RESTREPO

Un documental entre denuncia del infierno en que se encuentran las tropas invasoras y justificación de esta guerra entablada contra Afganistán a raíz del septiembre 11. Se completa una década de invasión mancomunada de 130.000 hombres de 27 países, de los cuales 90.000 norteamericanos y un total de 2701 militares y unos 30.000 civiles muertos, en ascendiente escalada anual.

Los directores Tim Hetherington y Sebastian Junger, también producen con US$1,5 de presupuesto para National Geographic, dentro de la hipótesis de guión – acción, en la cual la cámara permanece de testigo de la realidad, para que luego, a manos de un editor y documentalista hábil como Michael Levine, resulte exhibible. Se ajusta el hecho de la muerte de un médico colombiano nacionalizado en USA, para bautizar el puesto de observación OP Restrepo, que da nombre al documento fílmico en su homenaje. El valor del filme es su veracidad como documento verídico de las batallas en el Valle Korengai (el sitio más letal del planeta). Ha tenido ciertas nominaciones y galardones a través del mundo, con indudable interés político.

LOS NIÑOS (THE CHILDREN)

Es una buena película de un trillado género. Retoma un título muy reiterado por el cine de todos los tiempos. Tom Shankland dirige con base en su experiencia de TV, uno de los más reconocidos títulos suyos es “Jericho”.

De “Los niños” debe tenerse en cuenta que el repetitivo cuento de niños pequeños que se tornan infernales, asesinos e inexplicablemente enajenados, que van llenando sus pasos de sangre, está mejor relatado que en muchas versiones de la misma historia. De esto han hecho un mercado importante los productos españoles, la mayor parte de ellos sin la calidad técnica y actoral de la inglesa “Los niños”.

Debe destacarse para el observador asistente a esta película intrascendente, factores de producción como la actuación y la edición. Con una mejor escuela de actuación que las predominantes en América, acá también los actores y actrices, si bien saben de la importancia de los close ups y de impresionar fundamentalmente a la cámara-espectadora, dan más de sí mismos. Actúan con mayor calidad, incorporando a los clichés Griffith que tienen ya 100 años, una buena dosis de la introspección Stanislavskiana, haciendo que la personificación prime sobre las buscadas escenas de violencia sangrienta y terrores sobre lo desconocido.

Sin tecnologías 3D, sin presupuestos exorbitantes, con mejor calidad actoral y sin mayores pretensiones, más que aquella de elevar la taquilla, “Los niños” está bien realizada, como casi la mayoría de los productos cinematográficos ingleses. Codistribuída por la australiana Icon, enseña el manejo de un cine intrascendente, pero con calidades de “filmmaker”, superiores a otros esquemas también de habla inglesa, pero de menor profundidad de elaboración.

DESTINO FINAL 5 (FINAL DESTINATION 5)

New Line Cinema y Warner Bros, dos de las más grandes y experimentadas productoras de cine de los Estados Unidos, y del mundo, ya van por cinco capítulos de la saga “Destino Final”.

Esta historia nació de la TV, con base en un experimento capitular dentro de la reconocida serie “X Files”. Su primer director, James Won, extendió su versión al cine. Los altos recaudos en cada entrega (del 500% de ingresos brutos sobre el presupuesto inicial) ha impulsado nuevas entregas en promedio de cada dos años.

En esta oportunidad se toma provecho de la 3D, para explotar mejor la reiterada insistencia en desgracias, muertes dramáticas y catástrofes urbanas que van cumpliendo con el destino de quienes se hayan salvado de la guadaña de la parca. Algún protagonista permoniza un accidente del cual se salvarán varios coprotagonistas, para luego entender que en el mismo orden irán siendo llevados por Caronte. La parca y Caronte, representaciones mitológicas griegas de la muerte y del viaje a la otra vida, son representados por Tony Todd, un negro reconocido de varios papeles secundarios, que anuncia el destino ineludible como chofer de una ambulancia. El espectador irá a ver los espectaculares entornos en que se dan por azar las muertes consecutivas, en una especie de “Saw” a la inversa, en que la naturaleza y los diversos instrumentos técnicos y tecnológicos usuales en el entorno facilitan por defecto y csualidas los morbosos accidentes.

Pero, la saga no es algo más que esa simpleza para mentes noveles. La taquilla se estremece a gusto de las grandes productoras, que sueñan con contar con este tipo de repeticiones de masivas entradas apegadas a un fuerte atractivo de ficción, manipulado de manera extremadamente maniquea.

Esta saga, fuera de la mira de los intelectuales de la cinematografía y despreciada por las cinematecas con bastante buen juicio, da sin embargo pie a observar lo que es el arte de la actuación en el cine. La industria del cine en Estados Unidos muestra varias vertientes de actuación dentro de las cuales predomina la menos admirada, pero más pragmática: lo que se debe lograr es atrapar el ojo de la cámara, que es el ojo del espectador. Nada más.

En este tipo de cine hay actores y actrices con características mercadeables. Jóvenes y sexies, atractivos y bellas, impregnados de clichés. Esto proviene de bien atrás hace un siglo, con David W. Griffith, quien creó el sistema de actuación que autodenomminó “limitación de la expresión”, con el cual llegó a la conclusión que el histrionismo actoral del teatro era aparentemente innecesario en el cine. Bastaba con alcanzar la identificación del espectador mediante aquello que este encuentre verosímil o posible. Todo lo teatral, por el contrario, apartaba al espectador de la realidad que se le quería mostrar pues desde su asiento sabía del entorno, de los gestos extras de cada actuación y de los secretos de la escenografía mezclados con la circunstancia temporal del público. En el cine sobraban los gestos exagerados, la voz proyectada, la grandilocuencia, la artificialidad. El actor debe es expresar emociones no sentidas, pero no tan a la manera profunda de Konstantin Stanislavski, ni de Pudovkin, tampoco de Lee Strasberg, solo de Griffith. El actor se preocupa por los mínimos segundos en que la mirada de la cámara lo enfoca, mueve su rostro de la manera varias veces estudiada por conveniente y llena de estos “close ups” la gran pantalla. Punto.

En “Destino final”, dado el gran presupuesto en enormes desgracias y trucos especiales, el trabajo de los actores a la “Griffith” basta y sobra.

Lejos de esto los Brando, De Niro, Pacino, Nicholson, Hopkins, Depardieu, Irons, Kinsley, Ganz o Brandauer. ¿Para qué? El público lo que va a ver es la herida mortal o la caída del puente que, a pesar de tanto reconocimiento a ciertas figuras, desgraciadamente multiplican los dólares más que muchas de las películas de los maestros de la actuación lo cual es lo que interesa a New Line, Warner y toda corporación hollywoodense.

LINTERNA VERDE (GREEN LANTERN)

Setenta años después de ser creado en DC Comics, llega la versión fílmica con los artificios tecnológicos disponibles en el actual milenio. De siete encarnaciones diferentes que ha tenido el superhéroe en la versión de papel, se escoge acá la de Hal Jordan. Se le diseña un traje totalmente verde, a diferencia de las combinaciones de rojo, verde y negro en las historietas precedentes.

El director es Martin Campbell (“El Zorro”, “Casino Royale”, “Golden Eye”) y la nómina es de experimentados actores como Ryan Reynolds (“Blade Trinity”, “X-men Origins: Wolverine”, “Buried”), Blake Lively “New York I love you”, “The town”), Tim Robbins, director de valía y actor (“Mistic river”, “Pret a porter”), Mark Strong (“Tristán e Isolda”, “Red de mentiras”, “La reina Victori”, “Sherlock Holmes”, “Robin Hood”), Peter Sarsgaard (“An education”, “Kinsey”, “Boys don´t cry”), Angela Bassett (“Malcom X”, “Días extraños”, “Boys N the Hood”).

El argumento se semeja a la los momentos cumbre de la historia básica de un Supermán: nave intergaláctica estrellada, superpoderes, disfraz exprofeso, ética de valentía y ayuda, romance en el aire, archienemigo, amigo nerd, etc. …

Hace unas dos décadas hubiera sido imposible recrear las virtuales creaciones del “Linterna” con el poder de su anillo. Hoy, la “inserción croma” del telón azul o verde, los trucos digitales y los actores expertos en “hablar y actuar en solitario” frente a una imagen supuesta, lo permiten.

Si en el medioevo las gentes ideaban mitos, en el siglo diecinueve imaginaban personajes mágicos en cuentos fantasiosos y novelas de ficción sobre vuelos a la luna y transporte intertemporal, si el siglo veinte generó personajes y sagas en el celuloide, ¿por qué no adentrarse en los superhéroes de cómic llevados al cine sin prevención y con alma infantil? El “entertainment” es importante en el uso del ocio de la civilización moderna. Además, compartir con las nuevas generaciones el solaz de las especulaciones sobre dioses y semidioses, al igual que las naciones politeístas, de los sobrenaturales poderes y de la búsqueda del bien común mediante “honor y responsabilidad” linternaverdista no hará daño a nadie. Una producción con todos los trucos actuales, pero ceñida a la historieta original, que debe aceptarse como viene pues era una de las que faltaba de la “Liga de la Justicia” en el cine actual.

DE DIOSES Y HOMBRES (“DES HOMMES ET DES DIEUX”; “OF GODS AND MEN”)

El salmo 82:6 y 7 contiene entre varias, las frases que dan origen al elegante título de una película con puesta en escena objetiva y argumento subjetivado, que difuminan un tanto su expresividad artística:

“Yo os dije: 'Vosotros sois dioses; todos vosotros sois hijos del Altísimo… Sin embargo, como un hombre moriréis y caeréis como cualquiera de los gobernantes”.

Esto hace referencia a un hecho real que ocurre en la región del Magreb, al otro lado del Mediterráneo francés, en la conmocionada Argelia de los años noventas, a donde habitaba una comunidad de monjes católicos cistercienses del Tibhirine, involucrados con la comunidad desde 1993 hasta su secuestro y posterior masacre decapitados en 1996, aparentemente por terroristas islámicos. Esta inculpación nunca se comprobó, existiendo también la hipótesis de que pudieran haber sido autores algunos agentes del gobierno sunnita islámico. Argelia recién entraba de un sistema unipartidista hasta 1988, habiendo legalizado el multipartidismo y al Frente Islámico de Salvación, FIS, que ganó las elecciones municipales y la primera vuelta de las legislativas de 1991. Sin embargo, el ejército decretó el estado de urgencia impidió asumir el poder al FIS, desencadenando una guerra civil liderada por diversos grupos armados, el Ejército Islámico de Salvación y el Grupo Islámico Armado se enfrentaban en ofensivas rebeldes y las contraofensivas oficiales. Los militares gobernaron hasta 1994 mientras los grupos fundamentalistas continuaban buscando desestabilizar al gobierno central.

Este país es 99% musulmán sunita y solo un 1% católico y judío, proveyendo un escenario en el cual la orden cisterciense, conocida como orden del Císter o Santa Orden del Císter, de origen monástico y católica reformada, era un grupo advenedizo. Se deriva su nombre de la Abadía de Císter fundada por Roberto de Molesmes en 1098, cerca de la antigua Cistercium romana, localidad cercana a Dijon, Francia.

El interés del director francés Xavier Bauvois es hacer un documento fílmico subjetivo sobre lo que pudieron haber sido los días previos al mortal desenlace, discurriendo alrededor de las cavilaciones de los monjes con vocación de martirio, pero hombres al fin y al cabo. Los diálogos con la comunidad son naturales con personajes reales y sin profesionalismo actoral. La escenografía interior es bien iluminada y la exterior colmada de bellos paisajes. Los hábitos de los “monjes blancos”, denominados así en contraposición con los Benedictinos, o monjes negros, impacta visualmente. Las tomas de cámara son simetrizadas haciendo bellas imágenes de misas, rezos, comidas y conversaciones.

Lambert Winston y Michael Londsdale son los mismos actores que siempre han sido, el primero en una serie de filmes de poco valor e interés y el segundo en numerosas apariciones en películas de taquilla (“Agora”, “Los fantasmas de Goya”, “Ronin”, “Munich”, “El nombre de la rosa”, “Moonraker”) apareciendo siempre de manera fugaz como la “conexión francesa” del personaje que llega a Europa necesitado de curaciones, documentos falsificados o datos de enlace.

La música ambiental es de enorme fuerza reflexiva, pero predominan los silencios. Tchaikovsky es usado en algún momento cumbre de la cena con un aparte del crescendo de su obertura del “El lago de los cisnes”. No obstante, de toda la fórmula utilizada surge un cierto tedio de espectador salpicado de pequeñas sorpresas armadas. Los diálogos sobre cobardía y valor son farragosos. Se puede resumir como un documento histórico subjetivo con objetividad técnica, que llamó la atención del festival de Cannes en 2010.

LA NOCHE DEL DEMONIO (INSIDIOUS)

El malasio James Wan y el escritor Leigh Whannell (ambos de 34 años de edad) se han acompañado en la saga de “Saw I” a “Saw VII”. Además han producido las siete películas de una taquillera idea “gore”, que ha sido por algunos denominada “cine gorno” por mezclar gore y porno (prostitución de la violencia), debido al énfasis en torturas y mutilaciones.

En el presente filme no hay “gore” ni violencia, pero no pueden lograr una veta nueva y se entremeten con el lugar común de lo demoníaco, muy de lejos de un maestro como William Friedkin (“The exorcist”).

En este caso abusan de la fórmula “padres ingenuos, casa nueva, oscuridad, desván, niño en coma, médiums” y todo aparece superpuesto y previsible.

Patrick Wilson, Rose Byrne y Barbara Hershey, actores que han estado en las primeras líneas de taquilla, son manejados como títeres inexpresivos y despreocupados. Único detalle interesante es el actor Philip Friedman, que hace “la vieja”, en un rol transformista que nadie descubrirá si no se encuentra avisado y que resulta algo meritorio.

El director Wan orienta su intento de película de terror con un tono muy propio del cine asiático que no coincide con escenografía, actuaciones y, en general, puesta en escena norteamericanas. El único logro del filme es alcanzar con US$1,5 millones un recaudo que ya pasa de los US$50 millones (margen bruto del 3.333%).

ESTA PELÍCULA NO TIENE NADA RELACIONADO CON “PARANORMAL ACTIVITY”, MUCHO MENOS SUS PRODUCTORES, A NO SER SU MALA CALIDAD (UNA PUBLICIDAD ENGAÑOSA).

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (R)EVOLUCIÓN (PLANET OF THE APES (R)EVOLUTION)

Pierre Boulle solo escribió dos novelas. “El puente sobre el rio Kwai” y luego de “El planeta de los simios”. La primera fue un enorme éxito de taquilla (7 oscares de 1957) y está dentro de los clásicos del cine, contando la historia de prisioneros de guerra británicos que construyen un puente (en la realidad el ferrocarril Burma) por orden de los japoneses, el cual será luego destruido por los aliados.

La segunda novela de Boulle, sobre ficción plena, ha generado una saga de cinco películas en la década de los setentas y dos más en el presente milenio.

“El planeta de los simios” (1968), “Regreso al planeta de los simios” (1970), “Escape del planeta de los simios” (1971), “La conquista del planeta de los simios” (1972) y “Batalla por el planeta de los simios” (1973). Luego, “El planeta de los simios” (2001) y ahora “El planeta de los simios (R)evolución” (2011).

La producción de la saga fue aumentando con el progreso tecnológico, pero la calidad de manejo del tema ha ido descendiendo. En “…Revolución” solo sorprende el intercalado de efectos computarizados con el uso de disfraces. Las máscara de simio, tan expresivas siempre, luego de cuatro décadas siguen siendo quizá el mejor logro técnico, aunque el más sencillo. En esta entrega se pretende mostrar el inicio argumental como está sucediendo con todas las sagas del cine en las cuales la más reciente producción introduce inicios, comienzos u orígenes.

James Franco, un meritorio actor nominado por “127 hours”, hace acá de simple pivote argumental. Rupert Wyatt, novel director lo hace con automatismo para este filme sin sorpresas.

MALAS ENSEÑANZAS (BAD TEACHER)

Una película que, así se le catalogue como “blue comedy”, no deja de generar expectativas sin cumplirlas. O, si algo cumple, lo hace mal. Un Jake Kasdan dirige con su experiencia televisiva de la cual solo se destacaría “Californication”, esa serie sobre la mundana vida en L.A. Una “blue comedy” aparece definida como una trama cómica en la cual se destacan las insinuaciones sexuales, situaciones indecentes y actitudes profanas ¿¡?¡. En este caso, la profesora Elisabeth, rol desempeñado por Cameron Díaz, solo salva medianamente el filme con su larga experiencia histriónica y ocupando la atención de los espectadores, nada más. Demuestra tener un hermoso y estupendo cuerpo esbelto, mejorando su figura desde “The mask”, aunque no sea erotizante o tan sexy como se cree, pero si atractiva y simpática.

El profesor Scott (Justin Timberlake) es un aparente Nerd de matemáticas que no se da cuenta de la rivalidad que genera en Elisabeth para con Amy (Lucy Punch). Elisabeth piensa que “sin tetas no hay paraíso” y hará lo imposible por malversar fondos de la escuela, engañar a los padres de sus estudiantes, colectar dinero descaradamente y lavar autos, también con descaro. Tratando de ganar dinero, busca hacerse merecedora de un premio nacional y roba los cuestionarios del examen correspondiente.

Toda una serie de situaciones tontas, burdamente editadas a saltos, con situaciones cliché sin gracia y actuaciones que no alcanzarían puntaje en “rotten tomatoes”. Una profesora sin vocación en busca de matrimonio a través de aumentar su atractivo con grandes “bubbies”, sin guardar ningún respeto por sus alumnos o sus superiores. Esta Cameron, “blue comedian”, podría no convencer, dejando al espectador harto de su amable imagen, único atractivo a través del póster promocional. Lo indecente y profano están sugeridos aunque sin fuerza narrativa y con descuido de técnicas cinematográficas.

COWBOYS AND ALIENS

Jon favreau (director de “Iron man” I y II, “G-Force”, “Zathura”) es un director reciente más conocido por cara regordeta en varias películas intrascendentes. Toma acá una historieta de Scott Mitchell Rosenberger, que pasa por las manos de un grupo creativo de cinco guionistas para ser escrito para la pantalla por tres de ellos. Hace parte de su seis productores el reconocido Ron Howard (“The Grinch”, “Apollo 13”, “Davinci code”) y en algún lugar de la letra pequeña del poster un perdido Steven Spielberg que trampea con el observador.

Con un cierto derroche de tecnología “airplanes anda aliens” combinada con los vaqueros caraduras de Daniel Craig (“007”) y Harrison Ford (“Indiana Jones”, etc.) acompañados de indios a caballo, que resultan en un producto bien hecho, pero tonto, el director, secundado por tanta gente creativa en el argumento y la producción, logran un desorden de mediana calidad que hace que los más pequeñitos asistentes al teatro exclamen “! Qué ficti!”.

8 MINUTOS ANTES DE MORIR (CÓDIGO FUENTE; SOURCE CODE)

El director Duncan Jones (“Moon”) gusta del desarrollo de temas de ficción. En su parca obra ha bajado de cerebros electrónicos en la luna a cerebros humanos teletransportados en la tierra. Tiene tras de sí la herencia filial de su padre David Bowie, quien como actor ha participado de ficciones de toda índole. El guión de Ben Ripley (“Species”) demuestra el común interés por estos enredos un poco mal llamados “science fiction”, pues casi siempre no son de naturaleza contrastable, lejos de evidencias y resultan simple resultado de una mixtura de elementos sueltos derivados de diversas tecnologías imposibles de combinar, pero interesantes para la especulación.

Acá protagonizan Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters. Las especulaciones en el cine acerca de posibilidades de teletransportación ha sido hechas siempre sobre el traslado de cuerpos humanos a través del tiempo o del espacio. En “8 minutos…” es la mente a la cual se le teletransporta a otro cuerpo en un tiempo pasado y con ello se permite repetir esta acción con una duración medida de ocho minutos cada vez, permitiendo que en cada ocasión el cerebro capte detalles antes no observados. La suma de observaciones del pasado inmediato permitirá la investigación necesaria para prevenir un desastre terrorista de mayores dimensiones en el mediano futuro. Un filme que entretiene, aunque con riesgo de llegar a aburrir al espectador con cada viaje en el tiempo y descrestarlo de manera ingenua cuando convierte el amor futuro en una realidad del presente, como epílogo feliz.

SALUDA AL DIABLO DE MI PARTE (GREETINGS TO THE DEVIL)

La dirige Juan Felipe Orozco (“Al final del espectro”), como un thriller de venganza en el cual todos los actores del conflicto se encuentran indirectamente involucrados luego del inicio de la vigencia de la ley de justicia y paz en Colombia.

Tiene la violencia cruda que de manera real ha vivido el país desde las retaliaciones a líderes de guerrillas liberales en los años cincuenta, los métodos gore utilizados en muchas masacres, el uso del dinero para corrupción de la policía o para estructurar una costosa venganza, la insinuante referencia a grupos infiltrados en universidades. Usa el film de técnicas y tecnología que le han permitido a esta película ser adquirida en Hollywood y le van a permitir a Orozco filmar a Nicole Kidman.

El cuerpo técnico tiene la curiosa característica de contar con cerca de cuatro grupos diferentes de hermanos entre sí (una tarea para observadores). Todos los componentes de la producción son destacables y de corte internacional para recorrer el mundo con éxitos de taquilla, negocio al que ya se apuntaron inversionistas americanos. El producto es una suma de talentos y experiencia en cada uno de sus campos como basta reconocer al observar algunos nombres.

La música es de Jermaine Stegall (“Cowboys anda aliens”, “I, robot”, “El vuelo del fénix”, “Enigma”, “Blood out”, "Dark Knight", “The Davinci Code", “Angels and Demons, “Black Hawk Down”, “Hannibal”, “Kingdom of Heaven”, “Shrek”, “Spy Game”, “Mission: Impossible II”, “The Ring”, “Cold Mountain”, “Pirates of the Caribbean”, “Man On Fire”, “Déjà Vu”, “X-Men Origins: Wolverine”, “The Chronicles of Narnia”, “Armageddon”, “Constantine”, etc.), quien muestra una excelente experiencia con los hermanos Ridley y Tony Scott, así como con Hanz Zimmer, lo que significa tocar las más altas cumbres de la música del mundo filmico. Le acompaña la Orquesta Filarmónica de Medellín.

En esta banda sonora incidental tiene participación el chelista y compositor Martin Tillman, quien estuvo en filmes como “The Dark Knight”, “Transformers” y “Piratas del Caribe”.

La productora es Sanantero Films y el guión es de Carlos Esteban Orozco. Entre los productores ejecutivos, de los cuales hace parte el mismo Édgar Ramírez, se halla a un Haik Gazarian (conocido por “Venezzia”).

Editan las escenas los mismos hermanos Orozco, quienes han dirigido las cámaras con maestría. La dirección de fotografía es de Luis Otero, quien acompaña el retoque digital en posproducción.

“Saluda al diablo…” es una muestra de excelente elección de casting, pues cada actor está ubicado en el rol que mejor corresponde a sus valías. Édgar Ramírez es Ángel (“Carlos”, “Bourne ultimátum”, “Vantage point”, “Domino”…), Salvador del Solar es Morís (“Pantaleón y las visitadoras”), Carolina Gómez es Helena (“Bluff”), Ricardo Vélez es Léder, y todos están a tono con el desempeño requerido para dar la vuelta al mundo en cine de “acción”.

Albi de Abreu es Luis (“La hora cero”, “Dark World”), Patrick Delmas es Serge, Juan Carlos Vargas es Carranza (“La saga” TV). María Luna Beltrán es Angela, Ángela Vergara es Patricia y Laura Perico es Daniela.

El producto final es una suma de todas estas cualidades individuales, incluídos unos cuatro actores de TV colombiana que vienen de “Francisco el matemático”, “La saga” y “Rosario Tijeras”. Se mantiene el ritmo de suspenso de principio a fin, satisface la acción violenta para públicos adolescentes e introduce elementos de tecnología, como el chip intercomunicador, que se venden bien entre el público. La música no se anticipa a la acción, un error muy común en el cine, sino que le acompaña con perfección. La parte argumental está bien expresada en la trama guionística y sus diálogos facilitando que no se malinterpreten los hechos visuales.

La metáfora del filme busca la culpa en todos los grupos en armas reflejados en su microscopia, dentro de un discurso pesimista sobre la reconciliación y el posconflicto. La voz en off de Léder lo expresa desde un comienzo. El hilo conductor empieza con la hija de Ángel y termina en ella. Sólo las mujeres sobrevivirán, como sucede en en la macroscopia de todo conflicto histórico. Sin embargo, fenecerán amistades, complicidades y hasta la hermandad, esta última por misericordia con quien ha cambiado por su odio internalizado. La ternura femenina surge como ave fénix en medio de las llamas de los fuegos entrecruzados de los hombres. Si los espectadores quieren ver algo más que narcoacción, este es un buen ejemplo de que, sin desligarse de la realidad colombiana, puede haber ficción nacional muy interesante abobada con el elemento casi indispensable en las taquillas, que es la acción violenta no innecesaria, como elemento dramático.

MUERTE EN LA MONTAÑA (FROZEN)

Adam Green, uno de esos directores menores de 35 años, pero integralmente formado para escribir y dirigir con precisión, maestro en las artes de la industria cinematográfica como herramienta de imágenes. Comenzó con películas “slasch” y “gore” que, aunque miradas con recelo, también fueron aceptadas con asistencia taquillera. Acá logra un producto particular en el que pone a prueba al espectador, dejando en balance su capacidad de soporte de aburrimiento con su admiración por el buen tratamiento del suspenso logrado.

De paso, debe también rememorarse el buen papel actoral de protagonistas jóvenes con esa enorme carga de hacer verídicas sus emociones, sustos y sufrimientos. Este tipo de actuación se pasa inadvertida por parte de los críticos y parece ser menospreciada por los puristas, siendo una de las mejores muestras del oficio bien desempeñado.

Quedar cinco días a la intemperie nevada y sumidos en la oscuridad tenebrosa, a gran altura y lejos de contacto salvador pone a prueba la resistencia humana de irresponsables pero valientes muchachos. Con “Frozen” se logra de manera seria impresionar bien a la taquillamediante esta fórmula. En el análisis cinematográfico deben reconocerse los pequeños e imperceptibles valores estéticos y de narración que puede tener un film como “Muerte…” enviado a un “target” juvenil, pero válido como muestra representativa de las destrezas del “filmaker” contemporáneo.

BRIGHT STAR

Abbie Cornish (“Sucker Punch” le permite demostrar destrezas de lucha; “Limitless” pone a prueba su capacidad de posar de mujer envejecida por la adicción), es una bella veinteañera de enorme talento y polifacetismo. En “Bright Star” queda en manos de la reconocida directora Jane Campion (solo su película “El piano” es interesante, hasta ahora).

Coprotagoniza Ben Wishaw, uno de esos actores talentosos y temperamentales, excéntrico en su vida personal (“El perfume”, “I´m not there”, “Layer Cake”).

¿Porqué Ben coprotagoniza si la historia es seudobiográfica de los últimos tres años de la vida del poeta John Keats? No se debe a que Ben lo haga mal. sino a que Abbie lo hace mejor.

Los modales propios de dos jóvenes menores de 20 años se encuentran allí plasmados, sus juegos, sus ingenuidades, sus amores ensoñados. Perder el tiempo pensando en el otro, enviarle detallitos fabricados en pequeños papeles con frasecitas tontuelas, son buenos simbolismos de una adolescencia que termina.

Keats moriría de tuberculosis a los 25 años en Italia y, dicen los expertos en poesía del siglo XIX, que sus mejores escritos son estos últimos. Ello se debió, según Campion escribe, a la inspiración en Fanny Brawne, esa chica linda y acomodada que no va bien con la situación de miseria del poeta enfermo.
En el film aparece como uno de los contribuyentes amigos al viaje final de Keats en búsqueda de mejor clima, un Percy Bysshe Shelley, otro poeta icónico del romanticismo, muerto joven a los treinta. En Francia se acuñó el “malditismo”, una generación de poetas malditos por incomprendidos y bohemios (Rimbaud, Mallarmé, Verlaine, Baudelaire y Artaud, los más conocidos). En Inglaterra no se ha aplicado el término, aunque Keats y Shelley cabrían bajo esta denominación dada la época y sus muertes tempranas.

Campion maneja bien los contrastes personales de Brown el amigo de Keats, clasista y machista de la época, con la inteligente Brawne, de vocación independiente y sensible al diseño de modas (es de admirar la sucesión de vestuario femenino que su personaje usa en el film). La directora observa bien los celos bobalicones y adolescentes entre amigos y amiga, como también la imperceptible manera en que Brown se baja de sus presunciones sociales dejando en embarazo a la sirvientica Abigail.

A Campion le funcionan las escenografías brumosas, los vestuarios de época, como en “The Piano”. Cabría preguntarse porqué unos candelabros no mueven sus llamas en tiempos que no había luz incandescente y otros simples detalles.

¿Enfermedad holandesa en Colombia? No.

El presidente Santos, ha venido observando el tema de la locomotora minera y sus impactos negativos en los aspectos monetarios del país y ha expresado, en la sede de la Cepal en Chile, que “Estoy tratando de que lleguen inversionistas diferentes al petróleo y a la minería, porque ya estamos en el preámbulo de la enfermedad holandesa”.

Warner Corden y Peter Neary, estudiaron la “dutch disease” a raíz de un boom petrolero durante los años sesentas en los Países Bajos. Su modelo central cuenta con tres sectores, uno exportador en auge, otro exportador en situación normal y aquel no exportador que produce para el mercado interno. Las divisas producidas por las ventas al exterior por parte de los dos primeros se elevan en su monto, se monetizan a dinero nacional y este cambio ingresa al flujo monetario apreciando la moneda local e incrementando las demandas de productos importado y de productos nacionales, aumentando la inflación interna, elevando costos de mano de obra y perjudicando los parámetros de competitividad exportadora, pues los productos nacionales aparecen más caros para los compradores externos.

La única posibilidad de que ello no suceda es que el monto de nuevas divisas se utilice pleno para importaciones y que el tipo de cambio sea fijo. Hoy, en Colombia, el tipo de cambio es flexible y las divisas están asignándose también a importaciones de otros sectores diferentes al petrolero, como el automotor.

En el país hubo un asomo de “dutch disease” en los años ochentas y el presidente Betancourt optó por una defensiva política de no monetización inmediata. Se entregaban a los exportadores de café tres montos: uno en divisas para importaciones inmediatas, otro en certificados de cambio en dólares diferidos a para ser monetizados a un plazo posterior y un tercero, ese sí monetizable. El manejo diferido de la monetización fue una buena decisión para el país, lo cual impidió repetir el caso holandés.

¿Cuáles son las grandes diferencias de la coyuntura actual en el país a la luz de enormes ingresos por exportaciones minero energéticas? Los síntomas son similares, algunos, pero la enfermedad causal es otra.

Si bien entran caudales altos de divisas por efectos de la “bonanza” de la locomotora minera, la apreciación del peso NO se debe a ello, sino a la situación mundial que tiende a ser de largo plazo.

El dólar ha estado apreciándose bastante, antes que se diera inicio al fomento exportador de recursos naturales.

Por otra parte, no hay asomos de procesos inflacionarios internos.

Y, por último, las divisas no se están destinando únicamente a la importación. Hay un incremento en las reservas internacionales. Además, en el caso original de Holanda se trataba de explotación de recursos descubiertos frente a los cuales no estaba preparada su infraestructura económica. En Colombia, los periódicos auges en mercados cafeteros, carboníferos y petroleros, han dado la experiencia suficiente para que se reconozca con prontitud y se reaccione oportunamente implementando políticas de retención monetaria.

En resumen, en Colombia no cogen por sorpresa este tipos de “booms”, no hay indicios de riesgo de un proceso inflacionario y, la apreciación cambiaria en que vive el país no es causada por la coyuntura sino lo estructural en que se está convirtiendo el mercado inundado de divisas por el “salvataje” de países europeos y norteamericanos y por la entrada de inversión extranjera directa al sector energético. El presidente habla de impulsar nueva inversión extranjera hacia otros sectores, como táctica económica inmediata de prevención a una posible enfermedad holandesa, lo cual resulta, en principio, bien dudosa de factibilidad puesto que la inversión va hacia donde hay alta tasa de ganancia, no a otros sectores, así le conviniera al país receptor. No hay momento tecnológico, ni un mercado más amplio.

Los síntomas se parecen, pero el país no se asimila a un modelo de enfermedad holandesa, sino a un modelo de fiebre global.

SUPER 8, la infancia de Spielberg en manos de Abrams

El estilo Spielberg redivivo: “Close encounters of the third kind”, “E.T.”, los extraterrestres que desean regresar; “1941”, “El imperio del sol”, “La lista de Schindler”, “Saving private Ryan”, la parafernalia de la guerra; “La guerra de los mundos”, extraterrestres y ejército. Estas como director, pues produjo “Poltergeist”, “Gremlins”, “Los Goonies”, “Transformers”, con esa mezcla de acción armada y contacto con otros mundos.

Steven Spielberg ha sido unas sesenta veces productor y unas treinta oportunidades director. Allí donde hay otros mundos y un despliegue de fuerzas armadas, dirige y produce.

En “Super 8” le produce a J.J. Abrams (46 años), un experto en TV exitosa con “Lost”, “Fringe”, “Alias”, “Colverfield”, dirigiendo y como guionista. UN raro caso de dirección en pantalla grande fue “Misión imposible III” (Tom Cruise).

En esta historia hay un reflejo biográfico del productor: Spielberg comenzó con cámara super 8 a los 12 años, ganó un premio a los 13 por “Escape to nowhere” (40 minutos sobre la guerra) y filmó “varias historias contadas por su padre sobre la segunda guerra mundial” y comenzó su carrera profesional a los 18 años. Spielberg ha sido un fantasioso, soñador que hace uso de la técnica cinematográfica para recrear sus recuerdos claramente influídos por la posguerra y la enorme cantidad de cine que se hizo en la mitad del siglo XX, con base en la utilización del material vacante de la enorme fuerza armada estadinense. “Valores de producción” que fueron utilizados por infinidad de directores, un tanto menos taquilleros que Steven.

“Super 8” es un “dejavú” de infancia de este Spielberg productor, puesto en manos de un J.J. director que es fiel copia de su estilo. En esta película todo es obvio, pero entretiene. Es simple, pero bien presupuestado. Predominan los actores niños (Elle Fanning, hermana de Dakota, está allí como la cuota femenina del primer amor infantil) y el estrepitoso ejército de los Estados Unidos. Los símbolos de Spielberg llenan la pantalla: niños inteligentes, padre policía, ejército algo burlado, trenes, monstruo extraterrestre bueno, nave enorme de regreso, escenografía de los cincuentas y sesentas, amor fraternal renovado.

Nada nuevo, pero Spielberg olfatea el mercado de nuevas generaciones con su estilo de hace más de un cuarto de siglo mediante el talento de Abrams y la producción de DreamWorks, con un filme sencillo de homenaje a su infancia para pasar el bache de final de domingo.