SIN ESCAPE (ABDUCTION)

Están en esta película combinados los elementos de la receta americana. Director negro talentosos (John Singleton “Boyz N the hood”), figuras jóvenes atractivas y reconocidas por el mercado adolescente (Taylor Lautner: saga “Twilight”; y Lilly Collins “90286”), high school con “cheerleaders”, bonitas, feos, burlones y “bullying”. De allí, el sueño adolescente: carros veloces, prácticas de “kick boxing” que preparan para la acción, aventura (precisamente con la niña bonita), acceso a las armas adultas.


El guionista Shawn Christensen (veinteañero) escribe la trama vendedora en la cual entremezcla FBI (Alfred Molina), CIA (Adam Stanley), psicoanálisis (Sigourney Weaver) y terroristas rusos (Michael Nyqvist, de la saga “Millennium”).

La abducción no es aquí a mundos extraños por parte de extraterrestres raptores y con pérdida de memoria. Se transfigura en padres adoptivos, espionaje y búsqueda de un código. El verdadero padre seguirá anónimo por seguridad, protegiendo de toda forma al hijo, quien para enseñanza al público seguirá estudiando para poder ir a la universidad a pesar de haberse comportado como todo un James Bond. Cine de sábado en la tarde, buena producción y dirección hábil, sin complicaciones ni trascendencias.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE I-II (HARRY POTTER AND THE DEADLY HALLOWS)

Termina una saga bibliográfica que duró 14 años desde la publicación del primero de los siete libros de este éxito (Editorial Bloomsbury) y 5 años desde que su autora, Joanne Kathleen Rowling, terminara de escribir la última de sus líneas. La saga fílmica de 8 películas cubrió el período 2001-2011.

Lord Voldemort “quién tú ya sabes quién” “el que no debe ser nombrado” “ el señor tenebrosos” (Ralph Fiennes) llega a su último enfrentamiento con Harry, varita de sauco contra varita de nogal (de la tienda de varitas de Olivander –John Hurt-), cumpliéndose el plan trazado hace dos décadas por Albus Dumbledore (Michael Gambon). Severus Snape (Alan Rickman) morirá traicionado por Voldemort y congratulándose con Harry pues ”tienes los ojos de tu madre” confesando su eterno amor por ella. Bella (Helena Bomham Carter) será fiel a su señor oscuro hasta la muerte. Sybill (Emma Thompson) lucha con esferas de cristal. Minerva (Maggie Smith) defiende el Colegio desde su interior.

En el símbolo misterioso las tres reliquias de la muerte son la capa de la invisibilidad (círculo), la vara de sauco (recta) y la de la piedra de resurrección (triángulo) que estaban allí descritas.

Luego del final de la Batalla de Hogwarts, Ron y Herminone reconocen su amor, Harry y Ginny lo sellarán finalmente y las dos parejas llevarán a sus hijos unos años después al reconstruído Colegio descendiendo del tren como epílogo.

Harry Potter es un palimpsesto de múltiple intertextualidad y semántica profunda que se forma un sistema de significaciones que nos envían a las estructuras antropológicas de lo imaginario, los ritos, los juegos, pasajes, y lo que Barthes llama “una red organizada de obsesiones, una mitología literaria”. En los siste libros se encuentra influencia cultural de Celtas, Romanos, Anglosajones, Germanos y Hunos en Gran Bretaña, con algunos de los elementos más característicos en lo religioso y lo linguístico, lo mágico y lo pagano, de estas culturas. La saga Potteriana es a niveles simbólico o nominal, una reproducción equivalente de diversas fuentes y ancestros culturales ingleses que buscó y logró parcialmente competir con los simbolismos americanos emergidos de la creatividad de historieta y, en algo, de la habilidad guionística, ambas productoras de textos “bibliográficos” también.

En “Las reliquias…” se entremezclan personajes y objetos como despedida a su enorme público infantil y adulto. Las varitas del callejón Diagon, equivalentes a las creadas antiguamente por los hechiceros druidas, extraídas de la madera de un árbol sagrado denominado "tejo", se combinarán forzosamente con las escobas Nimbus 2000 y Comet 260 que habrían de volver a aparecer, todos como objetos actualizados y supuestamente fabricables. El bien gana sobre el mal y el Colegio continuará enseñando magia para el bien negando los artificios negros. La actual generación sabrá de la simbólica británica sin poder identificarla en medio de la lluvia de íconos culturales premodernos y modernos que forman la transtextualidad múltiple del mercado biblio - cinematográfica del milenio.

Directores de la saga:

Chris Columbus
2001 Harry Potter y la piedra filosofal
2002 Harry Potter y la cámara secreta

Alfonso Cuarón
2004 Harry Potter y el prisionero de Azkaban

Mike Newell
2005 Harry Potter y el cáliz de fuego

David Yates
2007 Harry Potter y la Orden del Fénix
2009 Harry Potter y el misterio del príncipe
2010 Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - I
2011 Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – II

Curiosamente, ¡!! quien mejor lo hizo fue el “mexicano” frente a los de habla inglesa ¡!!. Demostrándose así quizá que la lectura sorprendida es la clave de comprensión de los fuertes intertextos, que para los nativos simplemente hacen parte de su mundo cultural.

Finance Minister of the year, Latin America 2011 ("Emerging Market", de Grupo Euromoney)

Se anuncia la distinción otorgada por la revista Emerging Market al Ministro de Hacienda, Juan Carlos Echeverry, como el “mejor Ministro de Economía de las Américas”. Ya previamente Iván Darío Uribe (como Director del Banco de la Republica) en el 2007 y Oscar Iván Zuluaga en el 2009 habían obtenido este reconocimiento.

La revista perteneciente al Grupo “Euromoney”, comenzó su publicación desde el 2004 con su objetivo periodístico y de análisis de mercados monetarios y financieros en América, Asia, Europa Emergente, Medio Oriente y África.

La revista no se preocupó por esto de las calificaciones a empresarios y funcionarios en su inicio. Pero hasta 2006, empresarios y a partir de 2007, funcionarios gubernamentales fueron parte de sus “listados”. En 2006 los nominados y los ganadores eran solamente empresas, bancos y pooles empresariales. Los premios a Empresa o empresa exitoso (achievement) y mejor negocio (deal) continúan siendo otorgados.


A partir de 2007, en que agregó su evaluación de funcionarios estatales, que interesa para este comentario, la selección final ha sido la siguiente:

“Finance Minister of the year, Latin America”

2007 Agustín Carstens, México
2008 Andrés Velasco, Chile
2009 Oscar Iván Zuluaga, Colombia
2010 Felipe Larraín chile
2011 Juan Carlos Echeverry, Colombia

“Central Bank Governor of the Year for Latin America”

2007 Darío Uribe Colombia
2008 Henrique Meirelles, Brazil
2009 José de Gregorio, Chile
2010 Juan Velarde, Perú
2011 Agustín Carstens, México

Asia, en su orden Banco Central y Ministro:

2007 Pakistán y Vietnam
2008 China e Indonesia
2009 India y China
2010 Malasi e India
2011 Tailandia y Filipinas

Europa, en su orden Banco Central y Ministro:

2007 Turquía y Bulgaria
2008 Eslovaquia y Rep. Checa
2009 Turquía y Polonia
2010 Hungría y Estonia
2011 Polonia y Rep. Checa

Medio Este y Africa (Banco Central y Ministro)

2007 Egipto y Arabia saudita; Zambia y Ghana
2008 Kuwait y Jordania; Botswana y Suráfrica
2009 Arabia Saudita y Bahraín; Tanzania y Zimbabwe
2010 Israel y Morocco; Nigeria y Costa de Marfil
2011 Egipto y Qatar; Nigeria y Senegal

Lo que cabe decir de este examen anual por parte de una revista estrictamente financiera y bursátil, es que su perfil conduce a la observación de comportamientos proinversores de los funcionarios, a proveer mercados aptos para la inversión de portafolios financieros, de escenarios positivos para la inversión de corto plazo y la especulación monetaria. Sus análisis monitorean el ambiente de inversión para capitales líquidos y, en alguna medida, para proyectar el clima de riesgos y de seguridad inversionista para capitales de más largo plazo o, en algunos casos, para inversión directa en las zonas geográficas de su interés.

Es claro, además, que su perspectiva es norte-sur, también lo es de países desarrollados a países emergentes. No otorga distinciones al grupo de países norteamericanos (Canadá o Estados Unidos) ni a la Europa central (Unión Europea desarrollada). Por tanto, resulta claro que sus galardones individuales se orientan a distinguir figuras que cuentan con una perspectiva pro bursatilidad, pespeculación, inversión en papeles, comprensión de derivados y su intención de aumento de utilidades, lectura con lente empresarial y de capitalistas de riesgo. Poco o lejanamente relacionada dicha visión con la urgente eliminación de indicadores de pobreza, o en formalización de la economía, o en sostenibilidad ambiental de las inversiones extranjeras, mucho menos de la protección de los niveles cambiarios convenientes a los productores nacionales que exportan. A lo sumo sí, se observa el talante disciplinado de los premiados con referencia a los equilibrios presupuestales del Estado o al control fiscal y de rentas de los grandes capitales (impuestos y salarios controlados).

AMIGOS CON BENEFICIOS (FRIEND WITH BENEFITS)

Justin Timberlake uno de los constructos humanos de la productora Walt Disney (entre los cuales Ashley Tisdale, Britney Spears, Demi Lovato, Emily Osment, Hilary Duff, Jennifer Stone, Jonas Brothers -Frankie, John, Kevin y Nick-, Justin Bieber, Katy Perry, Keri Russell, Lindsay Lohan, Miley Cyrus, Selena Gómez, Taylor Swift, Vanessa Hudgens, Zac Efron, o Christina Aguilera, Anne Hathaway y muchos otros) cuanta ya con cerca de veinte filmes desdeñables. Su carrera de productor de música y empresario surge del mágico hipermercado interno de los Estados Unidos.

Mila Kunis, pareja por ocho años de Macaulay Culkin (“Mi probre angelito”) secunda este reciclado de películas como la reciente “No strings attached” con Portman y Kutcher.

Esta película es un producto más del facilismo industrial cinematográfico que invade los mercados en época de crisis. La historia tonta parte del pacto de moda: sexo más no compromiso. Pero, la moraleja también de moda, el buen sexo lleva al amor. Podría añadirse, como inferencia de siempre: sin buen sexo se acaba el amor.

El filme permite una deducción sin mayores evidencias pero bastante simple. Los precoces artistas, plenos de dólares en el bolsillo, aceptan juiciosamente, papeles como éstos que utilizan su nombre para un mercado adolescente alejado de filmografía más elaborada, mejor producida, con mayores implicaciones como producto y que podría satisfacer simultáneamente tanto el divertimento como la exploración de temas más complejos. Con el mayor respeto por todos los involucrados, podría decirse que este producto algo divertido pertenece al cine de crisis que explota un ingenuo nicho de mercado con base en este tipo de marionetas jóvenes.

RESTREPO

Un documental entre denuncia del infierno en que se encuentran las tropas invasoras y justificación de esta guerra entablada contra Afganistán a raíz del septiembre 11. Se completa una década de invasión mancomunada de 130.000 hombres de 27 países, de los cuales 90.000 norteamericanos y un total de 2701 militares y unos 30.000 civiles muertos, en ascendiente escalada anual.

Los directores Tim Hetherington y Sebastian Junger, también producen con US$1,5 de presupuesto para National Geographic, dentro de la hipótesis de guión – acción, en la cual la cámara permanece de testigo de la realidad, para que luego, a manos de un editor y documentalista hábil como Michael Levine, resulte exhibible. Se ajusta el hecho de la muerte de un médico colombiano nacionalizado en USA, para bautizar el puesto de observación OP Restrepo, que da nombre al documento fílmico en su homenaje. El valor del filme es su veracidad como documento verídico de las batallas en el Valle Korengai (el sitio más letal del planeta). Ha tenido ciertas nominaciones y galardones a través del mundo, con indudable interés político.

LOS NIÑOS (THE CHILDREN)

Es una buena película de un trillado género. Retoma un título muy reiterado por el cine de todos los tiempos. Tom Shankland dirige con base en su experiencia de TV, uno de los más reconocidos títulos suyos es “Jericho”.

De “Los niños” debe tenerse en cuenta que el repetitivo cuento de niños pequeños que se tornan infernales, asesinos e inexplicablemente enajenados, que van llenando sus pasos de sangre, está mejor relatado que en muchas versiones de la misma historia. De esto han hecho un mercado importante los productos españoles, la mayor parte de ellos sin la calidad técnica y actoral de la inglesa “Los niños”.

Debe destacarse para el observador asistente a esta película intrascendente, factores de producción como la actuación y la edición. Con una mejor escuela de actuación que las predominantes en América, acá también los actores y actrices, si bien saben de la importancia de los close ups y de impresionar fundamentalmente a la cámara-espectadora, dan más de sí mismos. Actúan con mayor calidad, incorporando a los clichés Griffith que tienen ya 100 años, una buena dosis de la introspección Stanislavskiana, haciendo que la personificación prime sobre las buscadas escenas de violencia sangrienta y terrores sobre lo desconocido.

Sin tecnologías 3D, sin presupuestos exorbitantes, con mejor calidad actoral y sin mayores pretensiones, más que aquella de elevar la taquilla, “Los niños” está bien realizada, como casi la mayoría de los productos cinematográficos ingleses. Codistribuída por la australiana Icon, enseña el manejo de un cine intrascendente, pero con calidades de “filmmaker”, superiores a otros esquemas también de habla inglesa, pero de menor profundidad de elaboración.

DESTINO FINAL 5 (FINAL DESTINATION 5)

New Line Cinema y Warner Bros, dos de las más grandes y experimentadas productoras de cine de los Estados Unidos, y del mundo, ya van por cinco capítulos de la saga “Destino Final”.

Esta historia nació de la TV, con base en un experimento capitular dentro de la reconocida serie “X Files”. Su primer director, James Won, extendió su versión al cine. Los altos recaudos en cada entrega (del 500% de ingresos brutos sobre el presupuesto inicial) ha impulsado nuevas entregas en promedio de cada dos años.

En esta oportunidad se toma provecho de la 3D, para explotar mejor la reiterada insistencia en desgracias, muertes dramáticas y catástrofes urbanas que van cumpliendo con el destino de quienes se hayan salvado de la guadaña de la parca. Algún protagonista permoniza un accidente del cual se salvarán varios coprotagonistas, para luego entender que en el mismo orden irán siendo llevados por Caronte. La parca y Caronte, representaciones mitológicas griegas de la muerte y del viaje a la otra vida, son representados por Tony Todd, un negro reconocido de varios papeles secundarios, que anuncia el destino ineludible como chofer de una ambulancia. El espectador irá a ver los espectaculares entornos en que se dan por azar las muertes consecutivas, en una especie de “Saw” a la inversa, en que la naturaleza y los diversos instrumentos técnicos y tecnológicos usuales en el entorno facilitan por defecto y csualidas los morbosos accidentes.

Pero, la saga no es algo más que esa simpleza para mentes noveles. La taquilla se estremece a gusto de las grandes productoras, que sueñan con contar con este tipo de repeticiones de masivas entradas apegadas a un fuerte atractivo de ficción, manipulado de manera extremadamente maniquea.

Esta saga, fuera de la mira de los intelectuales de la cinematografía y despreciada por las cinematecas con bastante buen juicio, da sin embargo pie a observar lo que es el arte de la actuación en el cine. La industria del cine en Estados Unidos muestra varias vertientes de actuación dentro de las cuales predomina la menos admirada, pero más pragmática: lo que se debe lograr es atrapar el ojo de la cámara, que es el ojo del espectador. Nada más.

En este tipo de cine hay actores y actrices con características mercadeables. Jóvenes y sexies, atractivos y bellas, impregnados de clichés. Esto proviene de bien atrás hace un siglo, con David W. Griffith, quien creó el sistema de actuación que autodenomminó “limitación de la expresión”, con el cual llegó a la conclusión que el histrionismo actoral del teatro era aparentemente innecesario en el cine. Bastaba con alcanzar la identificación del espectador mediante aquello que este encuentre verosímil o posible. Todo lo teatral, por el contrario, apartaba al espectador de la realidad que se le quería mostrar pues desde su asiento sabía del entorno, de los gestos extras de cada actuación y de los secretos de la escenografía mezclados con la circunstancia temporal del público. En el cine sobraban los gestos exagerados, la voz proyectada, la grandilocuencia, la artificialidad. El actor debe es expresar emociones no sentidas, pero no tan a la manera profunda de Konstantin Stanislavski, ni de Pudovkin, tampoco de Lee Strasberg, solo de Griffith. El actor se preocupa por los mínimos segundos en que la mirada de la cámara lo enfoca, mueve su rostro de la manera varias veces estudiada por conveniente y llena de estos “close ups” la gran pantalla. Punto.

En “Destino final”, dado el gran presupuesto en enormes desgracias y trucos especiales, el trabajo de los actores a la “Griffith” basta y sobra.

Lejos de esto los Brando, De Niro, Pacino, Nicholson, Hopkins, Depardieu, Irons, Kinsley, Ganz o Brandauer. ¿Para qué? El público lo que va a ver es la herida mortal o la caída del puente que, a pesar de tanto reconocimiento a ciertas figuras, desgraciadamente multiplican los dólares más que muchas de las películas de los maestros de la actuación lo cual es lo que interesa a New Line, Warner y toda corporación hollywoodense.

LINTERNA VERDE (GREEN LANTERN)

Setenta años después de ser creado en DC Comics, llega la versión fílmica con los artificios tecnológicos disponibles en el actual milenio. De siete encarnaciones diferentes que ha tenido el superhéroe en la versión de papel, se escoge acá la de Hal Jordan. Se le diseña un traje totalmente verde, a diferencia de las combinaciones de rojo, verde y negro en las historietas precedentes.

El director es Martin Campbell (“El Zorro”, “Casino Royale”, “Golden Eye”) y la nómina es de experimentados actores como Ryan Reynolds (“Blade Trinity”, “X-men Origins: Wolverine”, “Buried”), Blake Lively “New York I love you”, “The town”), Tim Robbins, director de valía y actor (“Mistic river”, “Pret a porter”), Mark Strong (“Tristán e Isolda”, “Red de mentiras”, “La reina Victori”, “Sherlock Holmes”, “Robin Hood”), Peter Sarsgaard (“An education”, “Kinsey”, “Boys don´t cry”), Angela Bassett (“Malcom X”, “Días extraños”, “Boys N the Hood”).

El argumento se semeja a la los momentos cumbre de la historia básica de un Supermán: nave intergaláctica estrellada, superpoderes, disfraz exprofeso, ética de valentía y ayuda, romance en el aire, archienemigo, amigo nerd, etc. …

Hace unas dos décadas hubiera sido imposible recrear las virtuales creaciones del “Linterna” con el poder de su anillo. Hoy, la “inserción croma” del telón azul o verde, los trucos digitales y los actores expertos en “hablar y actuar en solitario” frente a una imagen supuesta, lo permiten.

Si en el medioevo las gentes ideaban mitos, en el siglo diecinueve imaginaban personajes mágicos en cuentos fantasiosos y novelas de ficción sobre vuelos a la luna y transporte intertemporal, si el siglo veinte generó personajes y sagas en el celuloide, ¿por qué no adentrarse en los superhéroes de cómic llevados al cine sin prevención y con alma infantil? El “entertainment” es importante en el uso del ocio de la civilización moderna. Además, compartir con las nuevas generaciones el solaz de las especulaciones sobre dioses y semidioses, al igual que las naciones politeístas, de los sobrenaturales poderes y de la búsqueda del bien común mediante “honor y responsabilidad” linternaverdista no hará daño a nadie. Una producción con todos los trucos actuales, pero ceñida a la historieta original, que debe aceptarse como viene pues era una de las que faltaba de la “Liga de la Justicia” en el cine actual.

DE DIOSES Y HOMBRES (“DES HOMMES ET DES DIEUX”; “OF GODS AND MEN”)

El salmo 82:6 y 7 contiene entre varias, las frases que dan origen al elegante título de una película con puesta en escena objetiva y argumento subjetivado, que difuminan un tanto su expresividad artística:

“Yo os dije: 'Vosotros sois dioses; todos vosotros sois hijos del Altísimo… Sin embargo, como un hombre moriréis y caeréis como cualquiera de los gobernantes”.

Esto hace referencia a un hecho real que ocurre en la región del Magreb, al otro lado del Mediterráneo francés, en la conmocionada Argelia de los años noventas, a donde habitaba una comunidad de monjes católicos cistercienses del Tibhirine, involucrados con la comunidad desde 1993 hasta su secuestro y posterior masacre decapitados en 1996, aparentemente por terroristas islámicos. Esta inculpación nunca se comprobó, existiendo también la hipótesis de que pudieran haber sido autores algunos agentes del gobierno sunnita islámico. Argelia recién entraba de un sistema unipartidista hasta 1988, habiendo legalizado el multipartidismo y al Frente Islámico de Salvación, FIS, que ganó las elecciones municipales y la primera vuelta de las legislativas de 1991. Sin embargo, el ejército decretó el estado de urgencia impidió asumir el poder al FIS, desencadenando una guerra civil liderada por diversos grupos armados, el Ejército Islámico de Salvación y el Grupo Islámico Armado se enfrentaban en ofensivas rebeldes y las contraofensivas oficiales. Los militares gobernaron hasta 1994 mientras los grupos fundamentalistas continuaban buscando desestabilizar al gobierno central.

Este país es 99% musulmán sunita y solo un 1% católico y judío, proveyendo un escenario en el cual la orden cisterciense, conocida como orden del Císter o Santa Orden del Císter, de origen monástico y católica reformada, era un grupo advenedizo. Se deriva su nombre de la Abadía de Císter fundada por Roberto de Molesmes en 1098, cerca de la antigua Cistercium romana, localidad cercana a Dijon, Francia.

El interés del director francés Xavier Bauvois es hacer un documento fílmico subjetivo sobre lo que pudieron haber sido los días previos al mortal desenlace, discurriendo alrededor de las cavilaciones de los monjes con vocación de martirio, pero hombres al fin y al cabo. Los diálogos con la comunidad son naturales con personajes reales y sin profesionalismo actoral. La escenografía interior es bien iluminada y la exterior colmada de bellos paisajes. Los hábitos de los “monjes blancos”, denominados así en contraposición con los Benedictinos, o monjes negros, impacta visualmente. Las tomas de cámara son simetrizadas haciendo bellas imágenes de misas, rezos, comidas y conversaciones.

Lambert Winston y Michael Londsdale son los mismos actores que siempre han sido, el primero en una serie de filmes de poco valor e interés y el segundo en numerosas apariciones en películas de taquilla (“Agora”, “Los fantasmas de Goya”, “Ronin”, “Munich”, “El nombre de la rosa”, “Moonraker”) apareciendo siempre de manera fugaz como la “conexión francesa” del personaje que llega a Europa necesitado de curaciones, documentos falsificados o datos de enlace.

La música ambiental es de enorme fuerza reflexiva, pero predominan los silencios. Tchaikovsky es usado en algún momento cumbre de la cena con un aparte del crescendo de su obertura del “El lago de los cisnes”. No obstante, de toda la fórmula utilizada surge un cierto tedio de espectador salpicado de pequeñas sorpresas armadas. Los diálogos sobre cobardía y valor son farragosos. Se puede resumir como un documento histórico subjetivo con objetividad técnica, que llamó la atención del festival de Cannes en 2010.

LA NOCHE DEL DEMONIO (INSIDIOUS)

El malasio James Wan y el escritor Leigh Whannell (ambos de 34 años de edad) se han acompañado en la saga de “Saw I” a “Saw VII”. Además han producido las siete películas de una taquillera idea “gore”, que ha sido por algunos denominada “cine gorno” por mezclar gore y porno (prostitución de la violencia), debido al énfasis en torturas y mutilaciones.

En el presente filme no hay “gore” ni violencia, pero no pueden lograr una veta nueva y se entremeten con el lugar común de lo demoníaco, muy de lejos de un maestro como William Friedkin (“The exorcist”).

En este caso abusan de la fórmula “padres ingenuos, casa nueva, oscuridad, desván, niño en coma, médiums” y todo aparece superpuesto y previsible.

Patrick Wilson, Rose Byrne y Barbara Hershey, actores que han estado en las primeras líneas de taquilla, son manejados como títeres inexpresivos y despreocupados. Único detalle interesante es el actor Philip Friedman, que hace “la vieja”, en un rol transformista que nadie descubrirá si no se encuentra avisado y que resulta algo meritorio.

El director Wan orienta su intento de película de terror con un tono muy propio del cine asiático que no coincide con escenografía, actuaciones y, en general, puesta en escena norteamericanas. El único logro del filme es alcanzar con US$1,5 millones un recaudo que ya pasa de los US$50 millones (margen bruto del 3.333%).

ESTA PELÍCULA NO TIENE NADA RELACIONADO CON “PARANORMAL ACTIVITY”, MUCHO MENOS SUS PRODUCTORES, A NO SER SU MALA CALIDAD (UNA PUBLICIDAD ENGAÑOSA).

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (R)EVOLUCIÓN (PLANET OF THE APES (R)EVOLUTION)

Pierre Boulle solo escribió dos novelas. “El puente sobre el rio Kwai” y luego de “El planeta de los simios”. La primera fue un enorme éxito de taquilla (7 oscares de 1957) y está dentro de los clásicos del cine, contando la historia de prisioneros de guerra británicos que construyen un puente (en la realidad el ferrocarril Burma) por orden de los japoneses, el cual será luego destruido por los aliados.

La segunda novela de Boulle, sobre ficción plena, ha generado una saga de cinco películas en la década de los setentas y dos más en el presente milenio.

“El planeta de los simios” (1968), “Regreso al planeta de los simios” (1970), “Escape del planeta de los simios” (1971), “La conquista del planeta de los simios” (1972) y “Batalla por el planeta de los simios” (1973). Luego, “El planeta de los simios” (2001) y ahora “El planeta de los simios (R)evolución” (2011).

La producción de la saga fue aumentando con el progreso tecnológico, pero la calidad de manejo del tema ha ido descendiendo. En “…Revolución” solo sorprende el intercalado de efectos computarizados con el uso de disfraces. Las máscara de simio, tan expresivas siempre, luego de cuatro décadas siguen siendo quizá el mejor logro técnico, aunque el más sencillo. En esta entrega se pretende mostrar el inicio argumental como está sucediendo con todas las sagas del cine en las cuales la más reciente producción introduce inicios, comienzos u orígenes.

James Franco, un meritorio actor nominado por “127 hours”, hace acá de simple pivote argumental. Rupert Wyatt, novel director lo hace con automatismo para este filme sin sorpresas.

MALAS ENSEÑANZAS (BAD TEACHER)

Una película que, así se le catalogue como “blue comedy”, no deja de generar expectativas sin cumplirlas. O, si algo cumple, lo hace mal. Un Jake Kasdan dirige con su experiencia televisiva de la cual solo se destacaría “Californication”, esa serie sobre la mundana vida en L.A. Una “blue comedy” aparece definida como una trama cómica en la cual se destacan las insinuaciones sexuales, situaciones indecentes y actitudes profanas ¿¡?¡. En este caso, la profesora Elisabeth, rol desempeñado por Cameron Díaz, solo salva medianamente el filme con su larga experiencia histriónica y ocupando la atención de los espectadores, nada más. Demuestra tener un hermoso y estupendo cuerpo esbelto, mejorando su figura desde “The mask”, aunque no sea erotizante o tan sexy como se cree, pero si atractiva y simpática.

El profesor Scott (Justin Timberlake) es un aparente Nerd de matemáticas que no se da cuenta de la rivalidad que genera en Elisabeth para con Amy (Lucy Punch). Elisabeth piensa que “sin tetas no hay paraíso” y hará lo imposible por malversar fondos de la escuela, engañar a los padres de sus estudiantes, colectar dinero descaradamente y lavar autos, también con descaro. Tratando de ganar dinero, busca hacerse merecedora de un premio nacional y roba los cuestionarios del examen correspondiente.

Toda una serie de situaciones tontas, burdamente editadas a saltos, con situaciones cliché sin gracia y actuaciones que no alcanzarían puntaje en “rotten tomatoes”. Una profesora sin vocación en busca de matrimonio a través de aumentar su atractivo con grandes “bubbies”, sin guardar ningún respeto por sus alumnos o sus superiores. Esta Cameron, “blue comedian”, podría no convencer, dejando al espectador harto de su amable imagen, único atractivo a través del póster promocional. Lo indecente y profano están sugeridos aunque sin fuerza narrativa y con descuido de técnicas cinematográficas.

COWBOYS AND ALIENS

Jon favreau (director de “Iron man” I y II, “G-Force”, “Zathura”) es un director reciente más conocido por cara regordeta en varias películas intrascendentes. Toma acá una historieta de Scott Mitchell Rosenberger, que pasa por las manos de un grupo creativo de cinco guionistas para ser escrito para la pantalla por tres de ellos. Hace parte de su seis productores el reconocido Ron Howard (“The Grinch”, “Apollo 13”, “Davinci code”) y en algún lugar de la letra pequeña del poster un perdido Steven Spielberg que trampea con el observador.

Con un cierto derroche de tecnología “airplanes anda aliens” combinada con los vaqueros caraduras de Daniel Craig (“007”) y Harrison Ford (“Indiana Jones”, etc.) acompañados de indios a caballo, que resultan en un producto bien hecho, pero tonto, el director, secundado por tanta gente creativa en el argumento y la producción, logran un desorden de mediana calidad que hace que los más pequeñitos asistentes al teatro exclamen “! Qué ficti!”.

8 MINUTOS ANTES DE MORIR (CÓDIGO FUENTE; SOURCE CODE)

El director Duncan Jones (“Moon”) gusta del desarrollo de temas de ficción. En su parca obra ha bajado de cerebros electrónicos en la luna a cerebros humanos teletransportados en la tierra. Tiene tras de sí la herencia filial de su padre David Bowie, quien como actor ha participado de ficciones de toda índole. El guión de Ben Ripley (“Species”) demuestra el común interés por estos enredos un poco mal llamados “science fiction”, pues casi siempre no son de naturaleza contrastable, lejos de evidencias y resultan simple resultado de una mixtura de elementos sueltos derivados de diversas tecnologías imposibles de combinar, pero interesantes para la especulación.

Acá protagonizan Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters. Las especulaciones en el cine acerca de posibilidades de teletransportación ha sido hechas siempre sobre el traslado de cuerpos humanos a través del tiempo o del espacio. En “8 minutos…” es la mente a la cual se le teletransporta a otro cuerpo en un tiempo pasado y con ello se permite repetir esta acción con una duración medida de ocho minutos cada vez, permitiendo que en cada ocasión el cerebro capte detalles antes no observados. La suma de observaciones del pasado inmediato permitirá la investigación necesaria para prevenir un desastre terrorista de mayores dimensiones en el mediano futuro. Un filme que entretiene, aunque con riesgo de llegar a aburrir al espectador con cada viaje en el tiempo y descrestarlo de manera ingenua cuando convierte el amor futuro en una realidad del presente, como epílogo feliz.

SALUDA AL DIABLO DE MI PARTE (GREETINGS TO THE DEVIL)

La dirige Juan Felipe Orozco (“Al final del espectro”), como un thriller de venganza en el cual todos los actores del conflicto se encuentran indirectamente involucrados luego del inicio de la vigencia de la ley de justicia y paz en Colombia.

Tiene la violencia cruda que de manera real ha vivido el país desde las retaliaciones a líderes de guerrillas liberales en los años cincuenta, los métodos gore utilizados en muchas masacres, el uso del dinero para corrupción de la policía o para estructurar una costosa venganza, la insinuante referencia a grupos infiltrados en universidades. Usa el film de técnicas y tecnología que le han permitido a esta película ser adquirida en Hollywood y le van a permitir a Orozco filmar a Nicole Kidman.

El cuerpo técnico tiene la curiosa característica de contar con cerca de cuatro grupos diferentes de hermanos entre sí (una tarea para observadores). Todos los componentes de la producción son destacables y de corte internacional para recorrer el mundo con éxitos de taquilla, negocio al que ya se apuntaron inversionistas americanos. El producto es una suma de talentos y experiencia en cada uno de sus campos como basta reconocer al observar algunos nombres.

La música es de Jermaine Stegall (“Cowboys anda aliens”, “I, robot”, “El vuelo del fénix”, “Enigma”, “Blood out”, "Dark Knight", “The Davinci Code", “Angels and Demons, “Black Hawk Down”, “Hannibal”, “Kingdom of Heaven”, “Shrek”, “Spy Game”, “Mission: Impossible II”, “The Ring”, “Cold Mountain”, “Pirates of the Caribbean”, “Man On Fire”, “Déjà Vu”, “X-Men Origins: Wolverine”, “The Chronicles of Narnia”, “Armageddon”, “Constantine”, etc.), quien muestra una excelente experiencia con los hermanos Ridley y Tony Scott, así como con Hanz Zimmer, lo que significa tocar las más altas cumbres de la música del mundo filmico. Le acompaña la Orquesta Filarmónica de Medellín.

En esta banda sonora incidental tiene participación el chelista y compositor Martin Tillman, quien estuvo en filmes como “The Dark Knight”, “Transformers” y “Piratas del Caribe”.

La productora es Sanantero Films y el guión es de Carlos Esteban Orozco. Entre los productores ejecutivos, de los cuales hace parte el mismo Édgar Ramírez, se halla a un Haik Gazarian (conocido por “Venezzia”).

Editan las escenas los mismos hermanos Orozco, quienes han dirigido las cámaras con maestría. La dirección de fotografía es de Luis Otero, quien acompaña el retoque digital en posproducción.

“Saluda al diablo…” es una muestra de excelente elección de casting, pues cada actor está ubicado en el rol que mejor corresponde a sus valías. Édgar Ramírez es Ángel (“Carlos”, “Bourne ultimátum”, “Vantage point”, “Domino”…), Salvador del Solar es Morís (“Pantaleón y las visitadoras”), Carolina Gómez es Helena (“Bluff”), Ricardo Vélez es Léder, y todos están a tono con el desempeño requerido para dar la vuelta al mundo en cine de “acción”.

Albi de Abreu es Luis (“La hora cero”, “Dark World”), Patrick Delmas es Serge, Juan Carlos Vargas es Carranza (“La saga” TV). María Luna Beltrán es Angela, Ángela Vergara es Patricia y Laura Perico es Daniela.

El producto final es una suma de todas estas cualidades individuales, incluídos unos cuatro actores de TV colombiana que vienen de “Francisco el matemático”, “La saga” y “Rosario Tijeras”. Se mantiene el ritmo de suspenso de principio a fin, satisface la acción violenta para públicos adolescentes e introduce elementos de tecnología, como el chip intercomunicador, que se venden bien entre el público. La música no se anticipa a la acción, un error muy común en el cine, sino que le acompaña con perfección. La parte argumental está bien expresada en la trama guionística y sus diálogos facilitando que no se malinterpreten los hechos visuales.

La metáfora del filme busca la culpa en todos los grupos en armas reflejados en su microscopia, dentro de un discurso pesimista sobre la reconciliación y el posconflicto. La voz en off de Léder lo expresa desde un comienzo. El hilo conductor empieza con la hija de Ángel y termina en ella. Sólo las mujeres sobrevivirán, como sucede en en la macroscopia de todo conflicto histórico. Sin embargo, fenecerán amistades, complicidades y hasta la hermandad, esta última por misericordia con quien ha cambiado por su odio internalizado. La ternura femenina surge como ave fénix en medio de las llamas de los fuegos entrecruzados de los hombres. Si los espectadores quieren ver algo más que narcoacción, este es un buen ejemplo de que, sin desligarse de la realidad colombiana, puede haber ficción nacional muy interesante abobada con el elemento casi indispensable en las taquillas, que es la acción violenta no innecesaria, como elemento dramático.