MELANCOLÍA (MELANCHOLIE)

En la racha de películas cercanas al tema del augurio Maya para el presente año, esta es una de las mejor logradas. Lars Von Trier, teórico del Dogma 95, ha sido poco respetuoso él mismo de este paradigmático esquema de producción de cine. No lo aplicó con “Bailarina en la oscuridad”, ni en todos aquellos en los cuales edición, la iluminación, la actuación estrictamente guionada, acompañados de más de dos cámaras y otros factores técnicos, lo demuestran.

Este filme tampoco es dogmático “95”. Partiendo de un elenco bien acoplado al plan de producción. Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg interpretan a Justine y Claire, la depresiva y la melancólica. Kiefer Sutherland hace un John. iniciado en astronomía, que deduce que el paso cercano del planeta que da el nombre a la película, podrá ser una colisión con la tierra. John descubrirá esto y, en contrario que su esposa y cuñada, no podrá resistir la idea del fin.

Por lo demás Rampling, Hurt, Skarsgard y Kier aportan reconocidas caras y apellidos para el mercado mundial y, fundamentalmente, el americano.

Según diversas interpretaciones, la película tiene su origen en un dramaturgo, un músico y una actriz. Jean Genet, Richard Wagner y Penélope Cruz, en su orden, ejercieron su influencia en el filme. Genet, a través de su primera obra “Las criadas” (1947); Wagner mediante su “Tristan e Isolda” (1865) que inunda el filme en cuestión como respaldo incidental. Cruz (2010), como receptora de los agradecimientos del director por una idea simple. De toda forma, estas insinuaciones son solo una especulación parcial y aparentemente acertada, por parte de quienes desean impregnar de "trivias" el entorno de una película.

Genet trató una historia basada en la realidad acerca de dos hermanas con profunda unión de espíritus (almas siamesas), que asesinan a su ama y la hija de esta. Wagner, ilustró su tercer acto en la ópera aludida con la imagen de Isolda que muere al ver el cadáver de su amante (muerte de amor), atmósfera que rodea al filme y se justifica con el suicidio de John. Cruz, porque iba a hacer el rol de Claire en la segunda parte (o segundo acto) de “Melancolie”, además de haber aportado esbozos de la historia en el guión de Von Trier, pero que no pudo hacerlo por compromisos siendo reemplazada por la hija de la inolvidable Jane Birkin y de Serge Gainsboroug, todos cantantes de la ola baladística francesa.

El filme es de ficción catastrófica y no de “SciFi”, lo cual solo es un mote interpuesto por aquellos que piensan que si se hacen ciertas referencias simples sobre los planetas, hay ciencia en esta película. El gran logro de Von Trier es realizar una obra, dentro de una mansión en cuya terraza y jardín se sufre el fin del mundo. Lo que algunos tecnicistas americanos quizá no hubieran podido imaginar sin un “armageddon” de por medio.

SÓLO UNA NOCHE (LAST NIGHT)

Es catalogable como un “mirror film”. El público se mira de manera narcisista en los protagonistas, trata de cotejar su modo de vida con la propia, absorbe "marcadores" sociales y, una vez más, cree que una tarea muy extendida es la de ser escritora o escritor, lo cual explica el ocio constante de los personajes para ir de flirt en flirt.

“Una sola noche”, así también se ha traducido, y no es lo mismo, es escrita por Massy Tadjedin, directora y guionista iraní (de quien solo se sabe que estudió literatura inglesa en Hardvard). Diane kruger y Patrick Dempsey hacen roles de una infidelidad que no se consuma, aunque pudo haber tenido como origen la pasada relación de sus personajes.

! Perdón, no son ellos !. Son Keira Knightley y Guillaume Canet (es que se parecen demasiado). Las contrapartes amorosas con Sam Worthington y Eva Mendes.

Guillaume Canet, un actor francés aceptablepero mejor director de una opera prima con varias nominaciones y con la cual recibió el César 2007: “No se lo digas a nadie”, o “Ne le dis à personne”, excelente y recomendable filme del cual viene pronto un remake gringo.

En “Last Night” no sucede mayor cosa importante, solo la trampa tendida con cuatro estrellas en juego, realizando un filme subliminal (no sublime) para que los asistentes al teatro crean verse a sí mismos, o hagan catarsis de lo que puede ser pero no ha sido, con este intrascendente gasto de boleta debido a la carnada del elenco.

TAN FUERTE, TAN CERCA (EXTREMELY LOUD & INCREDIBLY CLOSE)

De Steven Daldry todo se puede catalogar como bien dirigido. “The hours”, “The reader”, “Billy Elliot”, “Eight” (su corto inicial de 13 minutos) … y “Extremely…”. En la primera demuestra su maestría en dirección de grandes actrices y actores maduros como Meryl Streep, Julianne Moore, Nicole Kidman y Miranda Richardson; en la segunda a Kate Winslet y Ralph Fiennes. En “Billy…” y “Extremely.-..” a niños excelentes como Jamie Bell (“Tintín”) y el novel Thomas Horn.

Thomas llena la pantalla en esta película sencilla que va “in crescendo” dramático cuando se propone una búsqueda de las que su padre (Tom Hanks), fallecido el fatídico 11 de septiembre, le había enseñado a llevar a buen término venciendo temores. A través de ella, sabrá que su madre (Sandra Bullock) siempre ha estado en su mismo camino, que los abuelos (Max Von Sydow y Zoe Caldwell podrán continuar juntos, que muchos desconocidos se harán cercanos, que unos pocos están ligados a él de manera puramente fortuita (Viola David, Jeffrey Wright) y que todos son parte del mismo mundo. De la vida que debe continuar.

Una buena música de Alexander Desplat, el eterno nominado. Un bien escrito guión del experto Eric Roth (“Forrest Gump”, “The insider”, “Munich”, “The good Sheperd”, “The Curious Case of Benjamin Button”), sobre novela de Jonathan Safran. Todo ello, para un mensaje local que conmueve de manera universal, el de un niño que pierde a su padre “el peor día de su vida (11/11/01)”, pero ello le ayuda a comprender a la comunidad en derredor, las diferencias étnicas que le rodean, los temperamentos sociales con el común denominador de la vecindad, la familia y la solidaridad, a pesar de no poder resolverle su pregunta sobre la misteriosa llave. Todo un recorrido infantil incierto que lo lleva a la madurez de la certeza que podrá vivir sin su padre, ese extraordinario amigo perdido.

LA DAMA DE HIERRO (THE IRON LADY)

¿Un premio a la mejor actuación o una actuación para la más premiada? Quizá, lo segundo.

Meryl Streep (63 ¡!!) puede ser la reina del cine occidental, sin exageración. Debía entonces ser la primera ministra del neoliberalismo en el cine. Desde “Julia”, “The deer hunter”, “Manhattan”… “Out of Africa”… “House of the Spirits”, “The bridges of Madison County”, o “Sophie´s choice” a “The hours”, “The devil wears Prada” o “Julie y Julia”, hasta hoy, toda su filmografía es casi obligante. Su casi centena de nominaciones, sus triunfos con 3 Oscares, 8 Globos de Oro, 2 Emmy, 2 SAGA, 1 Cannes, 5 NY Critics, 2 BAFTA, 1 AFIA y 1 AFI, no tienen competencia.

No obstante, tras esta película hay un anecdótico e-mail que la productora Weinstein envió a “The Hollywood reporter” ensalzando el papel de Meryl Streep en el filme y recordando a los miembros de la Academia que “hace más de 29 años que la actriz no gana la estatuilla”. Luego, Meryl, al recibir su trofeo llamó “Dios”a Harvey, el distribuidor y magnate de The Weinstein Company (TWC), reconociendo lo que todos saben, que en la entrega 2012 hubo un dominio de esta empresa con ”Undefeated”, “My week with Marylin”, “The artist”, “W.E.” y la misma “The iron Lady”.

Bob y Harvey Weinstein fundaron TWC en el 2005, habiendo sido cofundadores de Miramax y dueños del logo Dimension films. Han realizado 59 filmes TWC, 29 Dimension y 19 codistribuidos por Metro Goldwyn Mayer. Tiene alianzas con Entertainment Films Distributors y con Momentum Pictures (una omnipresente distribuidora de la presente década) de Reino Unido.

Volviendo a “The iron…” cabe destacar que ganó igualmente el Oscar 2012 al Mejor Maquillaje en la mano de Mark Coulier (maquillista de efectos en “Harry Potter”, “Alien”, “Star Wars”) y J. Roy Helland (quien ha acompañado a Meryl entre 1982 y 2012 en todas sus actuaciones durante estas gloriosas tres décadas, como estilista de cabello y maquillador).

Acerca del título, varias damas de hierro han sido Elena Coacescu (Rumania), Imelda Marcos (la Mariposa, Filipinas), Indira Ghandi (Inidia), Golda Meir (Israel) y aún Angela Merkel (Alemania). Margareth Tatcher (87 años) fue Primera Ministra durante 11 años (1979-1990) y gran símbolo, junto con Ronald Reagan, de las políticas del Neoliberalismo mundial.

Actualmente, Tatcher padece demencia senil, confunde Malvinas con Bosnia y no recuerda que su esposo Denis murió ya en el 2003, todo lo cual hace parte, precisamente, del eje argumental de la película. En ella vemos a Margareth, confundida en su vejez, ensoñando imágenes sueltas de su activismo en el poder, hablando a solas con su esposo fallecido, lo cual hace que el guión contenga un gran componente subjetivista de parte de Abi Morgan.

Phyllida Lloyd, dirige a Meryl nuevamente, ya lo había hecho en “Mamma Mía”. Alexandra Roach, la reemplaza en su actuación joven dentro de la película.

El argumento cubre hechos como los recuerdos de su hijo Mark, quien vive en el sur de África en la actualidad y de la tensa relación de Margareth con su propia madre y con su hija Carol. Los flashbacks recuerdan su trabajo en la tienda de su padre en Grantham, su ingreso a la Universidad de Oxford, su entrada al gabinete de Edward Heath, su amistad con Airey Neave y detalles con su entrenador de voz y cambio de imagen. Como primera Ministra del Reino Unido se hace remembranza del aumento del desempleo debido a sus políticas monetaristas, los disturbios de Brixton de 1981, la huelga de los mineros de 1984 y el bombazo del Gran Hotel durante la Conferencia del Partido Conservador, en el cual ella y Denis estuvieron en riesgo de morir. Breves recuerdos de Reagan, el otro símbolo neoliberal de la época, y su apostura presidencial. Es trascendente el momento de su decisión de retomar las Malvinas después de su invasión en 1982, el hundimiento del buque General Belgrano y la posterior victoria en esta Guerra. Escenas de su despotrique sobre su gabinete, negándose a aceptar el "Poll Tax”, la humillación que le hace a Geoffrey Howe quien dimite por ello y la posterior victoria de Michael Heseltine. quien la forza a ella a su vez a su dimisión como primer ministro propiciando el ascenso de John Major.

La película es una reflexión universal sobre la realidad de la vejez más que un documento crítico sobre el “tatcherismo”. Los aspectos políticos están bastante reducidos y se da relieve al, supuesto o real, autarquismo feminista vivido por la Tatcher en medio de hombres poderosos que, sin embargo, se ven empujados por la historia y las reacciones de la Primera Ministra a los hechos relevantes que se dieron durante su período.

Streep, por su parte, llena la pantalla, clona de manera excelente a la Tatcher y justifica su elección como actriz de un rol respetuoso y humano sobre esta figura pública icónica. Se le premió con esta oportunidad artística y ella la ratificó obteniendo diez de los más importantes galardones de actuación en el mundo (Oscar, Australian, BAFTA, Golden Globe, premios de Críticos de Irlanda…, Londres..., Nueva York…, Australia…, entre otros). Sin ser muy profunda ni un gran logro, la película es para iniciados y para admirar este trabajo individual, no para una gran taquilla.

DRIVE

Hay algo interesante en la atmósfera de “Drive”, pero un ritmo algo lento en el contexto de un conductor diestro y veloz, “stuntmen” de cine en sus horas extras, mecánico experto y contratista de delincuentes en la noche. Ya se había hecho “The driver” con Ryan O´Neal en 1978, escrita y dirigida por el estupendo Walter Hill, cuya filmografía hizo aportes en los géneros de acción de las últimas cuatro décadas.

El filme es dirigido por Nicolas Winding Refn, un director danés cuyo actor insignia ha sido Mads Mikkelsen en “Pusher” I-II-III a quien se recuerda de “Casino Royale”, “Coco Chanel & Igor Stravinsky”, “Flame y Citrón”. Hay una curiosa aparición de Russ Tamblyn, 78, (en el papel de Doc), el otrora famoso bailarín por haber representado al líder de los Jets en “West Side Story” (musical clásico, con base en Romeo & Juliet, de Wise y Robbins) hace ya medio siglo, que aunque lleva 64 años actuando, poco reconocida es su filmografía.

“Drive” es un filme de la globalización, mezcla de elementos dramáticos nórdicos, de íconos norteamericanos y de atmósferas japonesas. Combina “cast y drew” internacional, silencios expectantes (derivados del lenguaje de Walter Hill) y una historia samurái que va bien con la usual “poker face” de Ryan Gosling (otro actor Disney, “Blue Valentine”, “The ides of march”).

Carey Mulligan (“An Education”), Christina Hendricks (TVactriz, reconocida por sus “boobies”), Ron Perlman (“Quest for Fire”, “HellBoy”, “Beauty and the Beast”), entre otros, acompañan la “no actuación” de Ryan.

Es una película bien facturada, plena copia del estilo Walter Hill de hace treinta años. Pero se abusa del tono “James Dean” propuesto a Ryan Gosling. Con los antecedentes de “remake” y un ritmo llano de ciertos picos sangrientos, a esta producción no debería acercársele al mote de obra maestra, aunque estuvo nominada por edición de sonido en los Oscares 2012 y por la actuación (¿¡?) de Albert Brooks (como Bernie), en los Golden Globes de este año.

AL FILO DE LA MENTIRA (THE DEBT)

“La deuda”, también ha sido titulada como “La duda” en otros países, un equívoco idiomático de traducción muy claro, si bien lo que fundamenta el argumento de este film es una duda existente entre tres excompañeros espías y una deuda que uno de ellos debe pagar finalmente como muestra de lealtad, consigo misma, con su familia y con su país.

Mal titulado este en español. Las buenas traducciones no son una virtud de los distribuidores, que requerirían aquellos expertos linguísticos de las mejores editoriales y obras literarias. En este caso el hilo de la historia no es vivir al filo de la mentira, al borde de ella, sino con la mentira misma hasta hacerla verdad pagando esa deuda.

Sam Worthington y Ciaran Hinds tienen el rol de David, joven y de mayor edad. Jessica Chastain y Helen Mirren hacen a Rachel, a los 25 y 60 años. Marton Csokas y Tom Wilkinson a Stefan, interpretan las dos etapas etáreas de Stefan.

Jesper Christensen, por su parte, hace un Vogel, monstruo cirujano nazi. John Madden (“Shakespeare in love”, “Captain Correlli´s Mandoline”) dirige bien el guión establecido por Matthew Vaughn y Jane Goldman, que lo escribieron combinando sus destrezas (“Kick ass”, X-MEN”, “Stardust”), con las de Peter Straughan, (“Tinker Taylor, Soldier, Spy” y “The men who stare at goats”). Por ello, es esta la mayor virtud del film comentado.

La hija de Rachel publica un libro en el cual su madre es la heroína cazadora de un nazi, que aún está vivo… La película es interesante por sus flashbacks y todas las actuaciones. Sam Worthington (“Terminator salvation”, “Clash of the titans”, “Avatar”, de las cuales todas tienen ya secuelas) es quien sorprende un poco con su rostro impertérrito-infantil acostumbrado. Un film para quienes gustan del espionaje en todas sus formas.

RETO DE VALIENTES (COURAGEOUS)

Lo que distingue a este film es su origen en Sherwood Pictures, compañia de cine de la Iglesia Bautista. Sus producciones mantienen mensajes evangélicos dirigidos a enaltecer valores personales, familiares y sociales, dentro de una ética cristiana.

Desde el año 2003 esta compañía fílmica ha realizado varios filmes: “Flywheel”, “Facing the giants”, “Fireproof” y ahora “Courageous”. En todas ellas, Alex Kendrick dirige y actúa. El Hermano Kendrick es pastor asociado de esta iglesia local de Albania, Georgia, y fundador de dicho estudio productor de los filmes mencionados de “low cost” que van de US$20.000, US$100.000 y US$500.000 a US$1.000.000, respectivamente, obtienen sus “low budgets” con base en donaciones.

El resultado ha sido una empresa cinematográfica mediana, dirigida a desarrollar mensajes focalizados que, en el caso de los filmes anotados, han tratado el tema de los vendedores de vehículos, los equipos de futbol americano, los cuerpos de bomberos y ahora los agentes de policía. Como se observa, la segmentación prevista busca enfocarse a grupos sociales característicos y/o de servicio a la comunidad en su país de origen.

Siendo plausible, el enfoque mercadológico de Sherwood Pictures es de innegable valor moral en sus argumentos y guiones, pero sus películas son de un formato más apropiado a una programación televisiva y familiar. No corresponden a lo que el público asistente a salas de cine espera ver en la pantalla grande.

A este respecto se debe recordar que la diferencia fundamental entre el cine producido para TV y el dirigido a las salas de asistencia masiva es su nivel tecnológico. El cine es de mayor formato, más escala, imagen de alta definición y resolución, actuaciones más teatralizadas (¡!!), novedades argumentales, innovaciones tecnológicas, lugares reales, hiperficción, argumentos de carácter universal. Todo ello para lograr el nivel de concentración alcanzado en una sala oscura que es casi del 100%.

El formato TV es “soft”, no requiere captar de manera intensa la atención de un público familiar que usualmente se disgrega con los eventos caseros y puede tener una desatención que, por capricho de medición, será del 50% o más, incluyendo los tiempos de comerciales.

“Courageous” muestra los pesares y felicidades de policías en sus relaciones filiales. Busca enseñar a compartir la vida con los hijos y hacer muy concreto el amor por ellos, una incógnita de los cuatro compañeros que es resuelta en mezcla con los peligros de la vigilancia en las calles. Lo interracial y delincuencial, así como los interiores hogareños y las persecuciones policiales, son el contexto del apego a las creencias religiosas y la didáctica de unos buenos valores éticos y sociales, en un intento de un producto familiar con elementos de acción que, en su formato, iría mejor en la TV de domingo en la tarde.

SIEMPRE EL MISMO DÍA (ONE DAY)

La juventud “open mind”: una mujercita en búsqueda de amor recorriendo caminos de libertad y un joven exitoso y algo superficial, que pasan los años huyendo a una vida de pareja comprometida para envejecer enamoradamente separados.

Anne Hathaway, talentosa chica “Disney”, y Jim Sturges, buen actor y cantautor, llevan a la pantalla la parábola de celebración de graduación un 15 de julio, aniversario que se repite durante veinte años, sin permitir que la verdadera felicidad sea reconocida por quienes realmente se quieren y envejecen sin saber aceptarlo.

Lone Scherfig, talentosa directora (“An education”) es profunda, intimista y personal en su perspectiva. Lleva a una comprensión de la confusa relación entre amor y amistad, con un filme simpático y de buena factura basado en el libro de David Nicholls cuyo argumento encaja bien en el enfoque sensible que la directora maneja en sus obras fílmicas.

SECRETOS PELIGROSOS (THE WHITLEBLOWER)

Rachel Weisz, literata de Cambridge University, judía, ganadora de Oscar, Globo de Oro, Laurence Olivier, SAG, Spirit Award, exesposa de Daren Aromofsky (“Black Swan”) y esposa de Daniel Craig (“007”) desempeña este rol de denunciante en el filme que en otros países se ha titulado como ”la sombra del delator”.

¿Cuál es la denuncia? Un hecho verídico de corrupción al interior de personal de la ONU comprometido en tráfico sexual y corrupción contractual en misiones internacionales de paz. Al pertenecer al Destacamento Policial Internacional (DPI), la periodista Kathryn Bolkovac se enfrenta a intereses multinacionales de Dyncorp (contratista de la ONU) en Bosnia. Buen contexto para un guión que no capta el interés esperado sobre un asunto que, lejos de obtener su justa difusión, pasará de manera algo intrascendente por las salas de cine “arte”.

VENGADOR ANÓNIMO (SEEKING JUSTICE)

Buscando justicia trae el recuerdo de la película pionera del concepto de “vigilante” surgido en el filme “Death Wish” de 1974, estelarizado por Charles Bronson, aquel notorio “tough guy” invencible del oeste rural y la selva urbana. Muere su esposa de manera vil y decide vengarse por propia mano, lo que en el contexto cultural de hace cuatro décadas era sorprendente.

Nicolas Cage no encarna este tipo de “héroe” en “Seeking…”. Por el contrario hace un antihéroe que cae en la tentación de aceptar la oferta de venganza de la violación de su mujer, quien acá no muere, por parte de un grupo especie de “mano negra” contra la delincuencia común que mantiene una estrategia de cadena de favores: yo te vengo, tú te vengas por otro, el otro se venga por aquel…. La gran diferencia reside en que esta venganza por tercera mano resulta en extorsión mortal, necesaria para que la cadena no se rompa.

PARA LAS MUJERES, !!! FELICES TODOS LOS DÍAS !!! marzo 8 de 2012

CON EL DIABLO ADENTRO (THE DEVIL INSIDE)

Insurge Pictures es una productora con dos años de iniciada en proyectos de bajo presupuesto. Todo empezó con “Paranormal Activity”, por culpa de DreamWorks y la distribución mundial de la poderosa Paramount, que multiplicó menos de U$1 a más de US$150 millones, siendo un bodrio risible.

Luego, las versiones de “PA 2” y “PA 3” lograron a manos de una Blumhouse Productions multiplicar U$3 a más de US$175 millones y U$5 a más de US$205 millones, respectivamente, engañando a la ingenua masa desprevenida y llena de temoras nacidos en casa. Paramount, tan seria, pero tan interesada apoya el asunto.

Ahora, “The devil inside” con solo US$1 millón van en US$70 millones y continuará barriendo billetes de los pisos de las salas de cine tercermundistas bajo el manto poderoso de Paramount Pictures. Los trucos: una nota que diga “Inspired by true events”, cámara al hombro en blanco y negro, videos borrosos de cámaras de vigilancia, lentes de contacto sin pupila, plagios continuos a la siempre recordada “The exorcist” con torres de templo, mujer atada que se eleva, voz diabólica que simula, cuerpos lanzados con violencia a las paredes, sacerdotes que mueren… en solo 80 minutos.

Resultado: el público contribuirá con la noble y desinteresada causa de estos avivatos productores de crisis, amparados por ese cartel que asusta almas infantilmente desoladas en las estaciones de transporte.

DESPUÉS DE LA VIDA (AFTER LIFE)

“After Life” tiene a Liam Neeson (“…Schindler”), Christina Ricci (recordada Wednesday Adams en TV) y Justin Long (acompañante fílmico de estrellas pero regular actor) como los atractivos del elenco y un cadáver joven de vestido rojo como atracción del poster. Nada más.

Mientras Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, novel guionista y directora polaca de 37 años, logra con su primera película generar dudas sobre la posible psicopatía del personaje de Neeson y la eventual patología paranoica de la Ricchi ¿está muerta, en coma, dopada o vive?, el público pondrá atención. Luego, cuando Long, su novio argumental, duda por enamorado que ella haya muerto, se llega al clímax del filme para luego caer en picada vertical dejando la sensación de que se ha perdido el tiempo en la sala de cine.