LA DAMA DE HIERRO (THE IRON LADY)

¿Un premio a la mejor actuación o una actuación para la más premiada? Quizá, lo segundo.

Meryl Streep (63 ¡!!) puede ser la reina del cine occidental, sin exageración. Debía entonces ser la primera ministra del neoliberalismo en el cine. Desde “Julia”, “The deer hunter”, “Manhattan”… “Out of Africa”… “House of the Spirits”, “The bridges of Madison County”, o “Sophie´s choice” a “The hours”, “The devil wears Prada” o “Julie y Julia”, hasta hoy, toda su filmografía es casi obligante. Su casi centena de nominaciones, sus triunfos con 3 Oscares, 8 Globos de Oro, 2 Emmy, 2 SAGA, 1 Cannes, 5 NY Critics, 2 BAFTA, 1 AFIA y 1 AFI, no tienen competencia.

No obstante, tras esta película hay un anecdótico e-mail que la productora Weinstein envió a “The Hollywood reporter” ensalzando el papel de Meryl Streep en el filme y recordando a los miembros de la Academia que “hace más de 29 años que la actriz no gana la estatuilla”. Luego, Meryl, al recibir su trofeo llamó “Dios”a Harvey, el distribuidor y magnate de The Weinstein Company (TWC), reconociendo lo que todos saben, que en la entrega 2012 hubo un dominio de esta empresa con ”Undefeated”, “My week with Marylin”, “The artist”, “W.E.” y la misma “The iron Lady”.

Bob y Harvey Weinstein fundaron TWC en el 2005, habiendo sido cofundadores de Miramax y dueños del logo Dimension films. Han realizado 59 filmes TWC, 29 Dimension y 19 codistribuidos por Metro Goldwyn Mayer. Tiene alianzas con Entertainment Films Distributors y con Momentum Pictures (una omnipresente distribuidora de la presente década) de Reino Unido.

Volviendo a “The iron…” cabe destacar que ganó igualmente el Oscar 2012 al Mejor Maquillaje en la mano de Mark Coulier (maquillista de efectos en “Harry Potter”, “Alien”, “Star Wars”) y J. Roy Helland (quien ha acompañado a Meryl entre 1982 y 2012 en todas sus actuaciones durante estas gloriosas tres décadas, como estilista de cabello y maquillador).

Acerca del título, varias damas de hierro han sido Elena Coacescu (Rumania), Imelda Marcos (la Mariposa, Filipinas), Indira Ghandi (Inidia), Golda Meir (Israel) y aún Angela Merkel (Alemania). Margareth Tatcher (87 años) fue Primera Ministra durante 11 años (1979-1990) y gran símbolo, junto con Ronald Reagan, de las políticas del Neoliberalismo mundial.

Actualmente, Tatcher padece demencia senil, confunde Malvinas con Bosnia y no recuerda que su esposo Denis murió ya en el 2003, todo lo cual hace parte, precisamente, del eje argumental de la película. En ella vemos a Margareth, confundida en su vejez, ensoñando imágenes sueltas de su activismo en el poder, hablando a solas con su esposo fallecido, lo cual hace que el guión contenga un gran componente subjetivista de parte de Abi Morgan.

Phyllida Lloyd, dirige a Meryl nuevamente, ya lo había hecho en “Mamma Mía”. Alexandra Roach, la reemplaza en su actuación joven dentro de la película.

El argumento cubre hechos como los recuerdos de su hijo Mark, quien vive en el sur de África en la actualidad y de la tensa relación de Margareth con su propia madre y con su hija Carol. Los flashbacks recuerdan su trabajo en la tienda de su padre en Grantham, su ingreso a la Universidad de Oxford, su entrada al gabinete de Edward Heath, su amistad con Airey Neave y detalles con su entrenador de voz y cambio de imagen. Como primera Ministra del Reino Unido se hace remembranza del aumento del desempleo debido a sus políticas monetaristas, los disturbios de Brixton de 1981, la huelga de los mineros de 1984 y el bombazo del Gran Hotel durante la Conferencia del Partido Conservador, en el cual ella y Denis estuvieron en riesgo de morir. Breves recuerdos de Reagan, el otro símbolo neoliberal de la época, y su apostura presidencial. Es trascendente el momento de su decisión de retomar las Malvinas después de su invasión en 1982, el hundimiento del buque General Belgrano y la posterior victoria en esta Guerra. Escenas de su despotrique sobre su gabinete, negándose a aceptar el "Poll Tax”, la humillación que le hace a Geoffrey Howe quien dimite por ello y la posterior victoria de Michael Heseltine. quien la forza a ella a su vez a su dimisión como primer ministro propiciando el ascenso de John Major.

La película es una reflexión universal sobre la realidad de la vejez más que un documento crítico sobre el “tatcherismo”. Los aspectos políticos están bastante reducidos y se da relieve al, supuesto o real, autarquismo feminista vivido por la Tatcher en medio de hombres poderosos que, sin embargo, se ven empujados por la historia y las reacciones de la Primera Ministra a los hechos relevantes que se dieron durante su período.

Streep, por su parte, llena la pantalla, clona de manera excelente a la Tatcher y justifica su elección como actriz de un rol respetuoso y humano sobre esta figura pública icónica. Se le premió con esta oportunidad artística y ella la ratificó obteniendo diez de los más importantes galardones de actuación en el mundo (Oscar, Australian, BAFTA, Golden Globe, premios de Críticos de Irlanda…, Londres..., Nueva York…, Australia…, entre otros). Sin ser muy profunda ni un gran logro, la película es para iniciados y para admirar este trabajo individual, no para una gran taquilla.

DRIVE

Hay algo interesante en la atmósfera de “Drive”, pero un ritmo algo lento en el contexto de un conductor diestro y veloz, “stuntmen” de cine en sus horas extras, mecánico experto y contratista de delincuentes en la noche. Ya se había hecho “The driver” con Ryan O´Neal en 1978, escrita y dirigida por el estupendo Walter Hill, cuya filmografía hizo aportes en los géneros de acción de las últimas cuatro décadas.

El filme es dirigido por Nicolas Winding Refn, un director danés cuyo actor insignia ha sido Mads Mikkelsen en “Pusher” I-II-III a quien se recuerda de “Casino Royale”, “Coco Chanel & Igor Stravinsky”, “Flame y Citrón”. Hay una curiosa aparición de Russ Tamblyn, 78, (en el papel de Doc), el otrora famoso bailarín por haber representado al líder de los Jets en “West Side Story” (musical clásico, con base en Romeo & Juliet, de Wise y Robbins) hace ya medio siglo, que aunque lleva 64 años actuando, poco reconocida es su filmografía.

“Drive” es un filme de la globalización, mezcla de elementos dramáticos nórdicos, de íconos norteamericanos y de atmósferas japonesas. Combina “cast y drew” internacional, silencios expectantes (derivados del lenguaje de Walter Hill) y una historia samurái que va bien con la usual “poker face” de Ryan Gosling (otro actor Disney, “Blue Valentine”, “The ides of march”).

Carey Mulligan (“An Education”), Christina Hendricks (TVactriz, reconocida por sus “boobies”), Ron Perlman (“Quest for Fire”, “HellBoy”, “Beauty and the Beast”), entre otros, acompañan la “no actuación” de Ryan.

Es una película bien facturada, plena copia del estilo Walter Hill de hace treinta años. Pero se abusa del tono “James Dean” propuesto a Ryan Gosling. Con los antecedentes de “remake” y un ritmo llano de ciertos picos sangrientos, a esta producción no debería acercársele al mote de obra maestra, aunque estuvo nominada por edición de sonido en los Oscares 2012 y por la actuación (¿¡?) de Albert Brooks (como Bernie), en los Golden Globes de este año.

AL FILO DE LA MENTIRA (THE DEBT)

“La deuda”, también ha sido titulada como “La duda” en otros países, un equívoco idiomático de traducción muy claro, si bien lo que fundamenta el argumento de este film es una duda existente entre tres excompañeros espías y una deuda que uno de ellos debe pagar finalmente como muestra de lealtad, consigo misma, con su familia y con su país.

Mal titulado este en español. Las buenas traducciones no son una virtud de los distribuidores, que requerirían aquellos expertos linguísticos de las mejores editoriales y obras literarias. En este caso el hilo de la historia no es vivir al filo de la mentira, al borde de ella, sino con la mentira misma hasta hacerla verdad pagando esa deuda.

Sam Worthington y Ciaran Hinds tienen el rol de David, joven y de mayor edad. Jessica Chastain y Helen Mirren hacen a Rachel, a los 25 y 60 años. Marton Csokas y Tom Wilkinson a Stefan, interpretan las dos etapas etáreas de Stefan.

Jesper Christensen, por su parte, hace un Vogel, monstruo cirujano nazi. John Madden (“Shakespeare in love”, “Captain Correlli´s Mandoline”) dirige bien el guión establecido por Matthew Vaughn y Jane Goldman, que lo escribieron combinando sus destrezas (“Kick ass”, X-MEN”, “Stardust”), con las de Peter Straughan, (“Tinker Taylor, Soldier, Spy” y “The men who stare at goats”). Por ello, es esta la mayor virtud del film comentado.

La hija de Rachel publica un libro en el cual su madre es la heroína cazadora de un nazi, que aún está vivo… La película es interesante por sus flashbacks y todas las actuaciones. Sam Worthington (“Terminator salvation”, “Clash of the titans”, “Avatar”, de las cuales todas tienen ya secuelas) es quien sorprende un poco con su rostro impertérrito-infantil acostumbrado. Un film para quienes gustan del espionaje en todas sus formas.

RETO DE VALIENTES (COURAGEOUS)

Lo que distingue a este film es su origen en Sherwood Pictures, compañia de cine de la Iglesia Bautista. Sus producciones mantienen mensajes evangélicos dirigidos a enaltecer valores personales, familiares y sociales, dentro de una ética cristiana.

Desde el año 2003 esta compañía fílmica ha realizado varios filmes: “Flywheel”, “Facing the giants”, “Fireproof” y ahora “Courageous”. En todas ellas, Alex Kendrick dirige y actúa. El Hermano Kendrick es pastor asociado de esta iglesia local de Albania, Georgia, y fundador de dicho estudio productor de los filmes mencionados de “low cost” que van de US$20.000, US$100.000 y US$500.000 a US$1.000.000, respectivamente, obtienen sus “low budgets” con base en donaciones.

El resultado ha sido una empresa cinematográfica mediana, dirigida a desarrollar mensajes focalizados que, en el caso de los filmes anotados, han tratado el tema de los vendedores de vehículos, los equipos de futbol americano, los cuerpos de bomberos y ahora los agentes de policía. Como se observa, la segmentación prevista busca enfocarse a grupos sociales característicos y/o de servicio a la comunidad en su país de origen.

Siendo plausible, el enfoque mercadológico de Sherwood Pictures es de innegable valor moral en sus argumentos y guiones, pero sus películas son de un formato más apropiado a una programación televisiva y familiar. No corresponden a lo que el público asistente a salas de cine espera ver en la pantalla grande.

A este respecto se debe recordar que la diferencia fundamental entre el cine producido para TV y el dirigido a las salas de asistencia masiva es su nivel tecnológico. El cine es de mayor formato, más escala, imagen de alta definición y resolución, actuaciones más teatralizadas (¡!!), novedades argumentales, innovaciones tecnológicas, lugares reales, hiperficción, argumentos de carácter universal. Todo ello para lograr el nivel de concentración alcanzado en una sala oscura que es casi del 100%.

El formato TV es “soft”, no requiere captar de manera intensa la atención de un público familiar que usualmente se disgrega con los eventos caseros y puede tener una desatención que, por capricho de medición, será del 50% o más, incluyendo los tiempos de comerciales.

“Courageous” muestra los pesares y felicidades de policías en sus relaciones filiales. Busca enseñar a compartir la vida con los hijos y hacer muy concreto el amor por ellos, una incógnita de los cuatro compañeros que es resuelta en mezcla con los peligros de la vigilancia en las calles. Lo interracial y delincuencial, así como los interiores hogareños y las persecuciones policiales, son el contexto del apego a las creencias religiosas y la didáctica de unos buenos valores éticos y sociales, en un intento de un producto familiar con elementos de acción que, en su formato, iría mejor en la TV de domingo en la tarde.

SIEMPRE EL MISMO DÍA (ONE DAY)

La juventud “open mind”: una mujercita en búsqueda de amor recorriendo caminos de libertad y un joven exitoso y algo superficial, que pasan los años huyendo a una vida de pareja comprometida para envejecer enamoradamente separados.

Anne Hathaway, talentosa chica “Disney”, y Jim Sturges, buen actor y cantautor, llevan a la pantalla la parábola de celebración de graduación un 15 de julio, aniversario que se repite durante veinte años, sin permitir que la verdadera felicidad sea reconocida por quienes realmente se quieren y envejecen sin saber aceptarlo.

Lone Scherfig, talentosa directora (“An education”) es profunda, intimista y personal en su perspectiva. Lleva a una comprensión de la confusa relación entre amor y amistad, con un filme simpático y de buena factura basado en el libro de David Nicholls cuyo argumento encaja bien en el enfoque sensible que la directora maneja en sus obras fílmicas.

SECRETOS PELIGROSOS (THE WHITLEBLOWER)

Rachel Weisz, literata de Cambridge University, judía, ganadora de Oscar, Globo de Oro, Laurence Olivier, SAG, Spirit Award, exesposa de Daren Aromofsky (“Black Swan”) y esposa de Daniel Craig (“007”) desempeña este rol de denunciante en el filme que en otros países se ha titulado como ”la sombra del delator”.

¿Cuál es la denuncia? Un hecho verídico de corrupción al interior de personal de la ONU comprometido en tráfico sexual y corrupción contractual en misiones internacionales de paz. Al pertenecer al Destacamento Policial Internacional (DPI), la periodista Kathryn Bolkovac se enfrenta a intereses multinacionales de Dyncorp (contratista de la ONU) en Bosnia. Buen contexto para un guión que no capta el interés esperado sobre un asunto que, lejos de obtener su justa difusión, pasará de manera algo intrascendente por las salas de cine “arte”.

VENGADOR ANÓNIMO (SEEKING JUSTICE)

Buscando justicia trae el recuerdo de la película pionera del concepto de “vigilante” surgido en el filme “Death Wish” de 1974, estelarizado por Charles Bronson, aquel notorio “tough guy” invencible del oeste rural y la selva urbana. Muere su esposa de manera vil y decide vengarse por propia mano, lo que en el contexto cultural de hace cuatro décadas era sorprendente.

Nicolas Cage no encarna este tipo de “héroe” en “Seeking…”. Por el contrario hace un antihéroe que cae en la tentación de aceptar la oferta de venganza de la violación de su mujer, quien acá no muere, por parte de un grupo especie de “mano negra” contra la delincuencia común que mantiene una estrategia de cadena de favores: yo te vengo, tú te vengas por otro, el otro se venga por aquel…. La gran diferencia reside en que esta venganza por tercera mano resulta en extorsión mortal, necesaria para que la cadena no se rompa.

PARA LAS MUJERES, !!! FELICES TODOS LOS DÍAS !!! marzo 8 de 2012

CON EL DIABLO ADENTRO (THE DEVIL INSIDE)

Insurge Pictures es una productora con dos años de iniciada en proyectos de bajo presupuesto. Todo empezó con “Paranormal Activity”, por culpa de DreamWorks y la distribución mundial de la poderosa Paramount, que multiplicó menos de U$1 a más de US$150 millones, siendo un bodrio risible.

Luego, las versiones de “PA 2” y “PA 3” lograron a manos de una Blumhouse Productions multiplicar U$3 a más de US$175 millones y U$5 a más de US$205 millones, respectivamente, engañando a la ingenua masa desprevenida y llena de temoras nacidos en casa. Paramount, tan seria, pero tan interesada apoya el asunto.

Ahora, “The devil inside” con solo US$1 millón van en US$70 millones y continuará barriendo billetes de los pisos de las salas de cine tercermundistas bajo el manto poderoso de Paramount Pictures. Los trucos: una nota que diga “Inspired by true events”, cámara al hombro en blanco y negro, videos borrosos de cámaras de vigilancia, lentes de contacto sin pupila, plagios continuos a la siempre recordada “The exorcist” con torres de templo, mujer atada que se eleva, voz diabólica que simula, cuerpos lanzados con violencia a las paredes, sacerdotes que mueren… en solo 80 minutos.

Resultado: el público contribuirá con la noble y desinteresada causa de estos avivatos productores de crisis, amparados por ese cartel que asusta almas infantilmente desoladas en las estaciones de transporte.

DESPUÉS DE LA VIDA (AFTER LIFE)

“After Life” tiene a Liam Neeson (“…Schindler”), Christina Ricci (recordada Wednesday Adams en TV) y Justin Long (acompañante fílmico de estrellas pero regular actor) como los atractivos del elenco y un cadáver joven de vestido rojo como atracción del poster. Nada más.

Mientras Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, novel guionista y directora polaca de 37 años, logra con su primera película generar dudas sobre la posible psicopatía del personaje de Neeson y la eventual patología paranoica de la Ricchi ¿está muerta, en coma, dopada o vive?, el público pondrá atención. Luego, cuando Long, su novio argumental, duda por enamorado que ella haya muerto, se llega al clímax del filme para luego caer en picada vertical dejando la sensación de que se ha perdido el tiempo en la sala de cine.

HUGO (LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET)

Brian Selznick (46), un nieto del primo del poderoso de la Metro de los años cincuentas, David O. Selznick (“Lo que el viento se llevó”, “David Copperfield”, “Historia de dos ciudades”), escribe literatura de magia, robots y niños, de lo cual se compone la atmósfera de “Hugo”. En este caso se inspira en Georges Méliés, de quien se acaba de celebrar el 150 aniversario de su nacimiento. Georges puso en práctica la invención de los hermanos Auguste y Louis Lumiere convirtiéndose en el filmógrafo por excelencia, el primero en jugar con la escenografía, la coloración cuadro por cuadro y la cámara lenta. En solo 17 años (1896-1913) dejó a la posteridad más de quinientos filmes (luego comercializados por Thomas Alba Edison en Estados Unidos), de los cuales el más recordado “Viaje a la luna”, inspirado en la novela de Julio Verne.

En “Hugo” se recrea el hecho real del retiro frustrado de Georges, de su reencuentro con una de sus actrices Jeanne D´alcy, quien administra un kiosco de juguetes en la estación de Montparnasse (bella recreación de Scorsese, con los personajes trocados convenientemente). León Druhot un director de prensa de cine lo reconoce y rescata. Este es el eje de la película que acaba de obtener numerosos galardones en Europa y Norteamérica.

Martin Scorsese, quien fue condecorado con la Legión de Honor francesa, hace un homenaje con “Hugo” a este país, como meca de la invención de la fábrica de sueños sobre pantalla plateada. Es Presidente de la “The Film Foundation”, precisamente encargada de preservar filmes clásicos, a la cual pertenecen directores como Allen, Coppola, Altman, Eastwood, Lucas, Redford, Spielberg, Jackson, Lee, entre otros.

“Hugo” es la nostalgia por la literatura de aventura (Verne, Dickens, Melville, Dumas) como el origen argumental de lo mejor del cine, por la pasión que estos libros despertaban en quienes hoy son tercera edad, por ese gran arte que es el cinematógrafo. El 3D, los “travellings, las escenas clásicas (tren, luna, hombres voladores, Buster Keaton colgado de las manecillas del gran reloj, persecusiones, estudios de cine como centros de ilusionismo), permiten a Scorsese realizar otra más de sus genialidades.

¿Existe hoy una base literaria del cine? Si, obviamente. Pero nunca de aquella que era primero leída y luego cinematografiada. Con “Hugo” queda en al aire una pregunta más acerca de la supervivencia del libro como fuente de entretenimiento y cultura infantil. Quizá por ello esta película, en esencia infantil, tendrá mejor público en adultos y paradójicamente parecerá común a los pequeños de hoy.

Scorsese dirige a Ben Kinsley, Christopher Lee, Jude Law y al iconoclasta Sacha Baron Cohen, para que Asa Butterfield (“El niño con la pijama de rayas”) viva sus aventuras junto a Chloë Grace Moretz, esa niña estupenda de “500 días juntos”, “Déjame entrar” y “Kick- ass”.

“Hugo” representa un intercambio fílmico con Francia. Estados Unidos hace este homenaje al cine galo enfrentado a “The Artist”, un motivo francés de recuerdo del cine mudo producido en América, al modo del antiguo Hollywood. “Hugo” es una crónica del inicio del cine como vaudeville e ilusionismo teatral proyectado en kinetoscopio y “The Artist” una anécdota de su segunda etapa muda, ya industrial, y de la transición a su época parlante, quizá de allí el equilibrio de los galardones para estos filmes de 2012, pues la Academia Americana hace una venia honrosa a Francia, aunque tropieza al agacharse con el buen Scorsese como director.

LOS PREMIOS OSCAR 2012

En un atrevido ejercicio de lotería, teniendo en cuenta que en esta publicitada premiación que representa el "Oscar" no hay puntuaciones para el público y solo se conocerá cada ganador, las probabilidades a que apueste este blog son las siguientes (los asteriscos representan los productos no vistos):

Mejor Película
"The artist"" 1 ACIERTO
"Hugo" 2
"The descendants" 3
"The help" 4
"Midnight in Paris" 5
"War horse" 6
"Moneyball" 7
"Extremely Loud & Incredibly Close" (*)
"The tree of life" 9
Mejor Actor
Jean Dujardin, "The artist" 1 ACIERTO
Demián Bichir, "A better life"" 2
George Clooney, "The descendants" 3
Brad Pitt, "Moneyball"". 4
Gary Oldman, "Tinker Tailor Soldier Spy" 5
Mejor Actriz
Meryl Streep, "The Iron Lady" 1 ACIERTO
Glenn Close, "Albert Nobbs" 2
Viola Davis, "The help" Rooney Mara, "The girl with the dragon tattoo" 3
Michelle Williams, "My Week with Marilyn" (*)
Rooney Mara "The girl with the dragon tattoo" 5
Mejor Actor de reparto
Christopher Plummer, "Beginners" 1 ACIERTO
Jonah Hill, "Moneyball" 2
Max von Sydow, "Extremely Loud & Incredibly Close" (*)
Nick Nolte, "Warrior" (*)
Kenneth Branagh, "My week with Marilyn" (*)
Mejor Actriz de reparto
Octavia Spencer, "The Help" 1 ACIERTO
Jessica Chastain, "The help" 2
Melissa McCarthy, "Bridesmaids" 3
Berenice Bejo, "The artist" 4
Janet McTeer, "Albert Nobbs" 5
Director
Martin Scorsese, "Hugo" 1
Michel Hazanavicius, "The artist" 2 ACIERTO
Alexander Payne, "The descendants" 3
Woody Allen, "Midnight in Paris" 4
Terrence Malick, "The Tree of Life" 5
Película Extranjera
"A Separation", Iran 1 ACIERTO
"Footnote", Israel (*)
"In Darkness", Poland (*)
"Bullhead", Belgium (*)
"Monsieur Lazhar", Canada (*)
Adaptación de Guión
John Logan, "Hugo" 1
George Clooney, Grant Heslov and Beau Willimon, "The Ides of March" 2
Alexander Payne, Nat Faxon and Jim Rash, "The descendants" 3 GANADORA
Steven Zaillian, Aaron Sorkin and Stan Chervin, "Moneyball" 4
Bridget O"Connor and Peter Straughan, "Tinker Tailor Soldier Spy" 5
Guión Original
Woody Allen, "Midnight in Paris" 1 ACIERTO
Annie Mumolo and Kristen Wiig, "Bridesmaids" 2
Michel Hazanavicius, "The artist" 3
Asghar Farhadi, "A Separation" 4
J.C. Chandor, "Margin Call" (*)
Película Animada
"Rango"". 1 ACIERTO
"A Cat in Paris" 2
"Chico & Rita" 3
"Kung Fu Panda 2" (*)
"Puss in Boots" 5
Dirección de Arte
"Hugo" 1 ACIERTO
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 2
"The artist" 3
"War Horse" 4
"Midnight in Paris" 5
Cinematografía
"Hugo" 1 ACIERTO
"The artist" 2
"The tree of life" 3
"War horse" 4
"The girl with the dragon tattoo" 5
Mezcla de Sonido
"Transformers: Dark of the Moon" 1
"War Horse" 2
"Hugo" 3 GANADORA
"The girl with the dragon tattoo" 4
"Moneyball" 5
Edición de Sonido
"Transformers: Dark of the Moon" " 1
"Hugo" 2 GANADORA
War Horse" 3
"The girl with the dragon tattoo" 4
"Drive" 5
Partitura Original
"The artist"", Ludovic Bource 1 ACIERTO
"Hugo"", Howard Shore 2
"The adventures of Tintin", John Williams 3
"War horse", John Williams 4
"Tinker Tailor Soldier Spy", Alberto Iglesias 5
Canción Original
"Real in Rio" de "Rio", Sergio Mendes, Carlinhos Brown and Siedah Garrett. 1
"Man or Muppet" de "The Muppets", Bret McKenzie (*) GANADORA
Vestuario
"Anonymous" 1
"Hugo" 2
"W.E" 3
"Jane Eyre" (*)
"The artist" 5 GANADORA
Documental
"Hell and back again" (*)
"If a tree falls: A Story of the Earth Liberation Front" (*)
"Paradise Lost 3: Purgatory" (*)
"Pina" (*)
"Undefeated" (*) GANADORA
Documental Cortometraje
"The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement"" (*)
"God Is the Bigger Elvis" (*)
"Incident in New Baghdad" (*)
"Saving Face" (*) GANADORA
"The Tsunami and the Cherry Blossom" (*)
Edición
"Hugo" 1
"The artist" 2
"The descendants" 3
"Moneyball" 4
"The girl with the dragon tattoo" 5 GANADORA
Maquillaje
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 1
"The Iron Lady" 2 GANADORA
"Albert Nobbs" 3
Cortometraje Animado
"Dimanche/Sunday" (*)
"The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" (*) GANADOR
"La Luna" (*)
"A Morning Stroll" (*)
"Wild Life" (*)
Cortometraje Animado en vivo
"Pentecost" (*)
"Raju" (*)
"The Shore" (*) GANADOR
"Time Freak" (*)
"Tuba Atlantic" (*)
Efectos Especiales
"Real Steel" 1
"Transformers: Dark of the Moon" 2
"Rise of the Planet of the Apes" 3
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 4
"Hugo" 5 GANADOR

Fueron 12 aciertos de 24 categorías, teniendo en cuenta que en 5 de ellas el material (cortos, principalmente) no está disponible en este país (63,15%).

EL ARTISTA (THE ARTIST)

Berenice Bejo estelariza acá para su esposo el director Michel Hazanavicius. Ambos franceses, aunque ella nacida en Argentina, comparten con el protagonista Jean Dujardin la aventura de recrear una pequeña historia sobre la transición del cine mudo al sonoro en medio de la cual un actor cae en decepción, declive, depresión y derrota profesional. Al elenco lo complementan John Goodman (“Pedro Picapiedra”), James Cromwell (“Babe”) y Penélope Ann Miller (“Chaplin”), quienes luego de estas películas han sido caras muy reconocidas en una gran cantidad de filmes norteamericanos y europeos.

Solo US$18 millones de presupuesto bastaron para revivir el blanco y negro, con música incidental y bailes evocadores de la gran depresión. Todo el derecho tiene esta producción gala de retomar los inicios del cine como espectáculo, pues desde Georges Melies, pasando por los hermanos Lumiere, las productoras también francesas aún vigentes como Pathe o Gaumont, fueron los vástagos de toda una corriente cultural dominante en el género mudo que precisamente por no tener barreras idiomáticas alcanzó total éxito, expandiendo la pantalla de plata a nivel global y abriendo una mina de oro a la cual los grandes estudios norteamericanos supieron explotar de inmediato.

El cine es francés y alemán en sus comienzos como género tecnológico y artístico, las grandes empresas productoras y los mercados cinematográficos ampliados son norteamericanos. “The artist” recrea las Clara Bow y Mari Pickford, también recuerda los John Barrymore, Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino. Además de los gerentes, directores y empresarios, como Griffith o De Mille.

La historia comienza muy bien, con excelentes actuaciones de Dujardin y Bejo, que gesticulan, se mueven y transmiten a la mejor manera de la cinematografía de hace un siglo, sin requerir profundas ojeras, exagerados movimientos y constantes ayudas de silenciosos letreros. En realidad “The artist” no recrea plenamente las condiciones técnicas de la época pues siendo versión modernizada su única diferencia con la actualidad es ser no parlante.

“Tha artist” puede ser un film algo didáctico para las juventudes de hoy, pero poco aporta a la historiografía e incluso a la cinematografía. Sus nominaciones tienen fundamentalmente una raíz nostálgica y una intención mercaderista, a pesar que para recrear ese universo deben reconocerse las descollantes actuaciones y el manejo de alta calidad técnica en la producción. Es un buen producto francés anticrisis en alianza conveniente con la enorme capacidad de distribución europeo-americana de Warner, Weinstein y Entertainment.

La corta película tiende a decaer en el tercio final del filme, finalizando con mucha menor fuerza narrativa que cuando empezó. Cabe esperar que el magnífico Dujardin no le birle el galardón de la Academia como actor principal al protagonista de la sencilla historia de “The descendents” e igual no pase con el reconocimiento a mejor película.

Incendies

La cinematografía acerca del problema libanés va desde lo feminista y romántico (“Caramel”), pasando por la calustrofóbica aventura bélica (“Líbano”), expresando el dolor de la masacre en bellas imágenes animadas (“Vals con Bashir”) o presentando una buena metáfora del impacto de la guerra fratricida en ese pequeño país que es escenario de las antagonías religiosas del tercer milenio, y de siempre.

Denis Villeneuve es el director canadiense de “Incendies”, a partir de una obra teatral de Wajdi Mouawad, un escritor joven (43) de ascendencia cristiano maronita y parte de la diáspora que del Líbano llevó a Canadá a una generación impactada en sus raíces por una guerra civil inexplicable en su origen e inexplicada en su impacto generacional, hasta “Incendies”. Compitió el año pasado en los oscares como Mejor película extranjera 2011 con “Biutiful” (México), “Canino” (Grecia), “En un mundo mejor” (Dinamarca), “Incendies” (Canadá) y “Hors-la-loi” (“Outside the law” de Argelia), todas ellas alrededor de las problemáticas humanas de las rencillas de etnia, cultura o creencia que se pueden observar en una sociedad de contrastes y significados globales. Ganó la primera, nunca la mejor lograda de todas, demostrando el sesgo occidentalista de un premio de marketing, que debió ir hacia el film dinamarqués por su mayor universalidad.

“Incendies” es una ficción dramática que resulta en una didáctica excelente de lo fratricida en un país donde cristianos y musulmanes, de fuerte ascendencia cultural francesa desde que fue protectorado hasta el final de la segunda guerra mundial, se disputan nacionalismos propios de cada uno de sus dioses. Uno de los innumerables conflictos internos que caracterizan el mundo contemporáneo, que desplegó sus imágenes a través de redes mediáticas sin comprensión plena por parte de las masas ociosas de las grandes ciudades. Durante su guerra civil (1975-1990) y luego con el enfrentamiento de Hezbollah y el entrometido Israel en el 2006, la cercanía de la Palestina convirtió al Líbano en campo de batalla de conflictos cercanos y territorio de ocupación hasta hace un lustro.

Es la metáfora alrededor de un testamento lo que permite que el guión describa cómo la activista estudiante católica, convertida en magnicida del líder musulmán de su localidad, cumpla 15 años de cárcel durante los cuales pare en prisión un hombre y luego dos gemelos, como resultado de reiteradas violaciones de su verdugo. “La mujer que canta” es el mote que la identifica por su reticencia a no doblegarse. Querrá como su voluntad final que el gemelo varón encuentre a su hermano desconocido. El hijo convertido en hábil “sniper” cristiano cambiará hasta convertirse en “torturer” musulmán dentro de la prisión donde se encuentra su propia madre, sin saberlo, hasta que se entere bajo su identidad de refugiado en Norteamérica. Esta es la metáfora central alrededor de los incendios de Beirut y otras pequeñas poblaciones, de los rescoldos que se propagan por generaciones, de las quemas de lazos familiares, de la quiebra incendiaria de proyectos nacionalistas de una población dividida por mitades para el Alá islamista y el Dios cristiano, que no pudo siquiera hacer catarsis en una división territorial. De esta manera, “Incendies” va desde el cierre de la universidad hasta la migración a Norteamérica, convirtiéndose en un documento ficticio que enseña, como en Colombia, por qué la búsqueda de la verdad de los sufrimientos individuales es parte necesaria de la sanación de los conflictos colectivos.

LA CARA OCULTA (BUNKER)

Andi Baiz (caleño de 36) tiene experiencia en nueve cortos (los cuales suman todos unos 55 minutos), dos mediometrajes (ambos totalizan 70 minutos) y dos largos (“Satanás”, “La cara oculta”).

Baiz orienta a un grupo de actores noveles. Quim Gutiérrez es catalán con experiencia televisiva y una carga actoral típica de su tierra nativa. Clara Lago es madrileña con similar experiencia, pero con más soltura actoral. Martina García, la colombiana, también de origen televisivo y con media docena de largometrajes, aporta su cuerpo, como es usual, y la capacidad de reflejar emociones sin sobregesticular su rostro de niña.

La música es de Federico Jusid, un argentino con la suficiente experiencia para crear una elegante estela de sonidos alrededor del desarrollo de este thriller. La productora musical es Anelle Onyeekwere, que apoyó en esta área a la laureada “El secreto de sus ojos”.

No obstante, es la Orquesta Filarmónica de Bogotá la que aporta unos apartes de Rachmaninoff y Tchaicovsky que embellecen el trasfondo vital del personaje masculino central, que hace el rol de un director español visitante en Colombia.

Adrián (Joaquim Gutiérrez Ylla), es el maestro director de orquesta y su novia Belén (Clara Lago). Están enamorados, pero una broma de Belén genera la seria situación en que se entretejen posibles celos y desapariciones. La camarera Fabiana (Martina García) aparece en la vida de Adrián. Un detective amigo de Fabiana (Juan Alfonso Baptista, el “Gato”) sospecha de Adrián y previene a esta de su reciente novio. La trama se enreda un tanto y termina con una buena justificación de lo que fue el hilo conductor.

¿Qué hay en esta película simple? Una actuación muy pobre de Quim Gutiérrez. Nada convincente con la batuta en el elegante teatro (Jorge Eliécer Gaitán), no estuvo a la altura de las lindas chicas, ni intentó superar con una buena dicción el regular sonido del filme.

Es una película de escenografía elegante, con el elevado hálito social que provee una orquesta sinfónica y los interiores de una gran casa de ensueño. Todo en un alto status que más que justificado por el entorno social del personaje, es resultado formulado del “feng shui” que se requería para contar con un buen tráiler de promoción de una película simplemente televisiva, como su elenco.