LAS CARACTERÍSTICAS CENTRALES DE ALGUNAS DE LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2011

De las comentadas acá en el año 2011, en un orden simplemente alfabético y mediante una frase que pretende definir su mayor característica, se han escogido las siguientes películas como las mejores

127 HOURS (127 HORAS): banda sonora
AGORA: didáctica argumental
BRIGHT STAR: biografía
CAMINO: actuación infantil
CARANCHO : temática latinoamericana
CARLOS (EL CHACAL): objetividad histórica
DE DIOSES Y HOMBRES (“DES HOMMES ET DES DIEUX”; “OF GODS AND MEN”) : escenografía
EL ASESINO DENTRO DE MÍ (THE KILLER INSIDE ME; El demonio bajo la piel): thriller argumental
EL CISNE NEGRO (BLACK SWAN): versión fílmica
EL DISCURSO DEL REY (THE KING´S SPEECH): actuación
EL GANADOR (THE FIGHTER): actuación
EL GRAN CONCIERTO (THE CONCERT): guión
EL OCASO DE UN ASESINO (THE AMERICAN): estilística “western”
INSIDE JOB (TRABAJO CONFIDENCIAL) CINE Y POLÍTICA A ALTO NIVEL: lo mejor
LA EXTRAÑA (“WHEN WE LEAVE”; “DIE FREMDE”): feminismo argumental
LA PONTÍFICE (LA PAPISA; THE POPE): subjetividad histórica
LA REDADA (LA RAFLE): versión histórica
LAZOS DE SANGRE (WINTER´S BONE): actuación
LOS NIÑOS (THE CHILDREN): horror objetivo
MEDIANOCHE EN PARÍS (MIDNIGHT IN PARIS): nombres
MUERTE EN LA MONTAÑA (FROZEN): horror objetivo
NACIDOS PARA SER LIBRES (BORN TO BE WILD): realismo visual
SALUDA AL DIABLO DE MI PARTE (GREETINGS TO THE DEVIL): mejor producto nacional
SANCTUM (EL SANTUARIO): tecnicismo
SIN LÍMITES (LIMITLESS). Guión visual
SOUL KITCHEN: humor
SPARTACUS: GODS OF THE ARENA (ESPARTACO: DIOSES DE LA ARENA): objetividad histórica
THE KIDS ARE ALL RIGHT (LOS NIÑOS ESTÁN BIEN): temática y actuación
X - MEN PRIMERA GENERACIÓN (X - MEN FIRST CLASS): producción comercial

Cinco años y más de 300 comentarios han permitido unas 400.000 visitas y unas 250.000 lecturas por parte de españoles, mexicanos, venezolanos, argentinos, colombianos y otros de nacionalidades diferentes, desde Europa (Alemania, España, Francia), Norteamérica (USA) y Suramérica (todos excepto Uruguay y Paraguay).
Feliz 2012 !!!

MISIÓN IMPOSIBLE IV (MISSION IMPOSSIBLE: GHOST PROTOCOL)

Con una cierta dosis de humor para reírse de la ficción algo exagerada, Brad Baird es ahora el director de la cuarta entrega de la franquicia en manos de Cruise/Warner. El creador de esta historia, con 46 años de duración en la cultura de masas, Bruce Geller, murió a los 48 años en su avioneta Cessna en un escenario propio de sus guiones. Creó la mítica Impossible Missions Force, IMF, una agencia independiente de espionaje de cuyos guiones se realizó la serie de TV entre 1966-73 (7 temporadas, 171 episodios) y 1988-90 (2 temporadas, 35 episodios), dos etapas que no alcanzaron a conocer de la caída del muro de Berlín y de la finalización de la llamada “guerra fría” USA-URSS.

En el cine Ton Cruise ha hecho un merecido dinero con productos convencionales pero que le compiten a su contemporáneo 007 en Mission: Impossible (1996); M:I-2 (2000); M:I:III The mission begins (2006); MI III Mission: impossible Ghost Protocol (2011). James Bond tiene la misma edad en cine que MI en TV, los mismos ingredientes e igual contexto histórico-político, pero no han sido plagio ninguno del otro.

Los directores de la saga MI han sido en su orden I, Brian de palma; II, Jon Woo; II, J.J. Abrams; IV, Brad Bird, y la versión del reconocido mundialmente tema de Lalo Schifrin reinventada por Danny Elfman (I); Hanz Zimmer (II); Michael Giacchino (III-IV).

Se reiteran en la IV lugares comunes pero identitarios como “…la misión, si usted decide aceptarla… esta grabación se autodestruirá…”. A través de la franquicia se han inventado toda clase de trucos, de los cuales el acrobático Cruise en el cine prefiere las alturas. De lo poco que no ha podido abusarse es de las “máscaras” por difíciles, de lo cual hace un tanto mofa esta entrega. En TV era Peter Graves el siempre canoso Jim Phelps y en cine es Tom el Ethan Hunt de IMF. Por lo demás la cuota femenina (Barbara Baine en TV) siempre cambiante en cine y la cuota negra (Greg Morris en TV, Ving Rhames en cine).

US$458, US$547 y US$398 millones han sido en su orden los ingresos brutos, de los cuales su protagonista se ha llevado un aproximado 15%. Los presupuestos giran por película en US$70-80-125 millones y en esta IV de US$145 millones.

Vendrá la entrega V, de las cuales se dan pistas en la última llamada al celular de Hunt. El negocio fílmico es, casi definitivamente, de sagas franquiciables cuya continuidad depende del buen comprador y Cruise tiene solo 49 años. Peter Graves (murió de 84) tenía 64 años cuando filmó la última entrega de MI en TV. Podría quedar mucha tela para cortar y hay aun bastantes alturas en la arquitectura y la naturaleza del mundo para buscar el asombro del público.

Por último, ¿Por qué, siendo “Ghost Protocol…” filmada en 3D y parcialmente en Imax, ha sido comprada y exhibida en Colombia como un simple 2D? Los exhibidores saben que podían ahorrarse este costo puesto que la gente asistirá como siempre, afluencia que se hubiera reducido con boletas de mayor precio y un único teatro Imax. Es una lástima, puesto que la escena del Burj Dubai, edificio más alto del mundo con 828 metros y 186 pisos (156 habitables) inaugurado hace dos años, es para disfrutarla en Imax 3D. Cuando esté saturada la taquilla es de esperar con ansiedad que se traiga una copia para MI´filos.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (THE TREE OF LIFE)

Terrence Malick (68) cuenta con solo ocho filmes en algo más de 40 años. Es uno de los menos prolíficos directores de cine, escritor y productor. Pueden recordarse dos de sus filmes: “Days of Heaven” (mejor director Cannes), ante todo por el protagonismo de Richard Gere, y “The thin red line” (mejor director Berlín) con una distancia entre ellas de 20 años (1978…1998). Con “The tree…” (Palma de oro, Cannes) se gasta US$32 millones para hacer referencia al símbolo cabalístico y concepto metafísico judío, luego cristiano, hermetista y pagano, de las 10 Sefirot (Providencia, Sabiduría, Inteligencia, Misericordia, Justicia, Belleza, Victoria de la Vida sobre la Muerte, Eternidad del Ser, Fundamento y el Reino).

Malik es sirio libanés, filósofo (Harvard y Oxford), master (American Film Institute), docente (MIT) y periodista free lance. Entre sus curiosidades-extravangancias, firma cláusulas de no aparición gráfica o fotográfica, y alguna vez escribió el guión de una de las entregas de “Harry el sucio” (Clint Eastwood).

Este extraño director intenta una fusión filmofilosófica que no ha ido bien con las exigencias comerciales. Pero se le respeta como una de las visiones necesarias al oficio del cine y a su riqueza creativa. El “mensaje”, queda en el aire pero llega a muy pocos, siendo su falla. El estilo se parece a muchos momentos a un Lars Von Trier (en sus mejores momentos, por ejemplo la próxima “Melancholia”).

Alexandre Desplat aporta su siempre buena música, que pleno de nominaciones ha ganado solo con la reciente “The king´s speech”, quizá muy convencional.

La influencia de la parte de rodaje en la India se reconoce en el ritmo. El deseo de no canibalizar la innumerable cantidad de documentales se debe reconocer en que las tomas del espacio fueron realizadas con técnicas Imax y todo el material visual es original para este filme. Pero, aun así, para ojos avizores no hay nada extraordinario ni novedoso en ellas. Son imágenes grandilocuentes, pero planas. Aunque, como comentó Robert de Niro en su función de jurado en Cannes, “la película tiene el tamaño, importancia e intención como para merecer el premio”.

Para quienes no asisten al teatro con información previa, la película es aburrida en su primera mitad y tediosa en ambas. En ello incide la poca creatividad de las tomas sobre la naturaleza (de las cuales están saturadas los canales tipo Discovery) y la mínima opción actoral que tiene los protagonistas. Pitt simula rostro de padre severo años cincuentas y Penn arruga icónicamente su malhumorada faz de siempre, ambos con escasos textos.

El trailer promocional, el poster con Pitt y Penn, jalarán algunos pero pocos a la taquilla. Todos comprenderán la parte argumental pero echarán de menos la creatividad en el uso de una cámara que no esté simplemente absorta, en un argumento que no confunda tristeza con reflexión y mire con perspectiva optimista lo que Malick interpreta como rivalidad de la civilización y la persona humana con la naturaleza.

SPLICE (EXPERIMENTO MORTAL)

De Adrian Brody han llegado filmes como “Midnight in Paris”, como Salvador Dalí en desempeño regular e intrascendente, “Predator”, “The experiment” o “King Kong”, filmadas luego de su Oscar del 2002 por “The pianist”. Pero no llegan “Manolete” o “Giallo” en las cuales actúa medianamente. Aunque es fácil comprender que la taquilla colombiana prefiera adefesios vendibles que buenos filmes con segmentos de mercado pequeños.

Joel Silver y Guillermo del Toro están entre los productores de “Splice”, lo que permite entender su énfasis comercial. Delphine Chanéac es la bella modelo que personifica de manera suficiente la criatura resultante de este experimento, un efecto especial simpático aunque exagerado finalmente.

El “splice” es resultado del empalme (o injerto) de ADN y proteínas, el llamado “splicing” de laboratorio. Extenderse en elucubraciones, explicitaciones y comentarios sobrevalentes acerca del valor científico que pueda tener este cuento resulta en una tontería seudo intelectual. “Splice” es solo divertimento en forma de género “SciFi”, (ciencia que no es ciencia, porque simplemente es ficción, luego no amerita adentrarse en ello). No se debe exigir más. No es un error de los productores, sino una intención comercial que parece no haber podido recuperar en el mercado ni sus US$30 millones de costo. Luego, si ello es así, se comprobaría que el público no es tan tonto, excepcionalmente. Otros productos, de mucho menor nivel técnico, engañan a mayores masas de ingenuos sin que se pueda hallar explicación alguna.

El lado rescatable de “Splice” está en sus aspectos de producción técnica y en que permite preguntar de nuevo dónde está el valor agregado del ganador? de Oscar que se amparó en la bella historia de “El pianista”.

LA VERSIÓN DE MI VIDA (BARNEY´S VERSIÓN)

La vida de un hombre con suerte en los negocios y que vive la vida corriente de todo ser humano en este nivel. Viajes y amigos, novias y amigas, tabaco, bebidas y comidas, sexo normal y un amor sincero. Un hombre bien corriente (Paul Giamatti) signado por la duda de haber asesinado a un mejor amigo, quizá por celos, o por error. Una mujer (Rosamund Pike) con los talentos de aquella que todos quisieran como compañía en su vida. Mucha mujer para un hombre como tú, dice su propio hijo. Algo que suele pasar en ciertos niveles sociales.

Richard J. Lewis dirige de manera eficiente a un equipo y elenco que incluye a la leyenda de Dustin Hoffman, como el padre de Barney. Finalmente, una decorosa película de US$30 millones que parece no haber logrado recuperarlos en boletería.

De “American Splendor”, “Cinderella Man” y “Sideways” se recuerda al buen Giamatti (Globo de Oro 2011). Es un actor de primerísima línea, oculto tras su calvicie prematura y su flácida figura. Merece tener en cuenta como muestra de sus capacidades la actuación como el cruel King John de “Templario” (“Ironclad”), película que no lucirá en taquillas debido a la terrible actuación de su protagonista (James Purefoy).

Rosamund Pike es un dechado de elegancia y clase. De ella se recuerdan “Pride & Prejudice”, “Promise land”, “The libertine” y “An education”.

La versión de Barney no solo da una explicación a la muerte de su amigo. Es la versión de una vida cualquiera, como todas, que gira en cortos años en torno a unos pocos amores, unos queridos hijos, unos amigos pasajeros pero influyentes, unos viajes intrascendentes, muchas comidas, más rutinas y el declive, en este caso por esa pérdida de memoria de corto plazo y la conciencia dolorosa de lo que puede estar pasando al final del camino. La película está dedicada a la memoria de Mordecay Richler, reconocido escritor canadienses autor de la novela base del guión.

LA REDADA (LA RAFLE)

Jean Reno (63) jala en cualquier poster de cine. Su figura de antihéroe ha pasado de lo cómico a lo violento o a lo delincuencial en muchas películas de las cuales se recuerdan en Colombia básicamente “El Inmortal”, “Wasabi”, “Ronin”, “León” o “Les rivières pourpres” I y II, de todo un largo etcétera.
En “La rafle” le acompaña Mélanie Laurent (28), esa destacada actriz de “Inglourious Basterd”, “El concierto” o “Beginners” (pronta a llegar). Otra figura en esta cinta (mejor, disco) es Gad Elmaleh, una de esas caras cómicas de “El juego de los idiotas”.

Todo lo escribe y dirige una poco reconocida Roselyne Bosch, quien realizó el guión de la hermosa “1492 Conquest of Paradise” del maestro Ridley Scott.

Alrededor del tema de la oprobiosa etapa del nazismo de la primera mitad del siglo XX se ha hecho toda una “biblio-escul-picto-filmografía” mundial. Es inacabable la creatividad artística alrededor de este tema histórico que permite esa combinación de “vida-amor-dolor-guerra-ideales-familia-política-aventura” que es mucho de lo que el cine requiere.

De allí que al ver “La redada” no se puede menos que recordar la filmografía de los setentas y ochentas de ese estupendo cineasta griego Costa Garvras. Este director iba de temas sobre la primavera de Praga, pasando por la mano negra en Guatemala, los movimientos fascistas en Estados Unidos, hasta la dictadura uruguaya o chilena, casi sin revelarlo pero con intención explícita en películas como “Z”, “La confesión”, “Estado de sitio”, “Sección especial” o “Desaparecido”.

Acá en “La rafle” se está en una redada que lleva al Velódromo de Invierno, cercano a la Torre Eiffel, a 4000 niños y 9000 adultos judíos alrededor del año 1942. Por la época de la ocupación en Francia fueron deportados más de 75.000 judíos, de los cuales solo hay evidencia de supervivencia de 2.500 de ellos.

El episodio en mención, lleva a recordar a Costa Gavras y su conocida película “Missing”. En esta película de 1982 hizo una tratamiento de los hechos acaecidos en el Campo de Prisioneros que se implementó dentro del Estadio Nacional de Santiago de Chile. Allí murieron acribillados el cantautor Víctor Jara y 15 personas más en 1973, luego del golpe a Allende. Durante esta redada se infestaron las alcantarillas de manera nauseabunda y se vigiló con aterradoras ametralladoras manpuestas en las partes altas a 5.600 personas, de las cuales un número indefinido desaparecería. Treinta años después de las prácticas masivas de los nazis se repetían estas mismas en las prácticas neonazis de la oprobiosa etapa de las dictaduras de derecha en Centro y Suramérica. “La Raffle” no divertirá, pero deberá entristecer, porque es una historia cierta que no muy difícilmente se corre siempre el riesgo de ser repetida en cualquier país.

LA EXTRAÑA (“WHEN WE LEAVE”; “DIE FREMDE”)

¡Qué sorpresa interesante! Una actriz porno muestra su excelente dramaturgia como madre rebelde, autónoma, no dispuesta a la sujeción frente a la violencia conyugal y las anacrónicas tradiciones familiares.

Feo Aladag (austriaca de 39 años), actriz y escritora, dirige a la talentosa Sibel Kekilli (31 años) para relatar una historia en el entorno turcoalemán actual. De la excelente Sibel se ha visto en Colombia “Contra la pared” de Fatih Akin, el relevante director turco de “Al otro lado” y de “Soul Kitchen”, también excelentes filmes (ver en este blog)...

Estas referencias son del tipo que se ya hace común en el arte del milenio, en la cinematografía globalizante. El cine es ahora algo diferente de lo que se hacía a mediados del siglo XX. Las ciudades, su arquitectura, sus culturas, pasaban ante los ojos del espectador de tal manera que siempre quedaba la incertidumbre sobre si habían sido escenografías, o recreaciones hollywoodenses, o costosos viajes de una “trouppé”, un elenco y “crews” técnicos, enviados con el fin de acopiar información visual e intercalarla con las icónicas figuras de los sets norteamericanos, amparadas en el “makeup”, el “costume” y los artificios de la industria. Mucho de la producción de los cincuenta a ochentas fue así. En la década de los noventa comenzó a despejarse el panorama de barreras fronterizas, arancelarias, políticas y culturales. Hoy aún queda la barrera de los distribuidores y propietarios de las cadenas de salas de cine. Son el único impedimento, por obvio conflicto de intereses, para que se vean los buenos productos de pantalla grande originados a través de toda la geografía mundial. Las excepciones hechas por parte de estos mismos distribuidores son etiquetadas como “cine arte”, “cine alternativo”, “cine independiente” ¿??

Pero, volviendo a Sibel, se encuentra información en la red acerca de que ha hecho 11 filmes porno entre 2002 y 2004, para contar luego con una seria estela de 9 importantes filmes en cinco años, el último de ellos “La Extraña”. Su argumento muestra circunstancias y sentires comunes a muchas familias de cualquier lugar del mundo y se desarrolla en Turquía y Alemania. Pero, lleva un tanto a engaño pensar que esta historia es propia de musulmanes sunitas mayoritarios en la Turquía actual. Estambul (junto con Ankara) es una ciudad altamente occidentalizada y Alemania asume su migración en más de tres millones de turcos.

En esta moderna ciudad, la esposa es considerada aún “propiedad” de su marido y el eventual “abandono” de su hogar la marca como “puta”, debiendo soportar “unas bofetadas de vez en cuando”. La problemática intrafamiliar se desata con el hecho que Umay, el personaje femenino central, se canse de ser un objeto de su esposo, un ejemplar más del machismo con raíces culturales y religiosas.

¿Hay diferencias con este lado del mundo? No. En la práctica los hechos cotidianos y los finales crudos dentro de “familias” que forzan su unidad social a costa de permanecer disfuncionales e infelices, suceden a diario en la cultura occidental. Los desenlaces a nivel mediático simplemente se malexplican como “pasionales”, de “celos” o se malinterpretan como disputas conyugales, como locuras imprevistas, como un usual resultado de las rutinas y sinsabores de pareja. Tras de ello solo hay una priorización de la crítica social sobre los criterios emocionales con carácter de pareja, e incluso filial. Se da más valor al parecer social que a la felicidad individual y por ello muchas de las respuestas violentas son originadas en el orgullo propio, herido por la mujer independiente que no cuestiona su derecho a ser feliz.

FISH TANK

De la feminista Andrea Arnold (escritora y directora), básicamente del medio televisivo, llega algo tarde esta historia sencilla, realista, que refleja el común de las historias juveniles urbanas, insertas en limitaciones, presionadas por las hormonas y en conjunción con adultos que sin alcanzar la madurez plena parecen gustar de no dejar de ser adolescentes.

La chica en edad de rebeldía, algo asocial y con sentimientos PETA, con pasiones de la edad, como la música y el baile, pero suficientemente consciente de que es mujer tan atractiva o aún más que su madre. Mía (Katie Jarvis) baila como para ingresar a un concurso pero con el gran cuidado de no caer en las redes de cazadores de ingenuas para el negocio stripper.

Connor, su “padrastro” (Michael Fassbender) cae, sin quererlo y con cierta dosis de ética de amante de la madre de Mía, en una red de ingenuidades y pequeñas mentiras que serán fatales. Fassbinder muestra indicios de lo que ya es hoy, uno de los actores con competencias para permanecer en primera línea del star system.

El pequeño film muestra también indicios de talentos de la actriz y de la directora, que permitieron destacarse en Cannes y Bafta, pero que aún no ha generado, mayores pruebas, que es deseable esperar en el caso de Jarvis.

Arnold dirigió el cortometraje “Wasp”, premiado Oscar en el 2005 y en el 2006 su “opera prima” el largo “Red Road”, dentro del denominado “The Advance Project”. “The advance…” consiste en una idea de Lars von Trier, Lone Scherfig y Anders Thomas Jensen, en la que tres directores dirigen cada uno una película empleando los mismos personajes. Este “Red Road” se llevó en Cannes, el Premio del Jurado en 2006. Andrea Arnold pertenece así a grupos de “hacedores” de cine europeos, experimentalistas en manejo de guiones y en puestas en escena, reacios a tener que aceptar demasiado libremente que el lenguaje fílmico resulta algo muy difícil de innovar sin historias que jalen y presupuestos que lo permitan.

FATAL OBSESIÓN (THE RESIDENT)

Antti Jokinen (finlandesa) del medio televisivo, dirige a la “bioscar” Hilary Swank, una doctora que cae en la atracción por su casero. A Jeffrey Dean Morgan, el algo tardío galán que se ha destacado solo en un buen papel de malvado superhéroe, el “Comedian”, en la siempre recomendable “Watchmen”, y quien acá es una mezcla de inmaduro fisgón, voyeurista y psicópata.

Resulta curiosa, una de las tantas pequeñas pero constantes apariciones de Christopher Lee, el nonagenario Drácula de 1958 a 1974, cara y voz del terror de siempre, que está acá como representante de la vieja “Hammer Productions”. La “Hammer” a partir de 1935 fue dueña de las películas góticas, de las historias de vampiros y de las puestas en el cine de algunos cuentos de Edgar Allan Poe y produce este filme intrascendente.

Sustos previsibles, de sorpresa más que genialidad, acecho y las tradicionales escenas finales de “pelea por tu vida”, solo justificadas por los nombres de la bella y el anciano, que no se lucen.

EL HOMBRE SOLITARIO (SOLITARY MAN)

Una película dirigida “al alimón” por Brian Koppelman y David Levien, los mismos de “Ocean's Thirteen”.

El hombre solitario es Michael Douglas, un personaje de la industria que por sus ancestros y su misma experiencia es uno de los peces en el agua de Hollywood. De allí que “huele” fácil los guiones para los cuales trabajar. Se puede afirmar que el talento de Douglas son las relaciones públicas, porque conoce y le conocen ampliamente, y la selección de guiones. No hay film de Michael que no merezca atención por su historia. Esta fue la película que hizo antes de adentrarse en la lucha con un cáncer y en realizar "Wall Street 2".

Le acompañan Susan Sarandon como su exesposa, quien aún le comprende bien; Danny DeVito el amigo restaurantero en una universidad; Mary-Louise Parker, una exesposa reciente con hija sexi, Jesse Eisenberg, el chico cara-nerd-ñoño, recientemente popularizado por “Facebook” y que ha sido compañero en papeles jóvenes e inteligentes junto a grandes estrellas. Y está también Imogen Poots, la sexi veinteañera que, sin quererlo, demuestra a Ben, el personaje de Douglas, que ya no ha de madurar en lo sexual ni en los negocios.

“Solitary man” es una historia de la coincidencia del gusto por las mujeres y del éxito fácil. Ben ha sido éxitoso en los negocios dentro del clásico “american way of life”, carros, dinero, conquistas constantes, simpatía y glamour. Pero todo eso ha sido resultado un poco de la suerte. Cuando los negocios decaen le quedan sus habilidades de conquistador. Retoma la lucha con base en este dudoso talento y recibe una gran lección de la generación actual. Las niñas inocentes de hoy no lo son tanto y manejan sus atributos con candidez y sin ingenuidad. Cae en la trampa precisamente con quien menos debió hacerlo y pierde la gran oportunidad de reinicio de su carrera en el comercio de autos.

Este es un de los tantos ejemplos de la crisis de otoño-invierno en la vida de un hombre, obnubilado con tanta veinteañera hermosa en una universidad de la cual ha sido mentor y donante, y también hastiado de las arrugas que llegan a quienes han sido sus amantes. Cae el exitoso, cae el conquistador, siguen pasando las bellas jóvenes frente a él y cae el telón.

COLOMBIANA

Olivier Megatón es un director televisivo. Sin embargo ha hecho tres películas de “acción” que van en declive. “Hitman”, un interesante filme lleno de lugares comunes pero presentados de manera novedosa a través de un héroe casi invencible. “Transporter 3” con Jason Statham, mejor que la terrible 2 pero peor que la 1. Ahora “Colombiana”, en descenso de las anteriores.

Esta fórmula de acción debe tener novio tonto buenmozo (Michael Vartan) y antagonista superenemigo (Jordi Mollá, especializado en estos papeles). Cataleya la colombiana (alusión sutil a la orquídea emblema nacionalista), es interpretada por Zoé Saldana una experta bailarina y stuntwomen para el cine. Dos “Star Trek” (2009, 2012) y tres “Avatar” (2009, 2014 y 2015) la continuarán elevando en el panorama de papeles de caucásica o indígena futurista.

En este filme jalan la producción de Luc Besson y la presencia de Robert Mark Kamen en el guión. Pero la intervención en todo por parte de Luc es notoria. Europacorp, su empresa, hace el estudio. Entonces el resultado es una “Nikita-Leeloo” (Leeloo es el personaje de Mila Jovovich en “The fifth element”) vengativa por la muerte de su familia a manos del clásico “druglord” en Colombia.

La niña crece y aprende a matar porque se lo propone como meta y se lo enseña de manera descarada su tío Emilio Restrepo, quien asesina a cualquier desconocido para hacer demostración a su sobrina. La única referencia real a Colombia está en el título y en la tapa de una alcantarilla marcada como Bogotá. Nada más allá de la recurrencia al estigma del país por ser de los más notorios productores y narcodistribuidores del mundo.

La película lleva todos los ingredientes de este tipo de productos: muerte, persecuciones a pie y en auto, explosiones, escapes, asesinatos perfectos, sicariato ejercido por la colombiana, etc. Pero no tiene el nivel acostumbrado por la producción de Luc Besson quien después de “Big Blue”, “Nikita”, “The fifth element”, “León”, producidas entre 1988-1998, solo ha escrito rescatable los “Transporter” 1 y 3, y producido 55 películas más de las cuales es rescatable solo la excelente “Taken” (2008), con Liam Neesson.

A pesar de cargar la imagen negativa, pero cierta, de país narco, a los colombianos les hubiera gustado que Besson hubiera tenido un mejor logro titulado así. Pero no se alcanzó.

La película tiene claros problemas de edición. Faltan enlaces entre escenas y entre argumentaciones. Es un dominó donde solo empatan las acciones de los “stuntmen”. Un punto bajo para Europacorp, aunque con el título se hará rentable en taquilla.

CUANDO EL AMOR ES PARA SIEMPRE (RESTLESS)

Mia Wasikowska, la “Alice in Wonderland” de Tim Burton y la Joni de “The Kids are all right”, es Annabel, quien no quiere solo morir de cáncer sino de amor. Estas historias se han reiterado en el cine multitud de veces, quizá nunca con el éxito de Alí McGraw en “Love Story” de Arthur Hiller hace cuatro décadas, de Shirley McLaine en “La fuerza del cariño” hace treinta, de Julia Roberts en “Dying Young” de Joel Schumaker hace veinte, de Sarah Polley en “Mi vida sin mí” hace casi diez.

También hay más de una veintena de buenas y aleccionadoras películas sobre niños y niñas enfermos terminales, en todas las cuales estos desean vivir el muy poco tiempo restante jugando o amando. En general, la moraleja suele ser que la muerte no es tan compleja y que la vida lo es tanto como para que pocos días signifiquen mucho en ella.

El director gay, Gus Van Sant (59) es excelente siempre en el tratamiento de temáticas homo y de interpretación del mundo adolescente.

“Mala Noche” (1985), “Drugstore Cowboy” (1989), “My Own Private Idaho” (1991), “Even Cowgirls Get the Blues” (1993), “To Die For” (1995), “Good Will Hunting” (1997), “Psycho” (1998), “Speedway Junky” (1999), “Finding Forrester” (2000), “Gerry” (2002), “Elephant” (2003), “Last Days” (2005), “Paranoid Park” (2007), “Milk” (2008), “Restless” (2011) representan su obra total hasta hoy, más algunos cortos.

Con el añejamiento estos títulos cobran mucha vigencia en un autor de culto. Sus temas recurrentes han sido las relaciones homosexuales, los jóvenes perdidos en la drogadicción, el “underground” social o la militancia por los derechos civiles. Es reconocido por haber filmado con River Phoenix, hermano de Joaquin, (My own…”) y haberle hecho un homenaje póstumo en la siguiente (“Even…”). También se le reconoce por su versión de la matanza de Columbine en 1999 filmada en el 2003 (“Elephant”) y por sus 9 oscares y versión del guión ganador escrito al alimón por Matt Damon y Ben Affleck (“Good…”). Pero igualmente, por su copia descarada y declarada de Hitchcock (“Psycho”). No se le identifica bien con su argumentación sobre lo que pudo haber pasado con Salinger, el autor de “El guardián en el centeno” (“Finding…”). Pero sí por su cuadro fílmico sobre Kurt Cobain (“Last…”), o por haber aportado la opción a Sean Penn de ganarse su primer Oscar (“Milk”), además de un etcétera de hechos relevantes tras todos sus especiales filmes.

Van Sant es marginal, sus películas, sus mundos y su mirada a la sociedad marginal lo hacen así. No ha tenido éxito comercial. Ha obtenido reconocimiento con grandes premios en “Good…” y “Milk”, y una mirada curiosa hacia “Elephant”. Por lo demás, hay que mirar el conjunto para valorar el fondo de su obra.

En “Restless” tiene la mirada más suave de sus filmes puesta en el aislamiento de dos jóvenes. La muerte ha dejado solo a Enoch con su tía y ha llenado de soledad a Annabell por su inminente fallecer. Se encuentran uno al otro buscando ambos desensibilizarse frente a la muerte asistiendo a entierros. Son chicos aislados en sus propias circunstancias. Gus Van Sant se hace a un lado en sus análisis de lo marginal de la sociedad actual para observar que la muerte también margina y cuando se acerca todos están solos frente a ella.

Van Sant ha manejado siempre temas juveniles con actores jóvenes. Una posible excepción es Sean Connery como Forrester (Salinger). Todos los demás, Penn, Phoenix, Dillon, Damon, Reeves, Thurman, Affleck, Michael Pitt, se ha ido convirtiendo en grandes luego de sus películas con Van Sant. Nicole Kidman tenía 27 cuando hizo esa asesina perfecta y bella que no podía ser detenida sino de la misma forma, en la película con menor tinte de autor que ha hecho Van Sant. Mia Wasikowska tiene 21 en este filme que, igualmente, sale del carril marginalista de Van Sant pero logra, entre el público con menor conocimiento de la filmografía reciente sobre esta temática de enfrentamiento de la muerte prevista, alguna empatía particular.

LOS TRES MOSQUETEROS (THE THREE MUSKETEERS)

Paul William Scott Anderson es un director joven (47 años) y que muy seguramente no ha leído página tras página el famoso libro de Alejandro Dumas, padre, publicado hace siglo y medio. Mucho menos las sagas literarias de los tres héroes escritas posteriormente en “Veinte años después” y “El vizconde de Bragelonne” (en el cual figura el reconocido personaje de “El hombre de la máscara de hierro”), todos escritos y publicados en el transcurso de cuatro años y por entregas.

Además de ser el productor, guionista y director de las más recientes versiones de la saga de “Resident Evil”, de “Death Race” y del esperpento de “Alien Vs Depredador”, es un experto en el mercado fílmico de los adolescentes. Su esposa Mila Jovovich hace el rol de Milady de Winter, en una recreación física que se ciñe bien a las viñetas de la época acerca de este interesante personaje de ficción, aportándole acrobacias propias de su Alice de “Resident…”.

La película es un videojuego, como todo lo de este director. Hasta ahora ninguna de las diez películas hechas acerca de estos personajes mosqueteros se ha ceñido a los libros. O entremezclan personajes, o los malinterpretan o establecen relaciones argumentales que en la versión original no existen.

Esto se entiende porque para el cine es muy difícil conjugar en dos horas los 67 capítulos del libro inicial (“Los tres…”), o los 93 del segundo (“Veinte años…”) o los 82 del tercero (“El Vizconde…). ¿Cómo comprimir 242 capítulos en dos horas? ¿o en seis, si se quiere? Imposible. Dos mil quinientas páginas no se incluyen en cualquier cantidad de guiones.

Alejandro Dumas era una corporación. Tenía un equipo de escritores, uno por capítulo. Determinaba las grandes líneas argumentales para que cada uno de sus escribientes desarrollara el capítulo correspondiente. Esto significa que en los tres libros pudieron haber estado involucradas unas cien personas. Dumas tenía, con base en su negocio editorial, negocios e inversiones en Europa, Asia y Africa. Contaba con una flota de barcos mercantes. Era una transnacional editorial en una persona, equivalente a una multinacional mediática de la actualidad, inmerso en una época sin mayores medios de comunicación que los mensajes tardíos enviados en manuscritos por barco o a caballo, con un público ansioso de los pequeños fascículos circulantes en los cuales hacía entrega de estas interesantes historias a través de meses de espera.

En esta versión de uno de los más reconocidos libros de la historia literaria mundial sobran muchos elementos que el serio Dumas no podrían haber escrito. Los dos veleros volantes y dirigibles, son una invención de Anderson al estilo del grupo Monty Phyton en su cine de hace veinte años, solo agregada para ofrecer batallas y catástrofes aéreas. La supervivencia de Lady de Winter, Milady la espía, sugiere el deseo de inventar también una continuación.

La muerte de Milady en la obra literaria es uno de los momentos sublimes de la trama y de los más sentimentales. Eso no está ni cercano a lo que se ve en este juguete fílmico 2011.

¿Qué se puede rescatar de esta película? El presupuesto decente, la tecnología utilizada, los roles de los principales personajes. Todos actúan bien, solo que lo hacen en función de la broma ideada por Anderson.

Para esta trilogía literaria emblemática del siglo XIX no hay versión fílmica posible que transmita las lides políticas de Richelieu y Mazarino, de Inglaterra y Francia, de Luis XIII y Luis XIV, de Ana y de Maria Teresa de Austria.

MUESTRA DE "SOFT MOVIES"

NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT)

Un remake del filme de 1985 sobre el vecino vampiro en una ciudad moderna. El teatral cazador Peter (Cusshing) Vincent (Price), cuyo doble nombre recuerda a los maestros del cine de horror de la productora “Hammer”, será el apoyo para que el adolescente Anton Yelchin combata al eterno zombie protagonizado por Colin Farrell (quien hala la taquilla).

Craig Gillespie un modesto director de cine clase B, orienta el guión repetido y es Colin Farrell quien le da vida a esta película, que de otra manera sería un fracaso.



SI FUERAS YO (THE CHANGE-UP) EL CAMBIAZO

La dirige David Dobkin, el director a quien los hermanos Ridley y Tony Scott le produjeron un filme por primera vez en 1998 con su empresa Scott Free. Acá se maneja bien un “soft” film protagonizado por Jason Bateman experto actor “soft” (“Quiero matar a mi jefe”) y Ryan Reynolds experto actor de superhéroes (“Green Lantern” y “Dead Pool”, en “X-Men”) que está en una racha de tres papeles por año en la década.

El intercambio mágico de cuerpos entre dos amigos, donde el uno disfruta de la inmadurez vital del otro y este, a su vez, aprende algo del estable profesional reprimido, para aburrirse. Pequeñas alusiones escatológicas (algo que está de moda en el cine “soft”), contribuyen al picante suave de una película de la cual se sabe su final desde un comienzo y su desarrollo a cada instante, pero que se goza como repetir hamburguesas.


SI LA COSA FUNCIONA (WHATEVER WORKS)

Larry David, actor de 64 años experto “monologuista” y guionista de la TV gringa es el protagonista central. Pero como en toda producción de Wooody Allen, no tan central, Por la pantalla ruedan figuras y figuras a las cuales Allen siempre lograr equilibrar de tal forma que todos aportan dentro del argumento y aparecen fundamentales para cerrar el ciclo de la historia que este teatral director quiere contar a su público.

Woody es un dramaturgo. Sus guiones no requerirían, en la mayor parte de sus filmes, de escenografía de exteriores y podrían desarrollarse en interiores, en las tablas de un teatro, con las voces en alta voz proyectadas hacia el público de la última fila.

Evan Rachel Wood, de 24 años, comparte unos pocos días con el maduro Boris (Larry), viudo, solitario, pesimista y crítico de la rutina social. Evan (Melody), esposa de Marilyn Manson, el famoso y muy inteligente roquero del metal y de bellas mujeres (Dita Von Teese, Rose McGowan y Evan…), le desordena la vida al asocial Boris.

Aparece la suegra ocasional de Boris, Patricia Clarkson (“Cristina, Vicky, Barcelona”) y el amor final de Melody, Randy, interpretado por Henry Cavill (actual “Superman”). Con esta película Allen volvió a su Nueva York, temporalmente, para luego seguir filmando por Londres (“Matchpoint”), Barcelona (Vicky, Cristina…”) y París (“Midnight in…”).

A pesar que el más reciente cine de Allen es allegado al espectador común, sus películas no son taquilleras. Alcanzan a recuperar presupuestos pero no llenan salas. Sin embargo, es quizá uno de los pocos catalogables con el flemático mote de “cine de autor” o del peor gusto seudointelectual como “cine arte”. Un filme para que el estrato 5 o 6 se sienta aludido, toquecitos de Beethoven, Donizzetti y Mendelssohn, en un crossover con baladitas anglo.

(Ver "CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS" en este blog)