuales sólo había 79 en el mundo, hasta vender más de 5.000 en cines capaces hoy de proyectar 3D.
La Cámara Virtual, a través de capturadores de movimiento, “performance capture”, le entrega a Cameron directamente en el set una previsualización de la imagen final con texturas, luces, fondos, formas. Si el director mueve la pantalla de la Cámara Virtual, funciona igual que una cámara tradicional, pero reinterpreta la imagen desde el punto de vista que apunta la cámara, aumentada y real.

El mundo avatar

Con ayuda de lingüistas como Paul R. Frommer, profesor en la University of Southern California, y antropólogos, Cameron crea un universo de alienígenas, con montañas flotantes (símil del conocido cuadro de René Magritte), dragones voladores y criaturas, que le permiten plantear un discurso ambientalista un tanto incoherente.
La geografía: Na'vi Na'vi o “The People” habitantes de Pandora concentrados en regiones boscosas con elementos de varios continentes y climas; el Hometree, hogar espiritual y físico de los Omaticaya Na'vi, llamado Kelutral; Las Mountain banshee Na'vi llamadas Ikran, regiones montañosas de Pandora, que incluye las Hallelujah Mountains.
La zoología: Los Ikran, especie de equino-pterodáctilos; los Direhorse, temibles caballos con armadura; los Hammerhead Na'vi llamados Angtsìk, esos rinocerontes con cabeza martillo y cuatro ojos; Thanator Na'vi llamado Palulukan o “Dry Mouth Bringer of Fear” bestias con aspecto de pantera: los Viperwolf Na'vi llamados Nantang con rasgos de lobo.
En ese mundo de la luna Pandora, irrumpe la Resources Development Administration, RDA, la mayor organización no gubernamental en el universo humano, cuya función es, como corporación masiva, involucrarse en intereses de explotación minera, transporte, medicinas, armas y comunicaciones.
RDA concentra su viaje en el Interstellar vehicle, ISV, diseñado para transporte de personal, insumos, y equipo entre la Tierra y Pandora, y lograr la explotación de Unobtanium desde Pandora a la tierra. El poder de RDA es tal que enlaza estaciones espaciales con hipovehículos fuera del control de gobiernos y ansiosa de recursos industriales sin importar la afectación a la naturaleza.
Es el año 2154 y Jake Sully (Sam Worthington), ex-marine minusválido en silla de ruedas, viaja a la atmósfera tóxica de Pandora, dentro del programa Avatar, en el cual participa la doctora Grace (Sigourney Weaver), donde los humanos "conductores" unen sus conciencias a un avatar, o cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir al aire letal. Son genéticamente ADN humano, mezclado con ADN de nativos de Pandora, los Na'vi. La bella Na'vi, Neytiri (Zoe Saldana), es la contraparte nativa y amorosa, a la cual alude la balada central “I see you” de Leona Lewis, que hace referencia al desenlace en el cual solo después de la debacle y el apocalipsis desencadenado en medio del desenfreno antiecologista, racista, belicista y de confrontación de mundos de muy diferentes estadios de desarrollo, se reconocen uno a otro con sus propios cuerpos, su zoomorfia real, su esencia racional e inteligente, en comunión cosmogónica.

Cameron no tenía necesidad de convertirse en creador de ficción. La explotación de recursos naturales está ligada a la generación de conflictos internos, peyorativamente llamados “nuevas guerras”. El molibdeno y wolframio (África del sur), tungsteno (China, Bolivia, Rusia), diamantes (Liberia, Sierra Leona, Costa de Marfil, Angola, Namibia, Simbawe, Botswana…), coltán (Etiopía, Nigeria, Mozambique), son algunos de los ejemplos. De este último, el coltán. denominado “oro azul”, o “petróleo de barro”; combinación de columbio y tantalio, que es fundamental en la fabricación de aparatos tecnológicos como los celulares, se descubrió recientemente que hay yacimientos en Colombia (!!!).

Cameron tampoco requería idear la íntima relación de los Na´vi con la tierra. Los Lakota-Sioux en Estados Unidos, o las comunidades Kogi, Arhuaca, Sanká y Kankuama, de la Sierra Nevada, mantienen un cosmovisión que Daniel Quinn (1992) ha sabido interpretar con los “takers” o Hermanos menores (cultura occidental), y los Leavers, o Hermanos Mayores (primitivos), dentro de una visión etnocientista puesta en términos “occidentales” para su comprensión de la relación de la Madre Tierra con los indígenas. Los Na´vi “contactan su cola con las ramas, las raíces o algunos apéndices animales para establecer una íntima relación con la naturaleza, lejana de la visión cientista del invasor.
Cameron seria dentro de la industria fílmica un representante de la antropología neoestructural. Así como la ciencia positiva argumenta que “si lo puedes dimensionar, lo puedes controlar”, este tipo de artesanos californianos, basados en una burda adición de especulación y datos, lo cual no importa para el entertainment, pero suele aportar útiles dentro de la jerga referencial, puede expresar que “si lo puedes recrear, ver y nombrar, tienes una hipótesis válida”.

¿Dónde están las incoherencias e incongruencias de Cameron? Pertenece a la hiperindustria fílmica vanguardista californiana y cuestiona a las grandes corporaciones; es nacido en Canadá, ese importante hermano político y asociado industrial de Estados Unidos, y busca observar con ojo crítico a la gran industria. Hasta acá, bien pero inconsistente. Escribe un mensaje dicotómico de la sociedad industrial en el cual no hay sinergias entre las actividades, RDA no tendría enlaces con el gobierno y las restantes actividades industriales. Actúa como un ejército privado, sin que a nadie importe. La intromisión explotadora hace parte de un indiscriminado lassez faire – laissez passe dentro del cual el gobierno, estadinense se ha de suponer, hace parte pasiva y, por ende, de responsabilidad solidaria con los vejámenes a otras naciones.

¿Qué critica Cameron? Sería que otros como él puedan ser puestos en la picota de su película como “los malos”, simplemente. Le otorga el derecho a los invadidos de oponerse en defensa propia y vencer a los invasores, si pueden, con sus arcos y flechas, con sus creencias y sus semidioses.
¿Cuál es el mensaje ambientalista y pacifista? El de siempre, un mundo de inequidades, violencia y mercado que el espectador ya conoce y ante el cual seguirá absolutamente inerme.

Al tomar en serio a Cameron, en esta “Release 20.10 d.c.” que comienza el 1 de enero, como un seudocientífico que trabaja en ese laboratorio multimedia cuyos experimentos dominan el universo cultural del milenio, que es el cine, se podría decir que está dominado por su propio “avatar”. Al igual que aquellos que, en todas las áreas del conocimiento, mantienen sus vidas sus profesiones apegados a avatar´s librescos. Los economistas keynesianos, los psicólogos piagetianos, los administradores tayloristas o los seguidores de Peter Drucker, los abogados kelsenianos, los bobbianos, los francfurtianos, entre otros innumerables ejemplos de motes académicos, y todas aquellas tendencias a llevar una línea de pensamiento apegada a un autor, por importante que sea. El avatar cameroniano suena y truena, tiene sonido metálico, deslumbra, pero girará siempre alrededor de la fábula de los ejércitos, de las batallas y las muertes, de la conjunción de los espacios y los mares, de los espectadores y los dólares en abundancia.

Avatar podría declinar en una saga. Pero no parece ser la intención inicial. Si lo fuera, pertenecería al producto intertextual y multimedia que contiene una secuencia industrial de libro, película, merchandising (objetos, juguetes), y juegos electrónicos (ya viene Avatar, para Ubisoft).

Savage Grace

Barbara Daly Baekeland, es un personaje de aquellos que gustan a estrellas como Julianne Moore para continuar en el quinto round (nominación) en su lucha por obtener el Oscar. El equipo actoral que la acompaña en Savage es altamente profesional pero inocuo en cuanto a su curriculum, ya que desde el director hacia abajo no hay ni cantidad y, posiblemente ni calidad, medida en número filmes o en títulos recordables.
Julianne tiene 50 años, la misma edad de su personaje, y lleva 63 películas realizadas. Es el tipo de actriz con sello de diva en su rostro y va muy bien con el papel de esposa “plebeya” de Brooks, el heredero de la fortuna del belga inventor de la baquelita en 1909, Leo Baekeland, ese material no conductor de calor (todo lo contrario a lo que la ciencia busca hoy para ahorro de energía).
La interacción entre Bárbara y su marido, es tensa desde el comienzo. Su medio social es muy alto y se adorna de algunos intelectuales reconocidos como Marcel Duchamp, el pintor dadaísta-surrealista de origen francoamericano, o Carlos de Santiago, finalista en 1949 del premio literario español Nadal con “El huerto de Pisadiel”???, o con James Jones, el autor de una docena de libros entre los cuales reluce “De aquí a la eternidad”, llevado a memorable película. Precisamente la esposa de James, Gloria, amiga íntima de Bárbara, le había salvado a esta de un previo intento de suicidio.
Bárbara era una bella modelo (fotos) y había hecho algún casting para optar a ser una estrella hollywoodense junto con el actor Dana Andrews, pero, quizá por su matrimonio, no alcanzó este objetivo.

El dinero gratuito aburre, genera un clima social aislado, es simiente de distorsiones sociopáticas y germen de depresiones. Anthony, su hijo gay, había sido diagnosticado con esquizofrenia y tendencias paranoides pero no aceptaba atención profesional. La noticia del matricidio cometido por Anthony dio la vuelta al mundo en 1972 e, igualmente el posterior intento de asesinar a su abuela materna, quien le había hospedado a su salida de la cárcel en 1980. Tony argumentaba haber sido forzado sexualmente por su madre. Un año después, Tony aparecería muerto, sofocado con una bolsa plástica, sin haberse comprobado si fue suicidio, como se argumentó.
La película en su escenografía limpia y su cinematografía inmaculada se acogen bien al estatus social que retrata. El vestuario de Coco Chanel, quien, en la época, había diseñado toda una colección de su ropa con accesorios y adornos fabricados en bakelite, lo cual contribuyó a la supervivencia de esta industria en la depresión de entre guerras.
El guión es basado en el libro de Natalie Robins y Steven M. L. Aronson. No sabremos si el uno, el libro, o el otro, el guión, restaron importancia a los elementos que no aparecen en el filme y que la prensa ha dado por verdaderos. Sin embargo, de esta manera, la perspectiva que ha quedado de este caso es de tedio y relaciones disfuncionales, de ocio enfermizo y promiscuidad, sin buscar antecedentes mayores en las vidas de los personajes.

Crepúsculo y Luna Nueva (vendrán Eclipse y Amanecer I y II)

Las sagas se convirtieron hace un cierto tiempo en la supervivencia del cine. La saga es un tema largo digno de algún comentario aparte. Toda película que presuma obtener la preferencia del público anuncia ser parte de una saga. Algunas de las primeras fueron quizá, Hopalong Cassidy (la más larga de la historia con 66), James Bond, El Padrino, Star Wars … el Señor de los Anillos, Matrix, Harry Potter, … y un etcétera bastante largo. Un recuerdo curioso es reconocer en Sergio Leone dos sagas: Once upon a time (in América, … in the West) y los dólares (A Fistful of Dolars; For a Few Dolars More, the Good, the Bad and the Ugly … a Fistful of Dynamite, My name is Nobody, pudieron intentarlo).

Los American Pie, los superhéroes como Batman, Spiderman, Xmen, y muchos otros. O Silvester Stallone con su Rocky y su Rambo. Steven Spielberg con Indiana Jones, Jurasic Park, Transformers, son pruebas conocidas de la tendencia.

Tipos de sagas

Pero una cosa es la saga del cine (Leone), otra la saga literaria al cine (Mario Puzo – Coppola; Ian Fleming – 007), una muy diferente es la saga intertextual y multimedia (Narnia, Harry Potter) y otra la saga literaria intertextual al cine.

Hubo muchas sagas librescas que se quedaron en una sola película: Mundo de Tinta, Eragon, Jack Ryan, Capitán de Mar y Guerra, Entrevista con el Vampiro, son unos pocos ejemplos de los libros que se trasladan a la pantalla sin intención de continuidad o que resultan en errores de cálculo mercantil no pudiendo continuar con los siguientes volúmenes ya escritos previamente.

La saga intertextual y multimedia contiene una secuencia industrial de libro, película, merchandising (objetos, juguetes), juegos electrónicos, cuyo gran ejemplo es Harry Potter, productos los cuales son un fenómeno más reciente o recogen antiguas sagas para complementarlas con tecnología virtual de hoy (Un ejemplo son los juegos sobre 007).

Sobre la saga literaria intertextual al cine se diría que tiene una estrategia que juega alrededor de eslabonarla en un guión. Llena un vacío que se está formando con los jóvenes que ya no irán a leer los libros clásicos, solo con excepciones. De aquí la necesidad del lenguaje intertextual donde un significante evoca otro, un significado también y el uso de tecnologías fílmicas VFX MOVA, con la cual de un rol se pasa a otro (transformación de hombre a animal, movimientos sobrenaturales, etc.) permite reinventar el intertexto también a nivel virtual.

Si la tecnología visual lo permite, el texto lo podrá promover. De ahí que el libro y la película sean productos simultáneos.

Bram Stoker, escribe su novela gótica Drácula en 1897, cuyas secuelas han sido interminables y, un poco antes, Sutherland Menzies publica una fantasía terrorífica sobre hombres lobos llamada "Hughes, El Hombre Lobo" de 1838. George W. M. Reynolds 1846, Alejandro Dumas 1857, Sabine Baring-Gould 1865, y una veintena más de escritores propondrían nuevas versiones del hombre bestia. El cine utilizaría esta vena literaria de manera incansable. Recientemente, Whitley Strieber, desarrolla sus novelas modernas, The Wolfen (en el cine Michael Wadleigh dirige a Albert Finney, en 1981) y The Unger (en el cine Tony Scott dirige a Susan Sarandon, Catherine Deneuve y David Bowie en 1983), en las cuales mezcla estos míticos seres.


La saga reciente

En la línea vampírica y licantrópica moderna, Stephenie Meyer, 36 años escribe Twilight, 2005; New Moon, 2006; Eclipse, 2007 y Breaking Dawn, 2008. Su trama está de manera sutil inspirada respectivamente en: Orgullo y Prejuicio, de Jane Austen; Romeo y Julieta, de Shakespeare; Cumbres borrascosas de Emily Bronté; y El sueño de una noche de verano de Shakespeare.

Helen Catherine Hardwicke, 54 años, Christopher John Weitz, 40, David Slade, 40, son en secuencia sus directores. Weitz, dirige también los “Amaneceres”.

Isabella Marie Swan, 17 años, hija de padres separados, estudiante de secundaria, es la protagonista central. “Bella” se enamora y su vida pasa rauda entre los cuatro filmes con el deseo de ser transformada en vampiresa.

El intertexto es múltiple: Vampiros y Hombre Lobo, actuando como Superhéroes con superpoderes de fuerza, lectura mental, dominio mental, teletransportación y algunos otros.

Los miembros de la familia de Edward Cullen, son blancos, nobles de casta, fríos de sangre, juegan al béisbol, y le deben pleitesía a los Vulturis, quienes deciden vida y muerte, arreglan pactos y representan el supremo poder de los inmortales.

La familia y clan de Jacob Black, es mestiza, tribal, calientes de sangre, su deporte extremo es saltar acantilados, y pertenecen a los Quileute, que habitan una reservación en un parque natural.

Los vampiros nómadas son sádicos y rompen reglas, cazan humanos. Por el contrario, tanto los Cullen como los Black han aprendido a refrenar impulsos, con algunas excepciones, pero fueron enemigos entre sí y cumplen un acuerdo de no confrontación.

Hay aulas, clases, carros, motos, un mundo adolescente donde los padres se encuentran tras bambalinas y delimitados por los “18 años”. En los diálogos se reniega de las películas de acción, hay burla de los mitos urbanos y se encasilla a los mayores. Los textos relatan bien sus antecedentes literarios antiguos y recientes, para conocimiento del público de hoy, sin esforzarse en precisiones ya reiteradas hasta el cansancio en el cine. La factura y la edición son limpias y su esquema de mercado es exitoso.

La VFX MOVA permite las escenas irreales de manera decente y creíble. Como característica la producción no exagera su ritmo, ni el sonido ambiental. Las baladas románticas contextualizan de manera suave unos argumentos silenciosos, íntimos e introspectivos que interesan al espectador.

Se llega así a un segmento que representa las dos terceras partes del mercado mundial, el potosí del cine. No hay miedo ni terror, la sangre es protagonista solo a nivel de concepto esencial de la inmortalidad y del ansia (unger). El amor es la esencia de la saga, incluso sin sexo.

Por ahora, han llegado las dos primeras. Vendrán Eclipse (donde se verá a la colombiana Catalina Sandino como una vampira) y Amanecer I y II.

Pastillita Nobel

Cuando se observa a Barack Obama recibiendo su Nobel de Paz, justo o no, y haciendo alusión a Noruega como país copartícipe de la teoría y práctica de las guerras preventivas y defensivas, cabe recordar que las disciplinas con premios Nobel son los siguientes:

1. Física (decidido por la Real Academia Sueca de Ciencias, solo una de las academias reales y dedicada a promover las ciencias naturales)
2. Química (decidido por la Real Academia Sueca de Ciencias)
3. Literatura (decidido por la Academia Sueca, dedicada a fomentar el uso del idioma sueco, con base en la academia francesa y predecesora del modelo de la academia real española).
4. Fisiología o Medicina (decidido por el Instituto Karolinska)
5. Economía, (por el Sveriges Riksbank, Banco Central de Suecia). Oficialmente se llama Premio Banco de Suecia en Ciencias Económicas en Memoria de Alfred Nobel.
6. Paz (decidido por el Comité Nobel Noruego del Parlamento Noruego)

Por tanto, los concesores son diferentes y mientras que los primeros cinco premios son entregados en Estocolmo, la capital de Suecia, el Nobel de Paz se entrega en Oslo, la capital de Noruega.

La decisión más difícil (My sister´s keeper)

Nick Cassavetes cumple cn esta película con la ley de Zam: quien dirige en cine lo que él mismo escribe, logra siempre un buen producto. Este es un director y actor americano (50), hijo del también actor y director John Cassavetes y de la actriz Gena Rowlands.

Su guión se basa en la novela de Jodi Picoult, autora con 43 años y 19 libros, master en educación de Harvard, quien entre sus curiosidades ha escrito algunos volúmenes de “La Mujer Maravilla: amor y muerte”, para DC Comics. Sus libros tratan sobre el cuidado parental, los tratamientos de síndromes médicos en el hogar y, en general temas médicos puestos a disposición del interés educativo de ciudadanos comunes, presentados en audiolibros mediante ipods, y ha sido ganadora del New England Bookseller Award para ficción en el 2003. Toda una escritora de la modernidad práctica, tecnológica y multimediática.
Las calidades literarias de argumento y guión, se notan en el filme donde Anna, Abigail Breslin (13 años y más de media docena de candidaturas internacionales como mejor actriz por Little Miss Sunshine en el 2006), pide su “emancipación médica” respecto a su hermana Kate, Sofia Vassiliev (17), enferma de leucemia.
La madre (Cameron Díaz), abogada ocupada en cuidar la enfermedad de su hija, resulta enfrentada a un abogado (Alec Baldwin), por reclamación y demanda de Anna.

Con actuaciones muy naturales, el libro y el guión correspondiente se lucen tocando temas muy actuales sobre las relaciones entre la ciencia y la vida, los derechos individuales y la muerte.

No obstante, sin que sea una intención de la obra, el espectador se enfrenta a reflexiones acerca de una serie de temas y debates propios de comienzos del siglo XXI. Los derechos de los niños y su primacía sobre los de los adultos, la fecundación in vitro FIV (bebés probeta), la clonación de embriones con fines terapéuticos, biosalud mediante medicina regenerativa (células madre, terapéutica de plaquetas, etc.), las enfermedades terminales y la calidad de vida del enfermo, mayoría de edad y madurez infantil, emancipación médica (concepto jurídico no desarrollado), la donación voluntaria de órganos pares, el derecho a morir dignamente (ortotanasia) y, de paso, la eutanasia directa (activa o pasiva).

Solo algunos de éstos conceptos se manejan en “My Sister's Keeper”, su título original, pero pasan por la mente del observador, lo que es todo un logro de este tipo de cine posmoderno, de criterio tecnológico, multimediático y revisor de los nuevos esquemas de valores.

Esta película de tono familiar, que hará llorar a muchos, simplemente genera preguntas de carácter médico y jurídico, como las siguientes:

¿Cumplen las constituciones y las normas legales con la primacía de los derechos de los niños sobre los de los adultos?
¿Cuál es el verdadero ámbito de autonomía y libre albedrío en la vida de un ser fecundado in vitro con fines de apoyo terapéutico a algún familiar?
¿Es la clonación de embriones con fines médico regenerativos una oposición a la libre formación de la personalidad del individuo?
¿Es la preocupación por la calidad de vida de un enfermo el reconocimiento de su enfermedad como de carácter terminal?
¿Cómo resolver el criterio de distinción entre madurez infantil y mayoría de edad?
¿Cuál es la frontera entre la obligatoria sujeción a la patria potestad de niños no emancipados en los códigos civiles y el concepto de emancipación médica de los mismos?
¿La patria potestad justifica una donación involuntaria de órgano par con fines terapéutico-filiales?
¿Hace parte la eutanasia directa (activa o pasiva) del ejercicio de un derecho a morir dignamente (ortotanasia)? ¿Quién lo decide en niños y niñas?

“La decisión más difícil” no tiene la intención de generar respuestas a preguntas como las anteriores, pero sirve como justificación para recordar que, al amparo de las normas vigentes y de los desarrollos científicos disponibles, la humanidad se encuentra haciendo parte de un mundo en el cual ya se han planteado los derechos plenos sobre el propio cuerpo y la propia muerte, aunque en dependencia aún de los diversos grados de desarrollo que haya alcanzado cada sociedad específica.

Un Nobel para alcanzar la Paz mediante la Guerra

Del discurso de Barak Obama en la ceremonia de recepción del premio Nobel de la Paz en Estocolmo se desprenden los principios que prevalecen en la geopolítica actual acerca de la guerra. Quedó tácito que el Comité Nobel Noruego del Parlamento Noruego decidió otorgar la distinción bajo el precepto de que el fin justifica los medios, que la paz justifica las guerras preventivas y las guerras defensivas. Barack se presentó como “el Comandante en Jefe de una nación en medio de dos guerras, una de las cuales está por terminar. El otro es un conflicto que Estados Unidos no buscó, en la que estamos unidos por 43 países, incluidos Noruega, en un esfuerzo para defendernos y todas las naciones de nuevos ataques”. Noruega es así, juez y parte de la concepción contemporánea acerca del cómo alcanzar la paz en el mundo.

Barack recordó la guerra como algo que ha acompañado a la humanidad desde su comienzo y agregó el concepto de una "guerra justa" cuando se reúnan ciertas condiciones previas: si se hace como último recurso, o en defensa propia,… y si, siempre que sea posible, los civiles estén a salvo de la violencia.

En la estela de destrucción, y con el advenimiento de la era nuclear, se hizo evidente a vencedores y vencidos que el mundo necesita instituciones para evitar otra guerra mundial. El plan Marshall y otras estrategias de posguerra se justificaron pues “no ha habido una Tercera Guerra Mundial. El Comercio ha hecho a gran parte del mundo juntos. Miles de millones han salido de la pobreza. Los ideales de libertad, la autodeterminación, la igualdad y el imperio de la ley han avanzado con dificultad. Somos los herederos de la fortaleza y visión de futuro de las generaciones pasadas, y es un legado para que mi propio país este legítimamente orgulloso”.

Pero, en el nuevo siglo, esta arquitectura antigua está a punto de desplomarse bajo el peso de nuevas amenazas, entre las cuales el terrorismo que ha sido una táctica, con la tecnología moderna podría asesinar a inocentes en una escala horrible. Las guerras dentro de las naciones, las “nuevas guerras” por conflictos étnicos o sectarios, movimientos secesionistas, insurgencias y estados atrapan más civiles que soldados, siembran conflictos futuros, destrozan economías, generan refugiados y “nos obligan a pensar en nuevas formas acerca de las nociones de guerra justa y los imperativos de una paz justa”.

Debemos comenzar por reconocer la dura verdad de que no vamos a erradicar los conflictos violentos en nuestras vidas y que el uso de la fuerza no sólo será necesario sino moralmente justificado, dijo el Nobel Obama. ”Como jefe de Estado juré proteger y defender a mi país, … Yo enfrento al mundo como es, y no puedo quedarme de brazos cruzados frente a las amenazas al pueblo estadounidense. No nos equivoquemos: el mal existe en el mundo”. Barack lleva a la conclusión de que “las negociaciones no pueden convencer a los líderes de Al-Qaeda para que depongan las armas. Sin cinismo, es reconocer la historia, las imperfecciones del hombre y los límites de la razón”.

Obama se apropia del mérito de su país en haber logrado durante “seis décadas con la sangre de nuestros ciudadanos y la fuerza de nuestros brazos”… “promover la paz y la prosperidad de Alemania a Corea, y permitió a la democracia arraigarse en lugares como los Balcanes. … creemos que la vida de los nuestros será mejor si los niños de otras personas y nietos puedan vivir en libertad y prosperidad”.

Así que, los instrumentos de la guerra tienen un papel que desempeñar en la preservación de la paz. Parte de nuestro desafío, expresó Obama, es conciliar estas dos verdades aparentemente irreconciliables: que la guerra es a veces necesario, y que la guerra es, un nivel de expresión de los sentimientos humanos. Creo como jefe de Estado que se puede reservar el derecho de actuar unilateralmente, si es necesario para defender a mi país. El mundo se unió en torno a Estados Unidos después del 9-11, y continúa apoyando nuestros esfuerzos en Afganistán, por el horror de los ataques sin sentido y el principio reconocido de legítima defensa. Del mismo modo, el mundo reconoció la necesidad de enfrentar a Saddam Hussein cuando invadió Kuwait un consenso que envió un mensaje claro a todos sobre el costo de la agresión. Entiendo por qué la guerra no es popular. Pero también sé esto: La creencia de que la paz es deseable no es suficiente para lograrla. La paz requiere responsabilidad, implica sacrificio. Por ello, la OTAN sigue siendo imprescindible, fortalecer las Naciones Unidas, el esfuerzo urgente para evitar la propagación de las armas nucleares y buscar un mundo sin ellas. No se puede ignorar el peligro de una carrera armamentística en el Medio Oriente o Asia oriental. Cuando hay genocidio en Darfur, violación sistemática en el Congo o represión en Birmania, debe haber consecuencias. Y cuanto más estemos juntos, menos posibilidades tendremos de hacer frente a la elección entre la intervención armada y complicidad en la opresión. La paz no es simplemente la ausencia de conflictos visibles. Luego de 1948, si los derechos humanos no están protegidos, la paz es una promesa hueca.

Obama argumenta que “a la luz de los horrores de la Revolución Cultural, la reunión de Nixon con Mao parece inexcusable y, sin embargo, seguramente ayudó a China en una ruta en la que millones de sus ciudadanos han salido de la pobreza, y se conectan a las sociedades abiertas”… Es indudablemente cierto que el desarrollo rara vez se arraiga sin seguridad, también es cierto que la seguridad no existe, donde los seres humanos no tienen acceso a suficientes alimentos o agua potable, o al medicamento que necesitan para sobrevivir. No existe, donde los niños no pueden aspirar a una educación decente o un trabajo que soporta una familia. La ausencia de esperanza se puede descomponer una sociedad desde dentro.

Y respecto a la ayuda externa: ayudar a los agricultores alimentar a sus propios pueblos o naciones educar a sus hijos y el cuidado de los enfermos no es mera caridad .. también para enfrentar el cambio climático. Obama ve como peligrosa, “la forma en que la religión es utilizada para justificar el asesinato de inocentes que han distorsionado y contaminado la gran religión del Islam, y que atacó a mi país desde Afganistán”… “una Guerra Santa no siempre puede ser una guerra justa”.

Apoyado en citaciones de Gandhi, Kennedy y Luther King, reitera Obama que “podemos reconocer que la opresión siempre estará con nosotros, y todavía luchar por la justicia; admitir con rebeldía la privación, y todavía luchar por la dignidad; entender que no habrá guerra, y todavía luchar por la paz”. “Podemos hacer todo eso porque esa es la historia del progreso humano, que es la esperanza de todo el mundo, y en este momento de desafío, debe ser nuestro trabajo aquí en la Tierra”.

El mundo verá un conflicto internacional más en Afganistán, y la persistencia de los escenarios de confrontaciones internas como parte de la renovada moral de las armas para la paz. El Nobel se ha concedido a la aceptación de la idea de la responsabilidad histórica de América en preservar los principios de la democracia capitalista como moral de prevención y defensa de los logros de la civilización mediante la estrategia de la guerra.

Los fantasmas de Scrooge

De una época, el siglo XIX, sin medios audiovisuales, con imprentas manuales para edición local, surgieron grandes novelistas como Charles Dickens, de estilo realista y descriptivo, de ánimo crítico social, en esa misma etapa histórica que también motivó a pensadores como Carlos Marx o Friedrich Nietzsche, para no extender comentarios. Sus contemporáneos más notorios, el francés Alejandro Dumas (Conde de Montecristo, Los tres Mosqueteros, La reina Margoth, etc,); las hermanas Bronté (Cumbres Borrascosas); el italiano Alessandro Manzoni (Los novios); Honoré de Balzac (Piel de zapa, Eugenia Grandet, Papá Goriot …) y Gustave Flaubert (Madame Bovary y Salambó).
Mediante páginas enteras en los pequeños formatos de periódicos, estos escritores completaban por entregas a su público cada una de las novelas acaparando la atención hasta el punto de enriquecerse inconmensurablemente, en algunos casos. El principal ejemplo de ello, Dumas, quien poseía flota de barcos mercantes, castillos en varios continentes y una serie de amantes de diversa raza…
Charles Dickens en Inglaterra, había tenido un origen muy humilde que influye en su obra al extremo de que “A Christmas Carol” utiliza el tema de la navidad como una radiografía crítica de la época que llega a los niños gracias a la imaginación fantástica de algunos personajes, sin los cuales sería una historia solo comprensible para adultos.
Del “Cuento de Navidad” surge un ícono de la tacañería y el malhumor en Ebenezer Scrooge. Este rol ha sido interpretado en el teatro y en películas de dibujos animados por actores como Seymour Hicks, desde 1901 durante 35 años, Reginald Owen, en 1938, Alistair Sim en 1951, Charles Ogle, Albert Finney, Rowan Atkinson, Bill Murray, Michael Caine, James Earl Jones, Tim Curry, Patrick Stewart, Dean Jones, Simon Callow, Charles Goad, Cameron LeBlanc, George C Scott, Kelsey Grammer, Jack Palance, Henry Winkler y Jim Carrey (el reconocido Grinch). Este último aportando su voz y parte de su cara al dibujo animado de Los fantasmas de Scrooge.
En formato película se recuerdan “Scrooge; or Marley’s ghost” (1901), “A Christmas Carol” (1919), versiones mudas. En 1928 la primera versión hablada y en 1935, “Scrooge”, primera versión que incluía sonido ambiental. Luego vendrían una diez más entre 1936 y 2006, hasta el 2009, en una adaptación escrita y dirigida por Robert Zemeckis, con versión en formato 3D.
Dickens escribió unas veinte novelas. Un cuento de Navidad (A Christmas Carol) es su segunda novela corta, de carácter realista – gótico, que describe las circunstancias de la revolución industrial en el siglo XIX, donde el maltrato de niños y jóvenes trabajadores era una expresión de la sociedad proletaria de entonces, caracterizada por pobreza, prostitución, mendicidad, explotación obrera y signada por el miedo al aumento de la población como consecuencia de la industrialización y del colonialismo británico en el mundo. De allí la inclusión de la hipótesis de Malthus (la población crece geométricamente mientras los medios de subsistencia lo hacen aritméticamente) en algunas de las frases de Scrooge.
De Dickens se recuerda toda su obra literaria, aunque para las generaciones actuales son más conocidas “Oliver Twist” (1837–1839) con más de 21 versiones fílmicas, “David Copperfield “ (1849–1850) que se considera una autobiografía, e “Historia de dos ciudades” (1859), que describe los males sociales de la población durante la revolución francesa, Las novelas de Dickens son trabajos de crítica de la estratificación social de la sociedad victoriana, con una gran “empatía por el hombre común y un escepticismo por la familia burguesa”, que influyeron en la lectura de la realidad de su tiempo. Por ejemplo, se dice que Oliver Twist, contribuyó a que se hiciera la limpieza del actual arrabal de Londres que fue la base de la historia (La isla de Jacob) y sus personajes de prostitutas generaron un concepto humanizado de estas mujeres entre sus lectores y lectoras.
Así como Dumas, por ejemplo también, era una fábrica de relatos, con una división industrial del trabajo hasta el punto de delegar el esbozo del argumento a más de 61 escritores (uno por capítulo), un asomo de las estrategias de la industria del cine actual, Dickens se conoce como precursor del Diseño Gráfico, pues sus indicaciones previas a los dibujantes iban de la mano con las descripciones literarias de sus personajes, como se desprende de las viñetas originales, aportadas por Google, que reflejan bien el respeto de Zemeckis por el original.
El mismo Robert Zemeckis, artesano para las juventudes, creador de Regreso al futuro I-II, III; de ¿Quién engaño a Roger Rabbit?, película pionera de la mezcla de personajes reales y dibujo animado; Forrest Gump y Náufrago (Tom Hanks); El expreso polar (también Tom Hanks con la misma técnica 3D) y la reciente Beowulf (maravillosa recreación del poema épico anglosajón anónimo de 3.182 versos del siglo V), parece estar de acuerdo en que, una vez más se confirma al cine como la vía contemporánea para llevar la literatura a la enorme masa juvenil que, con mínimas excepciones en la población, ya no leerá obras clásicas.