SECRETOS PELIGROSOS (THE WHITLEBLOWER)

Rachel Weisz, literata de Cambridge University, judía, ganadora de Oscar, Globo de Oro, Laurence Olivier, SAG, Spirit Award, exesposa de Daren Aromofsky (“Black Swan”) y esposa de Daniel Craig (“007”) desempeña este rol de denunciante en el filme que en otros países se ha titulado como ”la sombra del delator”.

¿Cuál es la denuncia? Un hecho verídico de corrupción al interior de personal de la ONU comprometido en tráfico sexual y corrupción contractual en misiones internacionales de paz. Al pertenecer al Destacamento Policial Internacional (DPI), la periodista Kathryn Bolkovac se enfrenta a intereses multinacionales de Dyncorp (contratista de la ONU) en Bosnia. Buen contexto para un guión que no capta el interés esperado sobre un asunto que, lejos de obtener su justa difusión, pasará de manera algo intrascendente por las salas de cine “arte”.

VENGADOR ANÓNIMO (SEEKING JUSTICE)

Buscando justicia trae el recuerdo de la película pionera del concepto de “vigilante” surgido en el filme “Death Wish” de 1974, estelarizado por Charles Bronson, aquel notorio “tough guy” invencible del oeste rural y la selva urbana. Muere su esposa de manera vil y decide vengarse por propia mano, lo que en el contexto cultural de hace cuatro décadas era sorprendente.

Nicolas Cage no encarna este tipo de “héroe” en “Seeking…”. Por el contrario hace un antihéroe que cae en la tentación de aceptar la oferta de venganza de la violación de su mujer, quien acá no muere, por parte de un grupo especie de “mano negra” contra la delincuencia común que mantiene una estrategia de cadena de favores: yo te vengo, tú te vengas por otro, el otro se venga por aquel…. La gran diferencia reside en que esta venganza por tercera mano resulta en extorsión mortal, necesaria para que la cadena no se rompa.

PARA LAS MUJERES, !!! FELICES TODOS LOS DÍAS !!! marzo 8 de 2012

CON EL DIABLO ADENTRO (THE DEVIL INSIDE)

Insurge Pictures es una productora con dos años de iniciada en proyectos de bajo presupuesto. Todo empezó con “Paranormal Activity”, por culpa de DreamWorks y la distribución mundial de la poderosa Paramount, que multiplicó menos de U$1 a más de US$150 millones, siendo un bodrio risible.

Luego, las versiones de “PA 2” y “PA 3” lograron a manos de una Blumhouse Productions multiplicar U$3 a más de US$175 millones y U$5 a más de US$205 millones, respectivamente, engañando a la ingenua masa desprevenida y llena de temoras nacidos en casa. Paramount, tan seria, pero tan interesada apoya el asunto.

Ahora, “The devil inside” con solo US$1 millón van en US$70 millones y continuará barriendo billetes de los pisos de las salas de cine tercermundistas bajo el manto poderoso de Paramount Pictures. Los trucos: una nota que diga “Inspired by true events”, cámara al hombro en blanco y negro, videos borrosos de cámaras de vigilancia, lentes de contacto sin pupila, plagios continuos a la siempre recordada “The exorcist” con torres de templo, mujer atada que se eleva, voz diabólica que simula, cuerpos lanzados con violencia a las paredes, sacerdotes que mueren… en solo 80 minutos.

Resultado: el público contribuirá con la noble y desinteresada causa de estos avivatos productores de crisis, amparados por ese cartel que asusta almas infantilmente desoladas en las estaciones de transporte.

DESPUÉS DE LA VIDA (AFTER LIFE)

“After Life” tiene a Liam Neeson (“…Schindler”), Christina Ricci (recordada Wednesday Adams en TV) y Justin Long (acompañante fílmico de estrellas pero regular actor) como los atractivos del elenco y un cadáver joven de vestido rojo como atracción del poster. Nada más.

Mientras Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, novel guionista y directora polaca de 37 años, logra con su primera película generar dudas sobre la posible psicopatía del personaje de Neeson y la eventual patología paranoica de la Ricchi ¿está muerta, en coma, dopada o vive?, el público pondrá atención. Luego, cuando Long, su novio argumental, duda por enamorado que ella haya muerto, se llega al clímax del filme para luego caer en picada vertical dejando la sensación de que se ha perdido el tiempo en la sala de cine.

HUGO (LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET)

Brian Selznick (46), un nieto del primo del poderoso de la Metro de los años cincuentas, David O. Selznick (“Lo que el viento se llevó”, “David Copperfield”, “Historia de dos ciudades”), escribe literatura de magia, robots y niños, de lo cual se compone la atmósfera de “Hugo”. En este caso se inspira en Georges Méliés, de quien se acaba de celebrar el 150 aniversario de su nacimiento. Georges puso en práctica la invención de los hermanos Auguste y Louis Lumiere convirtiéndose en el filmógrafo por excelencia, el primero en jugar con la escenografía, la coloración cuadro por cuadro y la cámara lenta. En solo 17 años (1896-1913) dejó a la posteridad más de quinientos filmes (luego comercializados por Thomas Alba Edison en Estados Unidos), de los cuales el más recordado “Viaje a la luna”, inspirado en la novela de Julio Verne.

En “Hugo” se recrea el hecho real del retiro frustrado de Georges, de su reencuentro con una de sus actrices Jeanne D´alcy, quien administra un kiosco de juguetes en la estación de Montparnasse (bella recreación de Scorsese, con los personajes trocados convenientemente). León Druhot un director de prensa de cine lo reconoce y rescata. Este es el eje de la película que acaba de obtener numerosos galardones en Europa y Norteamérica.

Martin Scorsese, quien fue condecorado con la Legión de Honor francesa, hace un homenaje con “Hugo” a este país, como meca de la invención de la fábrica de sueños sobre pantalla plateada. Es Presidente de la “The Film Foundation”, precisamente encargada de preservar filmes clásicos, a la cual pertenecen directores como Allen, Coppola, Altman, Eastwood, Lucas, Redford, Spielberg, Jackson, Lee, entre otros.

“Hugo” es la nostalgia por la literatura de aventura (Verne, Dickens, Melville, Dumas) como el origen argumental de lo mejor del cine, por la pasión que estos libros despertaban en quienes hoy son tercera edad, por ese gran arte que es el cinematógrafo. El 3D, los “travellings, las escenas clásicas (tren, luna, hombres voladores, Buster Keaton colgado de las manecillas del gran reloj, persecusiones, estudios de cine como centros de ilusionismo), permiten a Scorsese realizar otra más de sus genialidades.

¿Existe hoy una base literaria del cine? Si, obviamente. Pero nunca de aquella que era primero leída y luego cinematografiada. Con “Hugo” queda en al aire una pregunta más acerca de la supervivencia del libro como fuente de entretenimiento y cultura infantil. Quizá por ello esta película, en esencia infantil, tendrá mejor público en adultos y paradójicamente parecerá común a los pequeños de hoy.

Scorsese dirige a Ben Kinsley, Christopher Lee, Jude Law y al iconoclasta Sacha Baron Cohen, para que Asa Butterfield (“El niño con la pijama de rayas”) viva sus aventuras junto a Chloë Grace Moretz, esa niña estupenda de “500 días juntos”, “Déjame entrar” y “Kick- ass”.

“Hugo” representa un intercambio fílmico con Francia. Estados Unidos hace este homenaje al cine galo enfrentado a “The Artist”, un motivo francés de recuerdo del cine mudo producido en América, al modo del antiguo Hollywood. “Hugo” es una crónica del inicio del cine como vaudeville e ilusionismo teatral proyectado en kinetoscopio y “The Artist” una anécdota de su segunda etapa muda, ya industrial, y de la transición a su época parlante, quizá de allí el equilibrio de los galardones para estos filmes de 2012, pues la Academia Americana hace una venia honrosa a Francia, aunque tropieza al agacharse con el buen Scorsese como director.

LOS PREMIOS OSCAR 2012

En un atrevido ejercicio de lotería, teniendo en cuenta que en esta publicitada premiación que representa el "Oscar" no hay puntuaciones para el público y solo se conocerá cada ganador, las probabilidades a que apueste este blog son las siguientes (los asteriscos representan los productos no vistos):

Mejor Película
"The artist"" 1 ACIERTO
"Hugo" 2
"The descendants" 3
"The help" 4
"Midnight in Paris" 5
"War horse" 6
"Moneyball" 7
"Extremely Loud & Incredibly Close" (*)
"The tree of life" 9
Mejor Actor
Jean Dujardin, "The artist" 1 ACIERTO
Demián Bichir, "A better life"" 2
George Clooney, "The descendants" 3
Brad Pitt, "Moneyball"". 4
Gary Oldman, "Tinker Tailor Soldier Spy" 5
Mejor Actriz
Meryl Streep, "The Iron Lady" 1 ACIERTO
Glenn Close, "Albert Nobbs" 2
Viola Davis, "The help" Rooney Mara, "The girl with the dragon tattoo" 3
Michelle Williams, "My Week with Marilyn" (*)
Rooney Mara "The girl with the dragon tattoo" 5
Mejor Actor de reparto
Christopher Plummer, "Beginners" 1 ACIERTO
Jonah Hill, "Moneyball" 2
Max von Sydow, "Extremely Loud & Incredibly Close" (*)
Nick Nolte, "Warrior" (*)
Kenneth Branagh, "My week with Marilyn" (*)
Mejor Actriz de reparto
Octavia Spencer, "The Help" 1 ACIERTO
Jessica Chastain, "The help" 2
Melissa McCarthy, "Bridesmaids" 3
Berenice Bejo, "The artist" 4
Janet McTeer, "Albert Nobbs" 5
Director
Martin Scorsese, "Hugo" 1
Michel Hazanavicius, "The artist" 2 ACIERTO
Alexander Payne, "The descendants" 3
Woody Allen, "Midnight in Paris" 4
Terrence Malick, "The Tree of Life" 5
Película Extranjera
"A Separation", Iran 1 ACIERTO
"Footnote", Israel (*)
"In Darkness", Poland (*)
"Bullhead", Belgium (*)
"Monsieur Lazhar", Canada (*)
Adaptación de Guión
John Logan, "Hugo" 1
George Clooney, Grant Heslov and Beau Willimon, "The Ides of March" 2
Alexander Payne, Nat Faxon and Jim Rash, "The descendants" 3 GANADORA
Steven Zaillian, Aaron Sorkin and Stan Chervin, "Moneyball" 4
Bridget O"Connor and Peter Straughan, "Tinker Tailor Soldier Spy" 5
Guión Original
Woody Allen, "Midnight in Paris" 1 ACIERTO
Annie Mumolo and Kristen Wiig, "Bridesmaids" 2
Michel Hazanavicius, "The artist" 3
Asghar Farhadi, "A Separation" 4
J.C. Chandor, "Margin Call" (*)
Película Animada
"Rango"". 1 ACIERTO
"A Cat in Paris" 2
"Chico & Rita" 3
"Kung Fu Panda 2" (*)
"Puss in Boots" 5
Dirección de Arte
"Hugo" 1 ACIERTO
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 2
"The artist" 3
"War Horse" 4
"Midnight in Paris" 5
Cinematografía
"Hugo" 1 ACIERTO
"The artist" 2
"The tree of life" 3
"War horse" 4
"The girl with the dragon tattoo" 5
Mezcla de Sonido
"Transformers: Dark of the Moon" 1
"War Horse" 2
"Hugo" 3 GANADORA
"The girl with the dragon tattoo" 4
"Moneyball" 5
Edición de Sonido
"Transformers: Dark of the Moon" " 1
"Hugo" 2 GANADORA
War Horse" 3
"The girl with the dragon tattoo" 4
"Drive" 5
Partitura Original
"The artist"", Ludovic Bource 1 ACIERTO
"Hugo"", Howard Shore 2
"The adventures of Tintin", John Williams 3
"War horse", John Williams 4
"Tinker Tailor Soldier Spy", Alberto Iglesias 5
Canción Original
"Real in Rio" de "Rio", Sergio Mendes, Carlinhos Brown and Siedah Garrett. 1
"Man or Muppet" de "The Muppets", Bret McKenzie (*) GANADORA
Vestuario
"Anonymous" 1
"Hugo" 2
"W.E" 3
"Jane Eyre" (*)
"The artist" 5 GANADORA
Documental
"Hell and back again" (*)
"If a tree falls: A Story of the Earth Liberation Front" (*)
"Paradise Lost 3: Purgatory" (*)
"Pina" (*)
"Undefeated" (*) GANADORA
Documental Cortometraje
"The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement"" (*)
"God Is the Bigger Elvis" (*)
"Incident in New Baghdad" (*)
"Saving Face" (*) GANADORA
"The Tsunami and the Cherry Blossom" (*)
Edición
"Hugo" 1
"The artist" 2
"The descendants" 3
"Moneyball" 4
"The girl with the dragon tattoo" 5 GANADORA
Maquillaje
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 1
"The Iron Lady" 2 GANADORA
"Albert Nobbs" 3
Cortometraje Animado
"Dimanche/Sunday" (*)
"The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" (*) GANADOR
"La Luna" (*)
"A Morning Stroll" (*)
"Wild Life" (*)
Cortometraje Animado en vivo
"Pentecost" (*)
"Raju" (*)
"The Shore" (*) GANADOR
"Time Freak" (*)
"Tuba Atlantic" (*)
Efectos Especiales
"Real Steel" 1
"Transformers: Dark of the Moon" 2
"Rise of the Planet of the Apes" 3
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2" 4
"Hugo" 5 GANADOR

Fueron 12 aciertos de 24 categorías, teniendo en cuenta que en 5 de ellas el material (cortos, principalmente) no está disponible en este país (63,15%).

EL ARTISTA (THE ARTIST)

Berenice Bejo estelariza acá para su esposo el director Michel Hazanavicius. Ambos franceses, aunque ella nacida en Argentina, comparten con el protagonista Jean Dujardin la aventura de recrear una pequeña historia sobre la transición del cine mudo al sonoro en medio de la cual un actor cae en decepción, declive, depresión y derrota profesional. Al elenco lo complementan John Goodman (“Pedro Picapiedra”), James Cromwell (“Babe”) y Penélope Ann Miller (“Chaplin”), quienes luego de estas películas han sido caras muy reconocidas en una gran cantidad de filmes norteamericanos y europeos.

Solo US$18 millones de presupuesto bastaron para revivir el blanco y negro, con música incidental y bailes evocadores de la gran depresión. Todo el derecho tiene esta producción gala de retomar los inicios del cine como espectáculo, pues desde Georges Melies, pasando por los hermanos Lumiere, las productoras también francesas aún vigentes como Pathe o Gaumont, fueron los vástagos de toda una corriente cultural dominante en el género mudo que precisamente por no tener barreras idiomáticas alcanzó total éxito, expandiendo la pantalla de plata a nivel global y abriendo una mina de oro a la cual los grandes estudios norteamericanos supieron explotar de inmediato.

El cine es francés y alemán en sus comienzos como género tecnológico y artístico, las grandes empresas productoras y los mercados cinematográficos ampliados son norteamericanos. “The artist” recrea las Clara Bow y Mari Pickford, también recuerda los John Barrymore, Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino. Además de los gerentes, directores y empresarios, como Griffith o De Mille.

La historia comienza muy bien, con excelentes actuaciones de Dujardin y Bejo, que gesticulan, se mueven y transmiten a la mejor manera de la cinematografía de hace un siglo, sin requerir profundas ojeras, exagerados movimientos y constantes ayudas de silenciosos letreros. En realidad “The artist” no recrea plenamente las condiciones técnicas de la época pues siendo versión modernizada su única diferencia con la actualidad es ser no parlante.

“Tha artist” puede ser un film algo didáctico para las juventudes de hoy, pero poco aporta a la historiografía e incluso a la cinematografía. Sus nominaciones tienen fundamentalmente una raíz nostálgica y una intención mercaderista, a pesar que para recrear ese universo deben reconocerse las descollantes actuaciones y el manejo de alta calidad técnica en la producción. Es un buen producto francés anticrisis en alianza conveniente con la enorme capacidad de distribución europeo-americana de Warner, Weinstein y Entertainment.

La corta película tiende a decaer en el tercio final del filme, finalizando con mucha menor fuerza narrativa que cuando empezó. Cabe esperar que el magnífico Dujardin no le birle el galardón de la Academia como actor principal al protagonista de la sencilla historia de “The descendents” e igual no pase con el reconocimiento a mejor película.

Incendies

La cinematografía acerca del problema libanés va desde lo feminista y romántico (“Caramel”), pasando por la calustrofóbica aventura bélica (“Líbano”), expresando el dolor de la masacre en bellas imágenes animadas (“Vals con Bashir”) o presentando una buena metáfora del impacto de la guerra fratricida en ese pequeño país que es escenario de las antagonías religiosas del tercer milenio, y de siempre.

Denis Villeneuve es el director canadiense de “Incendies”, a partir de una obra teatral de Wajdi Mouawad, un escritor joven (43) de ascendencia cristiano maronita y parte de la diáspora que del Líbano llevó a Canadá a una generación impactada en sus raíces por una guerra civil inexplicable en su origen e inexplicada en su impacto generacional, hasta “Incendies”. Compitió el año pasado en los oscares como Mejor película extranjera 2011 con “Biutiful” (México), “Canino” (Grecia), “En un mundo mejor” (Dinamarca), “Incendies” (Canadá) y “Hors-la-loi” (“Outside the law” de Argelia), todas ellas alrededor de las problemáticas humanas de las rencillas de etnia, cultura o creencia que se pueden observar en una sociedad de contrastes y significados globales. Ganó la primera, nunca la mejor lograda de todas, demostrando el sesgo occidentalista de un premio de marketing, que debió ir hacia el film dinamarqués por su mayor universalidad.

“Incendies” es una ficción dramática que resulta en una didáctica excelente de lo fratricida en un país donde cristianos y musulmanes, de fuerte ascendencia cultural francesa desde que fue protectorado hasta el final de la segunda guerra mundial, se disputan nacionalismos propios de cada uno de sus dioses. Uno de los innumerables conflictos internos que caracterizan el mundo contemporáneo, que desplegó sus imágenes a través de redes mediáticas sin comprensión plena por parte de las masas ociosas de las grandes ciudades. Durante su guerra civil (1975-1990) y luego con el enfrentamiento de Hezbollah y el entrometido Israel en el 2006, la cercanía de la Palestina convirtió al Líbano en campo de batalla de conflictos cercanos y territorio de ocupación hasta hace un lustro.

Es la metáfora alrededor de un testamento lo que permite que el guión describa cómo la activista estudiante católica, convertida en magnicida del líder musulmán de su localidad, cumpla 15 años de cárcel durante los cuales pare en prisión un hombre y luego dos gemelos, como resultado de reiteradas violaciones de su verdugo. “La mujer que canta” es el mote que la identifica por su reticencia a no doblegarse. Querrá como su voluntad final que el gemelo varón encuentre a su hermano desconocido. El hijo convertido en hábil “sniper” cristiano cambiará hasta convertirse en “torturer” musulmán dentro de la prisión donde se encuentra su propia madre, sin saberlo, hasta que se entere bajo su identidad de refugiado en Norteamérica. Esta es la metáfora central alrededor de los incendios de Beirut y otras pequeñas poblaciones, de los rescoldos que se propagan por generaciones, de las quemas de lazos familiares, de la quiebra incendiaria de proyectos nacionalistas de una población dividida por mitades para el Alá islamista y el Dios cristiano, que no pudo siquiera hacer catarsis en una división territorial. De esta manera, “Incendies” va desde el cierre de la universidad hasta la migración a Norteamérica, convirtiéndose en un documento ficticio que enseña, como en Colombia, por qué la búsqueda de la verdad de los sufrimientos individuales es parte necesaria de la sanación de los conflictos colectivos.

LA CARA OCULTA (BUNKER)

Andi Baiz (caleño de 36) tiene experiencia en nueve cortos (los cuales suman todos unos 55 minutos), dos mediometrajes (ambos totalizan 70 minutos) y dos largos (“Satanás”, “La cara oculta”).

Baiz orienta a un grupo de actores noveles. Quim Gutiérrez es catalán con experiencia televisiva y una carga actoral típica de su tierra nativa. Clara Lago es madrileña con similar experiencia, pero con más soltura actoral. Martina García, la colombiana, también de origen televisivo y con media docena de largometrajes, aporta su cuerpo, como es usual, y la capacidad de reflejar emociones sin sobregesticular su rostro de niña.

La música es de Federico Jusid, un argentino con la suficiente experiencia para crear una elegante estela de sonidos alrededor del desarrollo de este thriller. La productora musical es Anelle Onyeekwere, que apoyó en esta área a la laureada “El secreto de sus ojos”.

No obstante, es la Orquesta Filarmónica de Bogotá la que aporta unos apartes de Rachmaninoff y Tchaicovsky que embellecen el trasfondo vital del personaje masculino central, que hace el rol de un director español visitante en Colombia.

Adrián (Joaquim Gutiérrez Ylla), es el maestro director de orquesta y su novia Belén (Clara Lago). Están enamorados, pero una broma de Belén genera la seria situación en que se entretejen posibles celos y desapariciones. La camarera Fabiana (Martina García) aparece en la vida de Adrián. Un detective amigo de Fabiana (Juan Alfonso Baptista, el “Gato”) sospecha de Adrián y previene a esta de su reciente novio. La trama se enreda un tanto y termina con una buena justificación de lo que fue el hilo conductor.

¿Qué hay en esta película simple? Una actuación muy pobre de Quim Gutiérrez. Nada convincente con la batuta en el elegante teatro (Jorge Eliécer Gaitán), no estuvo a la altura de las lindas chicas, ni intentó superar con una buena dicción el regular sonido del filme.

Es una película de escenografía elegante, con el elevado hálito social que provee una orquesta sinfónica y los interiores de una gran casa de ensueño. Todo en un alto status que más que justificado por el entorno social del personaje, es resultado formulado del “feng shui” que se requería para contar con un buen tráiler de promoción de una película simplemente televisiva, como su elenco.

El avance de la imagen cinematográfica...

Hace 90-100 años del 3D bicromático en el cine. Pero solo 59 años de una producción comercial con "La casa de cera" en tercera dimensión. 85 años de la primera película sonora "El cantante de Jazz", 70 años de la magistral "Casablanca" en blanco y negro. Aunque hubo tricromáticas y similares hace 103 años, puede reconocerse como la primera película en tecnicolor a "Lo que el viento se llevó" de hace 73 años. Todo a propósito de "El artista"....

De Charles Dickens

En el bicentenario de este prolífico escritor de novela histórica, puede recordarse que a pesar de haberse filmado más de una veintena de películas basadas en sus personajes, sólo a partir los años setentas se encuentran filmes más fidedignos a sus libros y con un lenguaje cinematográfico "soportable" frente a los ritmos y exigencias actuales de la imagen. De estos se pueden recomendar, en desorden cronológico: “Oliver Twist” de Roman Polansky (Ben Kinsley, Barney Clark), “Oliver” de Carol Reed (Oliver Reed,Mark Lester), “A christmas carol” de Robert Zemeckis (Jim Carrey y Gary Oldman), “David Copperfield” de Simon Curtis (un producto originalmente para TV, con Daniel Radcliffe y Maggie Smith) e “Historia de dos ciudades” de Ralph Thomas (Dirk Bogarde, Ian Bannen, Christopher Lee, entre los recordables), películas que se consiguen en la red y en ventas de cine "arte".

LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO (THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO)

En un escenario de mercadeo global hay títulos vendedores como “Los hombres que no amaban a las mujeres”, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”, que son conocidos en el cine con el antetítulo de Millenium I, II y III. O, del inglés, “La chica con el Dragón Tatuado”, “La chica que jugaba con fuego” y “La chica que pateó el avispero”.

Pero no basta con la titulación para un éxito que la saga literaria sueca de Stieg Larsson y sus versiones fílmicas dirigidas la primera por Niels Arden Oplev y las dos siguientes por Daniel Alfredson, podría tener en los “remakes” hollywoodenses. Así, en modo potencial.

Al ver “La chica del dragón tatuado”, dirigida por el maestro David Fincher (“Se7en”, “El club de la pelea”, “Zodiac”, “El curioso caso de Benjamin Button” y “La red social”), podría uno afirmar ¿¿ ?? que no habrá saga remake en inglés.

Steven Zaillian, guionista consumado de fenómenos como “Moneyball: Rompiendo las reglas”, "El juego de la fortuna", “American Gangster”, “Todos los hombres del rey”, “La intérprete”, “Pandillas de Nueva York", “Hannibal”, "Misión imposible", “Peligro inminente", “La lista de Schindler”,”En busca de Bobby Fischer”, “Despertares” o “El juego del halcón”, cambia fichas en el tablero de ajedrez, solo para diferenciarse algo de los guionistas Nicolaj Arcell y Rasmus Heisterberg (Millennium I), Jonas Frykberg (Millennium II), Jonas Frykberg y Ulf Ryberg (Millennium III), puesto que hace lo que puede expresarse bajo tres hipótesis:

1. Diferencia, de manera individualista, aquí y acullá interviniendo el guión, sin mejorarlo.
2. Asume libertades de “autor” que para quien no ha visto las versiones suecas pasarán desapercibidas o para quienes si lo han hecho parecerán intrascendentes.
3. Decide en acuerdo con los productores que lo que se convirtió en una franquicia quede descontinuada o permita a sus nuevos poseedores tomarse libertades de “negocio”.

En el guión hay sutiles cambios como los siguientes:

1. Los flashbacks reemplazan películas caseras de Henrik Vander (el multimillonario que contrata al periodista Blomkvist).
2. Se evita la alusión a “capitalista” y “comunistas”, presente en la versión sueca.
3. Vander ofrece cuadruplicar salario y aportar evidencias contra Wennerstrom (el empresario que gana un pleito al periodista por difamación). En la original solo hay la oferta de “una situación acomodada”.
4. Aunque es ciertamente tácito que Lisbeth Salander es una hábil “hacker”, este adjetivo se evita y es reemplazado por un gesto desdeñoso de ella hacia las medianas habilidades del periodista en el manejo de sistemas.
5. Acá se usan fotos para datar los crímenes, en tanto la original utiliza flashbacks realistas.
6. No hay remembranza del “fósforo” que la chica usa cuando pequeña para incendiar a su padre abusador (precuela).
7. En esta versión Lisbeth visita al padre ensimismado en un frenocomio. En la original la visita es a su madre, puesto que del padre aún no se sabe su destino (secuela).
8. Ana confiesa al periodista los abusos del padre, antes de su regreso como Harriet. En el primer filme, Harriet los confiesa al final de la película a su propio tío Vander y al periodista.
9. Acá Harriet ha estado en Londres gracias a Anita, mientras que en el filme sueco el periodista va hasta Australia para traerla de regreso.
10. En este segundo filme es la hija del periodista quien halla desprevenidamente que esos códigos que maneja su padre corresponden a citas bíblicas. En el filme original ello es resultado del inteligente trabajo de Salander y el periodista.
11. En esta segunda película, Salander esgrime una pistola, mientras en la sueca no toma armas en su mano.
12. Igualmente, en esta pide autorización para “matarlo”, mientras que en la primera versión se limita a ver de lejos cómo va a suceder la explosión que acabará con Martin Vanger.
13. En la versión americana Lisbeth es quien logra generar evidencias falsas, pero convenientes, con el dinero del periodista, para incriminar por fin a Wennerstrom de mover dineros en sus cuentas de Islas Caimán, dejando su disfraz de rubia a disposición de las cámaras públicas para inculpar a la acompañante de este. En la versión sueca Lisbeth investiga a fondo y provee la información que el periodista requiere para librarse de la inculpación de difamación, en tanto que el disfraz, descubierto solo por el periodista, lleva a dejar una estela argumental para la segunda parte.

Finalmente, sólo tres preguntas:

¿Habrá segunda parte americana, a pesar de los hilos argumentales cortados?
¿Merece nominaciones el papel de Rooney Mara (Lisbeth Salander)?
¿Se ameritan las demás nominaciones al Oscar 2012?

Pd. En entrevista, David Fincher reconoce haber aceptado cambio del final, entender que lo suyo no es una crítica del poder, que toda la película está acomodada para el público norteamericano y que habría secuelas "solo si la taquilla es buena"...

LOS DESCENDIENTES (THE DESCENDANTS)

Merecido galardón, si se da para George Clooney, por su notorio cambio de perfil protagónico en este film en el cual se cuestiona la validez de las grandes herencias, el respeto por la naturaleza como supremo valor, la existencia de paraísos como Hawaii en mitad del Océano Pacífico y con comodidades tecnológicas para poco más de 1.300.000 habitantes americanoasiáticos gozando de uno de los más elevados ingresos por cabeza del mundo actual.

En medio de este edén contemporáneo los amores son igualmente sufridos que para el resto de las personas. El tedio de las adolescentes y sus inmaduros existencialismos se mezclan con el de las parejas al borde del divorcio. La muerte cerebral del ser querido no impide que ante su “cuerpo aún no desconectado” se le reclame y se le confiesen rencores por parte de los afectados por una infidelidad. Matt King (Clooney) representa los intereses de toda la familia, pero habrá de cuestionarlos luego de recapacitar sobre la inutilidad de la vida sin el amor descuidado e irrecuperable y cuyo único reemplazo será el de las pequeñas hijas.

Este marco sirve para que Alexander Payne, poco prolífico pero talentoso director y guionista galardonado de “Sideways” (Oscar 2004) y “About Schmidt” (Golden Globe 2003) junto a media docena de producciones menos reconocidas, oriente a “Los descendientes” a través de una buena historia bien puesta en escena, que ha ocupado algunos de los primeros diez lugares entre los mejores filmes del presente año según canales televisivos, importantes sites de internet y prensa estadinense especializada. La película tiene un tono europeoasiático, quizá porque que se desarrolla en medio del mar en Hoahu, por lo cual su tono no es plenamente estadounidense.

Clooney ya ganó el Globo de Oro por este desempeño, además de otras nominaciones importantes. Payne también ha sido destacado por críticos y prensa. Ahora ambos van por un merecido Oscar, pero tienen el enorme obstáculo de “The artist”, que les compite en varias de las mismas nominaciones.

Kaui Hart Hemmings, una mujer que ha escrito para la revista de Francis Ford Coppola, “Zoetrope”, además de otro libro de pequeños relatos titulado “House of thieves”, a sus 36 años demuestra en el eje de sus argumentos una mirada adolescente. En el caso de su libro “The descendants” base de la película, esta perspectiva relatada se hace desde la voz interna (en off para el filme) de Matt King, pero en complicidad constante con su hija Alexandra (Shailene Woodley, 21), un personaje que traduce el pensamiento de la escritora, en cuanto es hija adoptada de un surfista y político reconocido y hermanastra de una pequeña, todo lo cual reproduce en parte el eje transversal de los principales personajes de “The descendants”, donde a partir de cierto punto Matt y Alexandra interactúan con las mismas reacciones frente a la madre, el amante y todo el pequeño universo de este simpático filme.

LA PIEL QUE HABITO (THE SKIN I LIVE IN)

Todo lo de Almodóvar debe verse, sin prejuicios. En este caso los pseudointelectos del análisis cinematográfico clasifican a “La piel que habito” dentro de una etapa “noir” de don Pedro, el director de “Todo sobre mi madre” y “Hable con ella”, filmes estos que corresponderían a su etapa “autobiográfica”. Pero, ¿Qué habría de particular ahora en la etapa negra de uno de los más populares directores españoles de la contemporaneidad?

El cine de Pedro Almodóvar es calificado de naturalista, surrealista y melodramático. Es decir, muestra la problemática social vigente, agrega visos irreales a su puesta en escena y es tragicómico. Su hermano Agustín y la empresa productora de ambos, “El deseo”, han puesto su impronta en la guionística mundial, elevando la identidad española posfranquista a un nivel universal y compitiendo en los ambientes de hollywoods, boliwoods y europeuds (UE), donde no han podido negar su acercamiento a las masas en taquilla.

Entonces, “La piel…” aparece como el vigesimoprimer filme del director de 63 años en su 34 años de cinegrafía y dentro de una etapa de cine negro que significaría Misterio, Miedo y Muerte Mezcladas de la Misma Manera. Lo cierto es que productos como “Matador”, “Mujeres…”, “.. mi Madre” o “La Mala..”, perteneciendo a diferentes momentos y etapas, 1985, 1988, 1999 y 2004, por ejemplo, han mantenido la continuidad del buen Almodóvar, permitiendo dudar de grandes diferencias o escalones de madurez en una obra que si cabe en el mote de “cine de autor”. Los intensos rojos y los brillantes amarillos de sus escenografías, las españolísimas actuaciones de gritería, las alocadas persecuciones de extraviados personajes, el persistente mundo homosexual, las desfachatadas mujeres, las sexifeas, los cuerpos descarados, los creativos e inocuos asesinatos, las melifluas escenas dramáticas ante las que nadie sabe si reir o llorar, son ya clásicas. Por otra parte, las simetrías de sus enfoques de cámara, la poca simpatía con los clarooscuros, la prevalencia de interiores, la minimalía de recursos, le han permitido reducir esfuerzos de producción y generar efectos de impacto a la fábrica de sueños de “El deseo”.

Pero, hay que referirse a las dos grandes características de “La piel que habito”. Una su argumento y otra la vuelta de Antonio Banderas. Del argumento cabe decir que Almodóvar, más exactamente su hermano Agustín, se han preocupado siempre por temas del “destape” español como la promiscuidad, los amantes y la infidelidad, el sexo rampante, la homosexualidad revelada, los trasfondos de droga, prostitución y delincuencia de bajos fondos, las psicologías aberradas, el erotismo de las clases bajas y medias, las añoranzas de los que se han ido, las venganzas. De la vuelta de Banderas, debe recordarse que en la década de los ochentas fue el chico Almodóvar de cinco de sus películas, para regresar dos décadas después con un problema de compaginación con el director de la que fue su primera película en 1982 (“Laberinto de pasiones”).

La parte argumental es ciencia ficción sobre el potencial injerto total de una piel sintética a un ser humano y sin rechazo fracasante, condimentada con la venganza del cirujano plástico (Banderas) hacia el violador de su hija. A partir de su secuestro comete lo que es un delito de transexualización quirúrgica sobre este, cambiando también su psiquis. El médico Robert Ledgard, le (o la) convierte en su amante reclusa, desencadenando una serie de situaciones que pueden dejar al descubierto su falta de ética profesional y los delitos cometidos, en medio de payasas escenas y misteriosos indicios tontos que llevan al espectador a descubrir el hilo de la historia. Lo peor es ver a un Banderas que ha pasado dos décadas en medio de productores de primera línea convertido en un buen títere de directores, pues ha sido simplemente un reiterativo actor sin histrionía interesante inmerso en proyectos de medio y alto presupuesto, ahora nuevamente orientado por un Almodóvar que lo dejó hacer confiado en su experiencia. Banderas ya no es el muchachito malagueño relativo actor natural, sino un avezado trabajador hollywoodense que intenta actuar por su cuenta sin aportar lo que el director pensó que podría.

Deprimente actuación de Antonio Banderas en medio de otras sobreactuaciones del elenco y de situaciones algo rebuscadas. Más que interesante, esta película solo llama la atención de los “almodovaristas” y los “banderistas”, para llevarlos a lo que debería ser reconocer, por lo menos, que la dupla Almodóvar-Banderas no funciona y va en detrimento del buen talento del primero y aún más del mecanicismo profesional del segundo. Debe decirse que las nominaciones de este filme se deben al historial de su director y al cartel de su actor, no a verdaderos méritos que habrán solo de "reconocerse" en los vernáculos Goya y jugando de local.