HER (ELLA)

Este filme contó con varias nominaciones a los premios de la academia americana 2014: mejor película, guion original, música original, diseño de producción y canción, ganando el de guion (obtuvo igualmente el Critics Choice y el Golde Globe), escrito por su director Spike Jonze. Del argumento premiado se destacan su enorme creatividad y el soporte que obtuvo en su desarrollo mediando la voz clara, femenina y entrenada de Scarlett Johansson, nada raro para quien tiene a su haber dos audiolibros. La historia intenta un contexto futurista de mediano plazo con algunos elementos de vestuario y ambientación que podrían pasar algo desapercibidos. Sin embargo, no era necesario para justificar el amorío con “Samantha”. Todas las “apps”, los “chats” eróticos, o el OS mismo, son aplicaciones, servicios virtuales y sistemas operativos hoy posibles. Las “conductas” de esa Samantha, la voz virtual de OS, se realizan al modo de una “Google glass”. Los programas operacionales que aparecen en los monitores de casa y oficina son interfaces similares a las muchas que ya son o pueden ser desarrolladas.

“Her” no es simplemente la historieta romántica de alguien solitario que se enamora de un producto que ha adquirido para tal fin. Es una parábola literaria que podría generar reflexiones sobre el impacto negativo de los adelantos electrónicos, en medio de las grandes facilidades que ofrecen a la humanidad. Theodore pertenece a la subcultura “hipster”, más presente en su amiga Amy (Amy Adams) que en las otras mujeres de su mundillo. Depende de su trabajo “.com”, no desea más compromisos formales en lo emocional, su mundo está centrado en la pantalla del monitor, sus “devices”, su “earphone” le comunica al “cellphone” y le transmite lo que pasa en sus “e-mails”, toma videos “selfies” para comunicarse con "ella" y establece vínculos constantes en la red de donde surge, intermediada, su escasa comunicación personal con el entorno, ¡ Todo lo que hoy sucede alrededor ! un embelesamiento en el celular, una mediación innecesaria con el prójimo mediante “Facebook”, “twitter” o cualquiera de las redes sociales, enajenando principalmente a los jóvenes, con un equívoco supuesto de modernidad malinterpretada. Theodore trabaja en ambiente “advertising” y vende cartas escritas para terceros que, quizá como muchos hoy, están aislados de su propio idioma. “Her” parece ser una hipótesis futurista, pero es una certeza actual de ciertas alienaciones circundantes.

CAPITAN AMÉRICA Y EL SOLDADO DE INVIERNO (CAPITÁN AMÉRICA 2; CAPTAIN AMERICA AND THE WINTER SOLDIER)

¿Cuáles son los efectos catárticos que pueda producir un filme como este en su público? ¿Son los superhéroes de comic algo diferente a otras fantasías humanas? No. El Capitán América nació como parte de los grandes temores de occidente acerca del fantasma nazi. El mundo sintió miedo y recreó personajes que enfrentaran por él a ese gigante ario dispuesto a adueñarse de todo. El Capitán es un “soldado universal”, de los tantos que posteriormente se han imaginado en la semiosfera cultural. Hombres o mujeres que luchen por quienes nunca se han preparado para enfrentar enemigos poderosos significan un mecanismo de catarsis de las debilidades y los temores propios del común de la mente humana. En el cine, “Capitán…” tuvo que renacer con casi un siglo de edad producto de la fantasía historietográfica para enfrentar otros enemigos. El enemigo puede ya no estar fuera de las fronteras sino dentro de ellas. Empresarios e industriales en contra del establecimiento, anarquistas y terroristas, por ello en “Capitán América y el soldado de invierno”, Nick Fury hace referencia un par de veces a misiones en Bogotá e incluso nombra un ¿ELN? El enemigo de “América” puede estar en la competencia de Tony Stark, en los talibanes al oriente o en los guerrilleros al sur y, para combatirlos, se requiere de soldados universales.

En otro ámbito, el del amor, ¿cuándo será el matrimonio, que ya se dió en la historieta, entre la rusa Natasha Romanoff, Black Widow, y el americano Steve Rogers, Capitán América, llevado al cine? Quizá nunca. Estas decadentes instituciones, ritos y romanticismos no caben en la acción marcial y bélica. El público de hoy no desea ver matrimonios de superhéroes, una paradoja para quienes tienen superpoderes. Por otra parte, la guerra fría ya no interesa a muchos así hayan Crimea, Putin y la mediática reciente. Este filme de referencia con un presupuesto de US$170 millones, un poco más que su antecesora”... el primer vengador”, habrá de retornar unos US$450 millones, algo así como el 250% de retorno sobre la inversión (ROI), gracias a la fidelización del cliente en estas franquicias, un elemento clave para semejantes utilidades, poco usuales en el mundo de los negocios. Por ello, aunque el público pueda predecir mucho de las luchas cuerpos a cuerpos, de los choques automovilísticos, de las grandes naves y los edificios, de los potentes y certeros puños, de los paliativos sentimientos de compañerismo y amistad que ayudan a vencer al enemigo interno, los niños de todas las edades, de 7 años en adelante, aportan su fiel boleto a estas fantasías, al igual que los de 18 años y más contribuyen con sus escasos votos a mantener ciertos niveles de culto a la personalidad de falsas “inteligencias” y “carismas” para mantener el equilibrio del mundo libre, caótico e incierto. Una recurrente fantasía política, que al igual que lo hacen las fantásticas gestas de superhéroes, se basa en personajes irreales, de engaño y de papel.

EL SOBREVIVIENTE (LONE SURVIVOR)

Aparte de un buen elenco de actores-atletas, característica propia de películas bélicas y de acción, este filme se destaca por la dirección de Peter Berg. De este filmaker cabe recordar “The Kingdom”, con tonos similares a “El Sobreviviente”. La película tuvo nominaciones a la premiación Oscar 2014 por Edición de sonido y Mezcla de sonido. Quizá debió ser en Edición… Se destacan en el filme las secuencias de acción bélica, que narran una misión para asesinar a un jefe talibán dentro de Afganistán, por parte de la fuerza naval SEALs (Sea Air Landing). No hay más, no debe pedirse más a esta película.

Lo importante de ella es que, quizá sea un error de memoria o de apreciación, no se han visto de tal manera y forma tan realista y dolorosa las caídas cuesta abajo, las fracturas y las balas que penetran cuerpo o cabeza, como en esta producción. Si se trataba de mostrar más allá de la mítica formación sobrehumana de los SEALs (recordar “G.I. Jane”), lo que realmente espera en las misiones a estos voluntarios, la película lo muestra de manera tortuosa, nada ornamental y tan tediosa como la vida en tiempo real. El filme deja claro que la guerra es algo nada glamoroso, como en muchos filmes hollywoodenses ha quedado retratada. Al espectador le seguirán sorprendiendo las capacidades tecnológicas de comunicación del mundo actual, en el contexto de las pequeñas misiones armadas con objetivo humano específico, tan propias de la guerra de posiciones del ajedrez político contemporáneo de los conflictos internos con irradiación internacional.

LA PIEL DEL DESEO (TWO MOTHERS; PERFECT MOTHERS; ADORE; ADORACIÓN)

Buen filme, con muchos títulos evasivos, dirigido por la luxemburguesa Anne Fontaine (“Coco”, escritora de “Chloe” y otras buenas historias femeninas, actriz). La historia basada en el libro de la nobel 2007, Doris Lessing, prolífica escritora ganadora de “todos” los premios literarios que importan en Europa, cuenta con las dos excelentes actuaciones de Robín Wright (Roz) y Naomi Watts (Lil). Robin es en su vida personal la madre de los dos únicos hijos de Sean Penn; Naomi es madre de dos hijos del también actor Liev Schreiber. Ambas son mujeres mayores de 45, con bellezas maduras y fogosas como sus personajes en “Adoración”.

La película es auténticamente femenina lo que evidencia, también, la autenticidad de lo que cuenta. Un argumento políticamente “incorrecto”, que relatado de manera “correcta” le aporta toda clase de visos de felicidad, erotismo, morbo y sentimientos de reconocimiento a lo que significa el transcurso vital de la mujer. Lo mejor, su puesta general en escena y los rostros de las dos protagonistas llenas de mutua comprensión y gran belleza otoñal, que quizá por su experiencia vital de oficio y familia logran expresar tan bien las diversas facetas de la “adoración” en el amor.

LADRONA DE LIBROS (THE BOOK THIEF)

Una película estéticamente bella, bien actuada, respetable, basada en un bestseller infantil de más de 500 páginas (?¡?¡? porqué para niños???), Sophie Nélisse (“Monsieur Lazhar”) se distingue con dos ojos hermosos y 14 años como una de las actrices jóvenes canadienses de mayor talento, soportando bien el peso del filme. La Muerte habla en “off” para contar cómo es testigo de las vidas y sus finales, en una época en la cual el mundo, como en todas las eras, ha decidido ponerla a trabajar por vía violenta sin esperar el ocaso natural de las personas. Liesel, la pequeña protagonista no “roba” más de dos libros en el transcurso de la historia, pero su delito simboliza la contraparte de la persecución de un poder entronizado que busca el comienzo de una nueva historia, sin comunistas, judíos, minusválidos o, en general, no arios.

El escenario filósófico denominado “tercer mundo” reside precisamente en las bibliotecas y las mentes educadas. Alguien hizo el simil de un momento en el cual, faltando los libros y las personas mayores con conocimientos acumulados, podría darse una situación de frío total en la cual se caminaría indiferente por sobre las cajas de fósforos hasta morir. Es el “tercer mundo” el patrimonio de la civilización y de la historia, por ello mismo Alejandría, Florencia, Yucatán, Chile o Argentina, en diversas etapas políticas vivieron lo que génerica y despectivamente se llamó “hoguera de las vanidades” a raíz de Savonarola.

Un deseo de borrón y cuenta nueva en la Alemania de 1933 sirve de simiente a Liesel para que muchos años después se convierta en escritora, mientras la “Muerte” sigue contándole al espectador esta parte y de cómo se la lleva a los noventa años de edad, luego de una fructífera vida. La música de John Williams fue nominada, Geoffrey Rusch y Emily Watson cumplen a plenitud sus papeles, permitiendo que el público soporte algo bien hecho pero un tanto “plano” para la estética dominante en el cine.

SIN ESCALAS (NON-STOP)

Liam Neeson (61) decidió hace un tiempo que el dinero estaba en la acción. Lo dirigen entre otros Pierre Morel, Olivier Megaton o Jaume Collet-Serra en este caso, todos con el toque de Luc Besson en el modo y oficio. Los franceses, los españoles, los ingleses, lo secundaron desde el 2008 hasta hoy en una mina taquillera. “Taken 1”, “Taken 2”, “Taken 3” (este año), “Unknown” y ahora “Non stop”, entre los demás productos americanos y taquilleros. Este filme es el típico thriller que solo los americanos, productores, dominan a la perfección. El ritmo en el guión que despista, el héroe que no pierde detalles, las escenas de lucha rápida y contundente, la cuenta a la que hay que transferir el botín, las mujeres que creen en el héroe y le ayudan, las pistolas a disposición de todos, la bomba que amenaza, avión gigantesco y aviones caza, la niñita finalmente salvada, los malos que dominan celulares, portátiles, redes de internet, claves y triangulaciones. El héroe, que empezó amargado y reaccionaba como un “desperado” del oeste. se llevará a la dama. El filme es una hamburguesa: se sabe lo que debe contener, pero se le disfruta siempre con ansia y sorpresa.

OPERACIÓN MONUMENTO (THE MONUMENTS MEN)

George Clooney, dirige, George Clooney produce, George Clooney escribe el guión, George Clooney actúa, el padre de George Clooney hace el rol del personaje de su hijo, ya adulto mayor en una escena final. A ello se agrega que los amigos de George Clooney actúan con él. Matt Damon, estadinense; Jean Dujardin, francés; Hugh Bonneville, inglés; Alexander Desplat, músico de la misma película, quien también actúa fugazmente. Hay otros reconocidos, menos amigos, como Cate Blanchett, John Goodman y Bill Murray. La película se rodó en Alemania y Reino Unido, locaciones históricas relacionadas bien con el tema, verídico.

El mismo George Clooney ha declarado lo que el espectador descubre unos minutos después de haberse sentado. Está ante un modelo de filme basado en los sketches propios de películas clásicas como “The Great Escape”, “The Dirty Dozen”, ”The Guns of Navarone”, ”The Bridge on the River Kwai”. Es la Segunda guerra mundial, los nazis tienen algo de tontos, los americanos simulan tener mucho de vivos, los franceses y europeos en general se dejan conducir por los gringos, todo se mueve al compás de una marcha militar con silbidos constantes, mueren unos dos personajes del pelotón heroico, robar un jeep es fácil, se mama gallo a todo lo que se mueve, y todo sucede en la bonita Europa semidestruída.

Sin embargo, se deja siempre al público la decisión de si está viendo algo serio o no. En resumen, George Clooney busca recuperar obras de arte, pero con su propio dinero de taquilla. Para ello, su nombre en el poster de este filme de recuperación de las obras robadas por los Nazis que en prevención de su victoria y sueño de “resetear” la historia, irían a reiniciarla a partir del dominio universal del Tercer Reich contan do con el patrimonio artístico de más valía. Tema interesante, en un producto honesto, pero flojo, basado en... George Clooney.

300 EL NACIMIENTO DE UN IMPERIO (300 RISE OF AN EMPIRE)

Las civilizaciones de la antigüedad han despertado siempre un cariño de novela, puesto de moda velos o peinados, popularizado icónicos héroes sobrenaturales y sentado fuertes bases teóricas en la política y la ideología. En el cine han sido recurrentes las películas “robe”, los temas de “gladio” y las mitologías grecorromanas. Se salta de prehistoria a historia, o de ficción mitológica a realidad bélica, sin distinción. Pero, en general, siguen siendo una fuente inagotable de representación teatral y cinematográfica. “300” impactó en el 2006 con la puesta en escena de la heroica defensa de las Termópilas por parte de Leónidas el espartano. Las enormes licencias históricas fueron aceptadas por el público mundial gracias a la excelente e innovadora versión de los cómic de Frank Miller con la coloratura de su esposa, en ese entonces, Lynn Varley. Esta producción de “bodega” y fondo verde, plena de efectos de posproducción digitalizada, costó US$65 millones y recaudó US$456 bien merecidos. Pero, “300 rise…” que costó US$120 millones no superará esta taquilla pues tendría que recaudar unos US$900.

Como Kevin Noonan ha titulado su artículo en “The Observer” se trata más bien de “300: la caída de una franquicia”. Solo le impulsan las expectativas, pero el “voz a voz” la afectarán. ¿Cuáles son los posibles errores? Posiblemente, el quizá erróneo colorido de la película, que es influido por el diseño y producción de su actual esposa Deborah. Posiblemente, haber delegado la dirección de la película en el cuasidesconocido Noam Murro (“Smart people”). Posiblemente, por su protagonista Sullivan Stapleton haciendo el Temísticles central sin mayor carisma que el de un SEAL o un boina verde de los Estados Unidos. Posiblemente, también por el exceso de luchas con sonido metálico. Aunque la alianza de polis griegas contra el Imperio Persa en el 480 a.C. en Salamina, al mando de Artemisia (Eva Green) y a órdenes de Jerjes I (Rodrigo Santoro), es una buena veta de emociones, del lado persa no hay la fuerza actoral necesaria. De la primera guerra Médica se traen referentes de Darío I y la Batalla de Maratón. De la segunda guerra médica se hace referencia a la precuela de la película, es decir a la Batalla de las Termópilas en que los persas vencieron a espartanos y se toma el punto central de la Batalla de Salamina en que la alianza de varias ciudades organizadas por Atenas derrota a Persia. Pero, tanto la exitosa precuela como “300 rise…” no son un documento histórico plenamente verídico. En lo histórico, la democracia griega no existía y, en lo costumbrista, los persas no vestían nada parecido a lo que el filme muestra como africano. Posiblemente, no le sea exigible menos iconoclastia histórica a ambos filmes, pero en “300 Rise…” no debieron romper con la estética de su antecesora y pudieran haber cuidado mejor de la iconografía que esa precuela logró para el fantástico mundo del cine.

EL PRINCIPE IGOR

Los cuatro actos y prólogo originales de Alexander Borodin, inconclusos en 1887, y luego finalizados por Nikolái Rimski-Kórsakov con obertura de Alexander Glazunov, se convirtieron en una versión libre de Dmitri Tcherniakov y el director italiano Gianandrea Noseda (para una orquesta de solo unos 30 músicos) en 2014. Aunque Borodin era químico con el hobbie de músico, ello no le quita mérito a su drama clásico sobre una historia acaecida en el siglo XII. Pero, no en busca de un juego de palabras, se puede preguntar acerca de si lo escrito en el siglo XIX explica la anacronía de esta obra, debida a sus 125 años. O si la mediocridad de la actual versión para el Metropolitan Opera y presentada en diferido en Colombia, se debe a su diacronía a través del tiempo, reflejada en la “creativa versión” de Tcherniakov. O si es la sincronía incomprensible que habría en un drama del XII, realizado a final del XIX y a ojos del espectador del XXI.

Todos los espectadores, iniciados o no en estos temas, saben de la usual belleza de oberturas y arias de las grandilocuencias musicales consideradas clásicas, pero también de la necesaria complacencia y paciencia con los recitativos, a través de los cuales sus autores, no siendo literatos expertos, introdujeron reiterativas frases para estructurar argumentos realmente simples desde la perspectiva contemporánea. En este caso, solo las populares “marchas polovtsianas” del acto II, tantas veces escuchadas y admiradas, o su clamoroso “finale”, podrían oírse juntas en unos 20 minutos, con todo respeto, que poco justifican ante el público común de hoy esa larga versión de 270 minutos, que incluyó entrevistas en inglés. En una de ellas, Tcherniakov explica su enfoque creativo de manera ingenua: vestuario contemporáneo de corbata, mezclado con vestimentas del ejército ruso del 1800, un campo de amapolas que rutiniza la retina, un ballet moderno para bailar las polovtsianas en el mismo campo, unos soldados que esgrimen revólveres mientras el diálogo cantado habla de flechas, entre otras tonterías de una poco diestra puesta en escena. Pero esas libertades, que parecerían lícitas, no llevan la obra al gusto del público actual que es, según Tcherniakov, su intención. El director desfigura, desconfigura e irrespeta la única obra de Borodin con sus diletancias “artísticas” y aburre.

NINFOMANÍA VOLUMEN 1 (NYMPHOMANIAC VOLUME I)

Joe (Charlotte Gainsbourg), Stacy Martin (Joe joven), Maja Arsovic (Joe de 7 años), Anania Berg (Joe de 10 años), Seligman (Stellan Skarsgård), Shia LaBeouf (Jerome), Sophie Kennedy Clark (B), Sophie Kasten (B de 10 años), Christian Slater (padre de Joe), Uma Thurman (Señora H), Connie Nielsen (madre de Joe), Hugo Speer (Mister H) y una treintena de actores identificados con iniciales, o sin ellas siguiera (ya que se trata de sex-parteners casuales o de paso), hacen el elenco de la primera de las partes en que fue dividida esta obra de Lars Von Trier. Para el segundo volumen cuenta con unas tres docenas de actores desconocidos, o conocidos no identificados, en la trama. Este primer volumen consta de 5 partes: “El pescador completo'”, “Jerôme”, “La señora H”, “Delirio” y “La pequeña escuela del órgano”. El siguiente tiene 3: “La Iglesia oriental y occidental, El pato mudo”, “El espejo” y “La pistola”.

EL AUTOR: Lars Trier, quien agregó el “Von” en broma acatando una burla de un profesor de su adolescencia, es un iconoclasta. Pintor de hobby. Al igual que Spielberg, se inició jugando con una cámara super 8; obtuvo antes de los treinta años una serie de premios por “Logros técnicos”, menospreció un tercer puesto en Cannes llamando “enano” al jurado Roman Polansky, o llenó de indirectas a la excelente Susanne Bier. Fue el coautor del “Dogma 95” junto con Thomas Vinterberg (reconocible principalmente por “Celebración”). Sin embargo, ambos directores abandonan su “Dogma…” al entrar el milenio, de acuerdo con una entrevista reciente solo “debido a la aparición de la cámara digital que abarata veinte veces los costos y afirma la imagen”, de allí que en “Bailarina en la oscuridad” usa 100 de estas cámaras fijas para filmar la canción de Bjork “I've seen it all”. Von Trier se “adorna” verbal y cinematográficamente de temas “políticamente” incorrectos como masturbación, martirio sexual, desnudos, orgías, genitalidad, automutilación. Alude joco-seriamente al semitismo y el nazismo. Es reciente converso al cristianismo. Mezcla el color con el blanco y negro, o colorea algunas de las escenas de sus películas. Es multifacético en sus filmes obrando como director, guionista, editor, cinematografista y actor.

LA OBRA DE TRIER: Von Trier divide su obra, llamativa por el intento de rupturas con el establecimiento artístico, en planificadas trilogías: “Trilogía Europa” (“El elemento del crimen”, “Epidemia”, “Europa”), “Trilogía Corazones de oro” (“Rompiendo las olas”, “Los idiotas”, “Bailando en la oscuridad”). “Trilogía: Estados Unidos: tierra de oportunidades” (“Dogville”, “Manderlay”, “Washington” –por realizar-), “Trilogía de la depresión” (“Anticristo”, “Melancolía”, “Ninfomanía”), A Estas cuatro “trilogías” se agregan nueve largometrajes y cinco realizaciones para TV.

LA ÚLTIMA PELÍCULA DE LA TRILOGÍA DE LA DEPRESIÓN: El danés Von Trier es guionista de sus películas y de las de otros. Ha funcionado usualmente bien. Sin embargo, en “Ninfomanía” se excede en su deseo de intelectualizar la estructura y los diálogos. Se atilda y se complica con rebuscadas citas científicas y símiles forzados, lo que fundamentalmente hace algo ridícula la participación del personaje de Seligman. Von Trier introduce diseños gráficos de imprenta para explicar al público ciertas tonterías de su guión, lo cual siendo interesante rompe el ritmo al lenguaje visual y aporta risitas sobre algo que se supondría enteramente dramático. Acota los apartes finales de sus escenas con detalles ingenuamente jocosos que, igualmente, parecen desvirtuar la seria intención de mostrar la génesis y desarrollo vital de una ninfómana. Una larga serie de “infantiles” toques de autor parece sobrar, con lo cual quizá la megaobra de cinco horas pudiera haber sido una muy aceptable y de duración normal. Sin embargo, aparte de los “polvos” reales, los generosos desnudos y las muy buenas actuaciones, se puede entender la razón por la cual Shia LaBeouf se enmascaró con una bolsa marcada “ya no soy famoso”, como crítica al hecho de que las preguntas de ruedas de prensa sobre la película se centraban solo en averiguaciones sobre las escenas de sexo explícito que, también parece ser, son lo que llama la atención a un sector del seudointelectual público.